Segunda y última lista del año en lo que a música se refiere, en el MeltingMan haré también una pequeña (13 en total) lista con lo que más he disfrutado durante el año en el apartado cinematográfico, en la que os recomiendo encarecidamente todos y cada uno de los incluidos en esta ecléctica y variopinta selección con artistas de todos los calados con la que, he de admitir, he sudado tinta china para componerla, tanto en lo que referente a la inclusión dentro de ella como en lo referente a las posiciones que ocupan cada uno de ellos. Puede que durante otro día el orden pueda variar (incluso considerablemente) pero finalmente este ha sido el resultado después de darle muchas vueltas al tema. Espero haber coincidido con algunos de los vuestros de la misma manera que también espero podáis pegarle unas escuchas a otros que se os hayan escapado. El año que viene más y mejor (tarea complicada).
Empezamos la lista con una banda de hardcore-punk venida desde Boston liderada por una fémina de armas tomar (y no será la única con las mismas características). Capaces de poner tu vida del revés en menos de veinte minutos (sus diez cortes se funden en diecinueve de los más intensos y agresivos minutos del año), la banda capitaneada por la incendiearia Anna Cataldo y completada por Paul Henry, Ryan Abbott y Ryan Taylor toma lo mejor del hardcore-punk americano de principios de los 80 para fusionarlo con el UK-punk más primigenio y obtener explosiones de sonido que no llegan a los dos minutos de duración con un estilazo, un sonido y una actitud más allá de toda duda. Primer largo de la banda, después de una lustrosa demo (2013) y un Ep (2015) de lo más jugoso, editado por La Vida Es Un Mus en Europa y por Side Two en los USA.
Con una de las portada más provocativas y sorprendentes de toda escena hardcore-punk internacional, hay que tener claro que enfrentarse al Facades de Limp Wrist (su primer álbum nueve años después del último) se convertirá en toda una experiencia desde el momento en el que nos sumerjamos en su portada para intentar discernir que es lo que nos vamos a encontrar en su interior. Pues bien, obviando sus primeros temas que nos llevan por el camino del punk más abrasivo, urgente y visceral con ciertos tintes de hardcore a la old school y claras intencones melódicas, Limp Wrist cumple la característica de ser una indudable rara-avis dentro de la escena. Limp Wrist es una banda de Philadelphia que, más allá de centrarse en el punk de carácter sórdido, no le hacen ascos a la electrónica más básica y sucia. Dato que sale a relucir de manera inequívoca en su tramo final con 3 temas (In My Mind, Dead Artist y Systems In Place) capaces de volarte la cabeza después del cuadriculado estilo al que pertenecen los siete cortes que preceden al trío maravillas con el finalizan el disco. De una pieza es poco.
Y seguimos en Boston para reventar nuestras cabezas de la manera más salvaje con Firewalker y su debut autotitulado. De nuevo capineados por una fémina de armas tomar, Sophie Hendry produce uno de los registros vocales más oscuros, siniestros y sorprendentes de la escena hardcore-punk de Boston, la banda, completada por Cecelia Halle, Nate Patsfall y Rory Tito, ha grabado su debut en los estudios del sello Side Two y el encargado de producirlo, grabarlo y mezclarlo ha sido precisamente Ryan Abbott de los ya nombrados Exit Order. Con cierta habilidad para el caos controlado y una clara debilidad por los registros death metaleros, Firewalker se ha convertido en mi banda favorita de hardcore de la actualidad gracias a una visión tan contundente como refrescante en una escena en la que los patronajes estéticos, estilísticos y de sonido han caído en picado después de escuchar este incombustible debut en el que sus trece cortes no alcanzan a sumar ni quince mintuos entre todos ellos. Muestra inequívoca de la urgencia, la agresividad y la contundencia con la que ejecutan su homónimo debut. No apto para corazones débiles, cabezas poco amuebladas y cortos de miras.
