martes, 30 de junio de 2015

ALL OUT WAR (2015) Dying Gods

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Al parecer, las idas y venidas del combo de Nueva York durante los últimos veintipico años, no ha variado un ápice la fórmula escogida a principios de los noventa por Mike Score y su equipazo de machotes hardcoretas. Con un regreso bastante sólido a principios de los 2000, década durante la que cayeron tres largos muy coherentes con su estilo y su propio legado, ahora ha llegado el momento del segundo regreso, cinco años después de su último largo, para entregarnos un prometedor Ep en el sueltan toda la furia y la rabia acumulada en estos últimos años con una obra de una contundencia pasmosa.

 

Retomando el metalcore tal y como yo lo conicí en su día de la mano de Earth Crisis, Biohazard o Hatebreed, All Out War llevan fusilándose a si mismos a placer y sin complejos desde su inmortal For Those Who Were Crucified de 1998. Aquí incluso hay riffs concretos y entonaciones específicas que remiten directamente a canciones de ese disco. Pero cuidado, eso no es malo, al contrario, le da caché al disco.

 

Pero no todo es copiarse sin medida, All Out War han actualizado su sonido, sonando más limpios que de costumbre sin llegara a pulir del todo la mezcla, y sus canciones se han visto mínimamente engrandecidas por una mayor pomposidad y un gusto especial por la alteración de los temos dentro del mismo terma que juega muy a favor de este breve pero intenso Dying Gods. Veremos que sacamos de un nuevo largo, a la espera y con ganas he de decir que me han dejado.

lunes, 29 de junio de 2015

BENJAMIN BOOKER (2014) ST


Sin duda alguna, uno de los mejores conciertos que vi en el pasado Primavera Sound, fue el del intérprete de Lousiana Benjamin Booker, y ya no el que vimos en el escenario Heineken dentro de los tres días grandes del Festival, sino el que dio en la sala Barts dos días antes del comienzo del Festival dentro del marco del mismo pero enmarcado en los conciertos pre-Festival que se celebran por la ciudad funcionando de la misma manera como precalentamiento, que como comodín para ver algunos de los grupos que se solapan durante los tres días grandes del Festival.

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Una noche que se convirtió en un lujo sin precedentes gracias a un Benjamin Booker pletórico,  sembrado y entregado al máximo con su público, incitándolo a la fiesta y al descontrol, topando frontalmente con la seguridad de la sala y llevando al límite a la misma provocando que el público se enfrentase al orden estricto de la sala y no cediera al empeño de, simplemente, pasárselo bien en un concierto sin ocasionar daños a nada ni a nadie. Estamos hablando de un cantante de blues, no estamos hablando ni de punk, ni de metal, ni de hardcore, ni de nada que se le parezca, se hace extraño que sólo porque la gente baile un poco más alocada de lo normal, la seguridad de la sala se imponga con tanta contundencia como lo hizo, lo nunca visto.

https://open.spotify.com/album/1lHQCme4fW2HcOLMKZ0WOQ 

Es cierto que la juventud del propio Booker y de la banda que lo acompañaba, de la misma manera que su blues garajero, epiléptico y nervioso, hicieron de catalizador para que el ambiente se caldeara al máximo, incluso se organizó un inocente pogo en las primeras filas, pero probablemente todo hubiera sido más fácil si Booker hubiera pedido calma en vez de seguir encendiendo a la gente contra la autoridad de la sala. Una experiencia que recordaba a como debería ser el blues en la época, peligroso, contestario, revolucionario, así es Booker, y así es su música.

sábado, 27 de junio de 2015

BCORE 25 ANIVERSARIO SALA APOLO (Joan Colomo + The New Raemon + Nueva Vulcano + The Unfinished Sympathy)


Y llegó el día de celebrar por todo lo alto el 25 aniversario del sello más importante de mi vida, el sello con el que me he desarrollado y crecido musicalmente, el sello que ha albergado a algunas de mis bandas nacionales favoritas de todos los tiempos, The Unfinished Sympathy, Hopeful, Shorebreak, No More Lies, Los Tiki Phantoms, Aina, Nueva Vulcano, Corn Flakes, Madee, Dulce Pájara de Juventud, StandStill, el sello en el me he visto reflejado y sin el que, a día de hoy, mi personalidad musical no sería la misma. Hablamos de Bcore, como no, y de Jordi Llansamà, el capo absoluto de toda esta movida. Organizando tres veladas con lo más representativo del sello durante los días 25,26 y 27 de Junio, mi elección pasaba por la del día 26 en la sala Apolo en la que, diez años después de su desaparición, mis amados The Unfinished Sympathy, junto a Nueva Vulcano, Joan Colomo y The New Raemon, cerraban una de las noches más nostálgicas que he vivido nunca conformando uno de los carteles más deseados de mi vida.