Con unas partes de energía electrizante y otras de vigorosa vitalidad, su mayor baza es la de conseguir ensoñadoras melodías y arrebatadoras atmósferas en un marco en el que el metal matemático y el punk conviven de manera efervescente sin que, en ningú momento, la mezcla suene fuera de lugar o vergonzosa, todo lo contrario. Venidos desde Bélgica y capitaneados (una vez más) por una fémina de armas tomar, el debut largo de Brutus se entrega como uno de los discos de presentación más sólidos, originales y atractivos del año. Según su propia descripción, en conreto la de Perter Mulders bajo fundador del trío de Leuven, -Burst es una explosión de punk urgente, hardcore desbocado, atmósferas post-rockeras y un extásis metállico ennegrecido, un tira y afloja entre la complejidad musical y el buen rollo accesible-, ahí es nada. La banda la completan Stijn Vanhoegaerden a la guiatrra y Stephanie Mannaerts en el apartado vocal y a los parches, un trabajo de aúpa el de Stephanie.
Con un concierto que nos dejó a todos con ganas de más, lo suyo en directo no tiene parangón, The Kids Will Know It's Bullshit es el disco más divertido, desprejuiciado, borracho, fumado, fiestero e irresponsable de todo el 2017, de eso no hay duda. Simplemente entendiendo mínimamente el idioma de Shakespeare, podremos comprobar que en sus letras no faltan nunca los porros, las cervezas, las fiestas desbocadas y la irreverencia juvenil más desfasada y providencial. Sumamente centrados en el punk-rock y el garage de la década de los 90, hasta sus atuendos a la skate-surf parecen salidos directamente de aquella época, no hay mejor y más disfrutable túnel del tiempo para viajar a aquella gloriosa década que vivir un concierto de los Dune Rats, o en su defecto pincharse hasta la extenuación los dos discos de este descarado trío australiano. ¿Quién da más?.
Descubiertos hace poco más de un mes a raíz de un post en el muro de facebook de un colega, no puedo decir más que he caído rendido a sus pies sin remedio alguno. Supongo que si me hubiera dado tiempo de petarlo más, podrían haber ocupado posiciones algo más elevadas, pero que con el poco tiempo que he tenido para escucharlos hayan conseguido llegar hasta aquí, ya dice mucho de éste Visions Of A Life. Bebiendo de la misma manera del shoegaze, que del grunge noventero y el rock atemporal, el segundo largo de la banda inglesa capitaneada por Ellie Roswell, poseedora de uno de los registros vocales más sensuales y fantasmagóricos del momento, además de variado, se ha convertido en la última y mayor salvadora del britpop (en este caso más rock que otra cosa) y en uno de mis descubrimientos más gordos del año. Como inciso, estamos en el cuarto disco cantado por fémina en lo que va de lista, y tan sólo llevamos seis.
El debut de los australianos (y van dos) Tired Lion nos remite, de la misma manera que lo hacen los Dune Rats aunque no bajo las mismas premisas, de cabeza a la dorada década de los 90 y sus distorsiones indie de calado contundente y alocado. Con influencias de bandas como Elastica o The Breeders, Tired Lion están más que dotados para hacerte pasar un rato de lo más evasivo y completo disfrutando sin complejos de la herencia noventera en su más pura esencia. Además de todo eso una banda con títulos como Cilantro, Dumb Days (corte que da título al disco) o mi favorita Cinderella Dracula, no debería pasar desapercibida, al menos para mí. Ya apuntaban maneras con sus Ep's anteriores y el fantabuloso directo del Primavera del pasado año, pero la culminación en largo ha superado mis expectativas con creces. Obviamente Sophie Hopes (su vocalista) se ha convertido en mi nueva heroína guitarrera.
Con un adelanto en forma de single que sacaron para su concierto en el Primavera Sound de este año, Everyhitng Now es mi disco favorito del combo canadiense desde aquel lejano Neon Bible. Tomando como referencia sus claras cadencias pop y revistiéndolo todo con unos aires dance que no podrán hacer que dejes de bailar, ese inicio al más puro estilo ABBA de Everything Now y ese hit indiscutible llamado Signs Of Life dejan muy claro que esto viene bien gordo. La banda ha sabido dinamizar coherentemente los estilos y ofrecer un disco en el que, sin necesidad de seguir una línea concreta en todos los temas, suena sumamente sólido y convincente. Un trabajo de producción que ha recaído en parte sobre ellos mismos, pero que también ha contado con grandes nombres como Geoff Murphy (Portishead), Thomas Bangalter (Daft Punk) y Steve Mackey (Pulp) como protagonistas indiscutibles del particular sonido conseguido para éste Everything Now.
Después de varios Ep's, mixtapes, colaboraciones y encarnaciones con diferentes alias (Spooky Black, Lil Spook, Bobby Raps) y como componente del colectivo Stand4rd, Corbin entrega finalmente su disco debut largo en colaboración con Doc McKinney entregándonos una obra que se sale completamente de lo experimentado anterioremente, de lado quedan sus escarceos con el rap, el trap o el cloud, para centrarse de manera irrefutable en su faceta de crooner al más puro estilo R&B (era algo que se veía venir) exponiendo un potencial y una calidad absolutamente abrumadora. En clara competición con claros jefes del género como Jamie Woon o James Blake, el carácter melancólico, derrotista e incluso depresivo de su debut casa a la perfección con esas líricas siniestras y su claro carácter destructivo. Con una portada y una tipografía que bien podría representar el nuevo disco de black metal vanguardista, Corbin Smidzik ha conseguido facturar una de las obras más oscuras y preciosas del año.
En un momento en el que la escena rap se disipa y se diversifica con el trap y el pop como nuevas armas de batalla, el controvertido Young Thug da de pleno en la diana con un álbum que rezuma calidad, melodía y potencial a partes iguales y en el que el pop y el rnb se convierten en los aliados más sólidos y disfrutables de éste imponente Beautiful Thugger Girls. Si con sus anteriores mixtapes ya nos enamoró con su forma de cantar y sus indescifrables ritmos salidos del espacio exterior, con su debut largo en solitario ha conseguido refrescar sus propio estilo y completar el disco dejando algunos de las composiciones pop más preciosas y lujosas de la actualidad musical. Sin duda alguna estamos ante su obra más cantada (aquí prácticamente no hay rapeos) y el testigo más referencial de lo que Akon hacía hace una década atrás.
Pero si tenemos que hablar del disco de trap del año fuera de nuestras fronteras, para mí no han podido superar lo de nuestros Recycled J. o C. Tangana, entonces tenemos que destacar el segundo largo de Migos titulado Culture. Un disco que recoge todo lo mejor del trap americano y lo ensalza para encumbrarlo hasta lo más alto con himnos insuperables de la talla de Bad and Boujee, T-Shirt, Slippery o Get Right Witcha. Si bien es cierto que el disco va perdiendo fuelle a medida que va avanzando, también es bien cierto que sus últimos temas, sin tener el potencial de hits que tienen los primeros, completan un disco que suena sólido, disfrutable y bailable por los cuatro costados. Destacando sobremanera un Quavo que se lleva la palma en cuanto a calidad individual del formato trío que conforma el combo, siendo Offset y Takeoff quienes completan la banda, lo variado de sus producciones (y colaboradores) hacen de este Culture uno de los discos más sorprendetes, exitosos y valiosos de la escena trap actual. Al loro con el disco colaborativo entre Quavo y Scott Travis que se acaba de estrenar titulado Huncho Jack del que tengo que decir que si hubiera tenido una semana más para petarlo, probablemente se habría posicionado también en la lista.
Tercera entrega en formato largo del italiano Massimo Ussai en tan sólo dos años desde su estreno como solista synthwave. En una escena que está en constante desarrollo y expansión, cada día hay alguien nuevo que quiere poner su granito de arena en el estilo, Confrontational ha encontrado su propio espacio, definido y rico en el que se mueve como pez en el agua (esos colaboradores estelares que se agencia para cada nueva obra son oro puro siempre), demostrando una calidad, una diversificiación y una originalidad bastante rara dentro de la escena. Su capacidad para inducir al oyente a un mundo tan oscuro como precioso y rico en matices, gracias a una capacidad vocal tan evocadora como desarmante, es sin duda su mejor baza. Artwork por obra y gracia de Branca Studio una vez más, algo que ya se ha convertido en uno de los sellos de identidad estética del italiano y nosotros que nos alegramos.
Sin duda alguna, estamos ante uno de los discos más accesibles de los Queens, al menos en cuanto a tempos y canciones más "ligeras", por decirlo de alguna manera, se refiere, pero ese carácter crudo, seco y directo de su producción (obra del genial Mark Ronson) hace que la obra tome unos derroteros mucho más complejos de lo que sus composiciones puedan parecer en un principio. Villains viene acompañado de una diábolica portada perpetrada (nuevamente) por el artista gráfico Boneface, quien ya colaboró con ellos en su anterior largo. Además pueden presumir de contar entre sus filas con el maestro John Theodore a las baquetas en sustitución de Joey Castillo. Villains, otra mayúscula obra de rock atemporal firmada por uno de los combos más sólidos, insuperables y sinceros de la actualidad rock internacional.
Más allá de toda la polémica creada en torno a la banda Ghost y sus ex-compoenetes, con los que ha habido una batalla legal que ha traspado los juzgados para comentarse en los tabloides, se esconde un proyecto de altura llamado Priest capaz de entregar un trabajo tan alejado (al menos en sus contenido ya que sus formas podrían estar bastante emparentadas) de sus orígenes como para replantear una nueva y gloriosa vida más allá de los archiconocidos Ghost. Comformada en formato trío y bebeiendo de influencias ochenteras con refrencias a Systers Of Mercy, Depeche Mode o a los Nine Inch Nails del Pretty Hate Machine, Priest convcence, sorprende y refresca de manera considerable unas expectativas que, una vez escuchado el disco al completo, van mucho más allá de lo esperado. Estamos ante uno de los discos de electrónica retro más disfrutables, sencillos y accesibles del revival ochentero. Temazos tan certeros como The Cross, Virus, Vaudeville o History In Black los llevo ya impregnados en el ADN.
Después de darle un margen más que prudencial para anazliarlo a conciencia y dejar que las canciones llegaran a crecer todo lo posible, he de admitir que no he conseguido llegar a lo esperado siendo (claramente) éste Something To Tell You, el segundo y muy esperado largo de las hermanas Haim, inferior a su insuperable debut. Lo bueno que tiene es que en ningún momento hace que acudas a su debut (por mucho que te parezca mejor) y eso dice bastante de la acertada colección de canciones que han conseguido incluir en este luminoso Something To Tell You. Un disco que sigue funcionando a las mil maravillas (sobretodo en verano) y que hará las delicias de sus seguidores (acercando aún más público si cabe a su propuesta) y demostrando que cuando se trata de hermanas con calidad musical, se hace muy complicado igualarlas. Sigo profesándoles un amor incondicional y tengo que admitir que es uno de los discos que más he quemado este año.
Y seguimos retozando en el mainstream americano, por mucho que hayan artistas de allí que por estos lares ni se escuchen como es el caso que nos ocupa, en esta posición he barajado claramente dos opciones. La primera era la del pletórico regreso de Kesha con su inmaculado Rainbow, y por otra parte el hyper-sexualizado y escandalosamente bueno Hopeless Fountain Kingdom, segundo largo de la solista de Nueva Jersey llamada Halsey que ha captado mi atención hasta límites insospechados. Moviéndose dentro de una historia que conecta directamente al personaje de su nuevo disco con el anterior, de niña era una freak de los cómics y sobretodo de Marvel y eso hace que sus historias vengas cargadas de referencias, Halsey consigue cerrar un disco que, más allá del concepto que encierra, comprende una colección de canciones que van desde lo más sugerente, pasando por lo festivo o lo más clásico, para fundirse en un halo vanguardista dentro del mainstream que la colocó en lo más alto del Billboard nada más estrenar su segundo álbum.
Siendo claramente el disco más polarizado hasta la fecha de los clandestinos Eletric Wizard, una de las bandas que más peso específico ha tenido, en cuanto a creación y desarrollo se refiere, en el doom de los últimos 20 años, Wizard Bloody Wizard (título en clara referencia al quinto álbum de Black Sabbath) puede ser visto como una progresión bastante natural y lógica del combo (mi punto de vista) de la que ya se empezaban a vislumbrar los primeros brotes en la época del Legalise Sex & Murder (2012), o como la definitiva traición estilística y artística de un Jus Oborn falto de creatividad y pocas ganas (como algunos lo han acabado tildando). Indudablemente estamos ante un disco diferente, distanciado conscientemente de las expectativas y con un carácter claramente más accesible (palabra que jamás hubiera pensado utilizar para describir a esta banda) que cualquiera de las obras anteriores del combinado de piedra monolítica más pesado, sucio, degradante y devastador de toda Inglaterra.
Más allá de convertirse en una muerte más dentro de la reciente e incesante cascada de decesos en la escena musical internacional, el suicidio de Chester Bennington es una muesca más en mi alargada lista de muertes de gente a la que he admirado y admiro profundamente como músicos. Siendo una de las personas clave dentro de mi desarrollo musical adulto (sus inicios a principios de la década pasada me pillaron ya con 22 años) y habiéndose convertido en una de las voces más sonadas dentro de mi vida personal (sus letras y su manera de interpretarlas me han llegado siempre muy dentro de mi ser), Chester Bennington decidía acabar con su vida ahorcándose el pasado 20 de Julio en su residencia de Los Ángeles. Una vida llena de altibajos emocionales en los que las drogas, el alcohol, los abusos y las depresiones, sumado al golpe de gracia final que le han dado los fans después de sacar su último disco al mercado criticándolo hasta la saciedad, enviándole amenazas de muerte, abucheándolo en los conciertos e incluso tirándole botellas en pleno show, han hecho que Chester tirara la toalla definitivamente tomando la fatídica decisión de quitarse del medio para siempre. Su legado siempre nos acmpañará y su útlimo disco será la amarga despedida en la que ya decía (a gritos) lo que estaba por venir... -I'm dancing with my demons, I'm hanging off the edge.
Firmando uno de los discos más originales, frescos y necesarios de la escena rock-metal actual, los holandeses Gold consiguieron copar y superar con creces lo esperado de ellos en un concierto que quedará como uno de los más grandes de este 2017 hace tan solo unas semanas en la sala pequeña de la Razzmatazz de Barcelona. Dotados de un carácter sumamente personal e incomparable, su basta calidad y su incomensurable capacidad para gestar una obra que escapa a las etiquetas y a las escenas de manera inequívoca, su rock atemporal con altas dosis de metal clásico sumado al asalto de sus tres guitarras, por no hablar de su excéntrica vocalista siendo uno de los animales del directo más absorbentes y encantadores que he visto sobre las tablas, los convierte en una de las bandas más impresionantes y claroscuras de la actualidad musical. Otros que han conseguido firmar su mejor obra hasta la fecha.
Dejando
de lado los experimentos más accesibles de sus dos últimos discos, en
los que las colaboraciones vocales y las aportaciones externas a las
producciones (entre las que se podían leer nombres como el de Tiesto, Robbie Williams, Will I Am o Calvin Harris) conviertieron al Tongue N´Cheek (2009) y al The Fifth (2013)
en sus largos más vendidos y exitosos, Raskit vuelve al grime más
auténtico sin olvidarse de darle cera al sonido actual desde su propio
prisma tomando el control absoluto de las producciones del disco (con la inestimable ayuda de un Cage en la puta cressta de la ola) resultando en una obra que posee toda la esencia de la electrónica cruda y seca del grime añanidiéndole todo el poso del trap actual demostrando que Dizzee puede con eso y con más. Además no es casualidad que Dizzee
haya escogido los mismos colores y una composición muy parecida a la de
su debut para presentar su último disco. Su mejor disco hasta la fecha,
y eso que era complicado.
Su segundo disco de estudio, titulado Big Fish Theory, rompe de manera radical con todo lo establecido anteriormente en su carrera, para ofrecer un álbum arriesgado, atrevido, sofisticado y, sobretodo, original y único. Trabajando el concepto de club desde una perspectiva industrial con unos ritmos altamente pesados, unas líricas sumamente oscuras y un flow arrebatador, Big Fish Theory puede presumir de gozar de un caratcer progresivo (incluso avantgarde podríamos decir) que Staples sobreexplota de manera brutal como pocos en el juego son capaces de hacer actualmente. Un paso (firme y sólido) que ha modificado el juego de manera sustancial y en el que, por mucho que algunos no estén nada de acuerdo, ha elevado, abierto y reforzado el juego de manera descomunal. Bajo mi humulde opinión, tanto Staples como Rascal se han comido el disco de Kendrick con patatas hasta el punto de no llegar a ocupar ningún puesto de mi lista.
Su estilo claramente mainstream apunta directamente al estrellato del pop internacional debatiéndose entre los ritmos sacados del hip-hop, el pop electrónico y la indiscutible calidad vocal que profesa Ella en todos los sentidos. Con tan sólo 20 años (su debut lo firmó con 16 añitos) el paso de gigante que han supuesto estos tres años para Lorde quedan patentes en hits incontestables de la talla de Green Light (un tema del que no conseguirás desengancharte en días), Homemade Dynamite (con ese rollo chulesco tan arrebatador) o Liability (una de las mayores dulzuras del disco). Con un currículum que incluye actuaciones en directo desde la pronta edad de 14 años, la habilidad para el pop de puro derretimiento que atesora Lorde no tiene parangón. Con un debut en el que las texturas del trip-hop y el pop sinuoso confluían de manera excepcional, Melodrama apunta mucho más alto gracias a un carácter luminoso y esperanzador. Aunque no estemos hablando de un disco conceptual al uso, todos los temas tratan el sentimiento individual que provoca la soledad después de una amarga ruptura.
Party es el segundo disco de la joven neocelandesa llamada Hannah Harding, conocida artísticamente como Aldous, y que significa nada menos que su debut para el famoso sello inglés 4AD. Definida por ella misma como una cantautora de folk gótico, sus anclajes con el folk de los 60 y los 70 (con claras influencias de la Nico de la Velvet y la impresionante Joni Mtchell) funcionan a las mil maravillas a la hora de tomarlos como referencia, pero es innegable que el estilo y la personalidad de la Harding sobrepasan con creces dichas influencias para ofrecer algo único, intransferible y arrebatador. Simple y llanamente, estamos ante uno de los mejores y más originales discos de folk de la presente década. Exponiendo el folk desde un punto de vista poco convencional y dotando a cada uno de los temas de personalidad propia haciéndolos únicos y diferentes entre si, el disfrute se convierte en una experiencia tan diferente y excepcional como la de verla en directo.
La intención de la Baker era
la de alejarse conscientemente de un disco que estuviera abocado a
profunda depresión y la desgarradora desesperación en la que ella se ve
sumida gran parte de su vida y darle es punto esperanzador y luminoso
que tiene la musicalidad de sus canciones. Prueba superada, aunque hay
que admitir que siendo algo más "luminoso" que su debut, seguimos teniendo a la misma Baker hiriente,
atormentada y autodestructiva de la que nos enamoramos hace un par de
años. Una de las diferencias más claras con su debut, obviando el sueño
realizado de estrenarse en el sello de Chris Lombardi, es la
inclusión en varios de los temas del disco de instrumentaciín adicional
más allá de su inseparable guitarra y los escarceos amorosos con el
piano. Sinceramente, es el primer año que tengo la certeza que estamos ante un primer ex-aequeo en la posición más alñta de la tabla entre la Harding y la Baker.
Obviamente en el apartado internacional también tengo decenas de menciones especiales que hacer, pero para no abusar del tema aquí van las más imprescindibles.
- Quicksand - Interiors
- Mutoid Man -War Moans
- Ulver - The Assassination Of Julius Caesar
- Chelsea Wolfe - Hiss Spun
- Fever Ray - Plunge
- Arca - ST
- Björk - Utopia
- Jess & The Ancient Ones - The Horse And Other Weird Tales
- Benjamin Booker - Witness
- Kesha - Rainbow
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