El primero en salir a escena, a unas muy puntuales 20.30, fue el proyecto de Joan Colomo. Su clásica comicidad y su desparpajo natural consiguieron meterse al público en el bolsillo desde el minuto cero y su set, escogido sobretodo de sus primeros discos por aquello de que era un concierto nostálgico, Colomo se pasó la noche peleándose con la afinación de las malditas cuerdas nuevas de su guitarra, todo en un tono muy cómico, y saltando, brincando y chillando a pleno pulmón sus contagiosas, emotivas y enérgicas composiciones cargadas tanto de inocencia infantil como de conciencia social, algo así como la canción protesta del nuestra generación. Consiguiendo en cada toma un sonido mejorado, al tercer tema la cosa ya se había nivelado completamente y la descarga de pasión se había equiparado a la calidad del sonido, la desbordante simpatía de Colomo y los suyos, cumplieron sobradamente con la tarea de calentar al personal, prácticamente la sala entera coreaba sus canciones, e incluso en el último tema, durante el cual tuvo que parar para afinar la guitarra por última vez, la sala se volcó completamente haciendo ellos de Joan Colomo durante el rato en el que él se peleaba con sus cuerdas de nuevo. Explicando alguna que otra anécdota sobre su relación con el sello,sobre su camiseta y la celebración del décimo aniversario de Bcore en su día, y dándose una prisa extrema por acabar el set programado para su media hora de actuación, la sala se acabó de llenar en las últimas canciones del combo más simpático y agradable que nos traería esta memorable y festiva noche de celebración.


Acto seguido, y después de un descanso de 15 minutos, The New Raemon salían a escena única y exclusivamente, y a petición del capo Jordi Llansamà, a interpretar su primer disco, puede que no el mejor, pero sí el más representativo de un momento de cambio brutal para el sello. Un disco que marcó un antes y un después en la trayectoria del sello y un disco que marcó el inicio de la nueva encarnación de Ramón Rodríguez una vez finiquitados a sus queridísimos Madee. Un concierto perfecto en todas sus valoraciones, sonido, voz, conexión con el público, set-list, en el cual entró Sucedáneos de su segundo álbum por la cara alegando que era un tema del A Propósito de Garfunkel pero que no entró en aquel por falta de tiempo, todo salió rodado. Pero hubo dos cosas que me hicieron especial ilusión, una despistada alusión a una de las líneas más famosas del Wicked Heart de Chris Isaak, que introdujo tímidamente al final de uno de los temas, y el nombramiento de las Mourn también en uno de los temas añadiendo un "molan que te cagas" simplemente épico.


Vale lo admito, cuando me dijeron que Nueva Vulcano iba a hacer un set todo de versiones temblé. Pensaba que probablemente lo que nos tenían preparado era una selección de canciones sacadas de algunos de los grupos de post-hardcore que inspiraron a la banda y que, por desgracia, la mayoría de mortales ni conocemos. Empezando como tenía previsto, una pantalla instalada detrás del escenario iba poniendo el nombre del grupo al que iban a versionar, el primer tema elegido fue uno de los desconocidos Swervedriver, eso sí, un temazo como la copa de un pino. Pero, una vez iniciada la lista de versiones y para sorpresa de todos, nos acabamos topando con versión de Los Planetas, en la que apareció Marloto a la guitarra, de Nueva Vulcano, interpretada por Ramón Rodríguez, de Golpes Bajos, esta vez con Eric Fuentes, Las Grecas, con Colomo y compañía montando un pollo importante sobre las tablas, de El Último de la Fila, con Jordi Llansamà al micro, hasta llegar al final del set de la misma manera que lo habían abierto, a su manera, con sus condiciones, rindiendo homenaje a sus héroes con una versión de los Jawbreaker. De por medio tuvimos, cencerros, panderetas, bailoteo, fiesta y mucha alegría. Un concierto único que guardaré en mi memoria como un tesoro de incalculable valor.


Y llegaba el momento final, el más deseado por varias razones, el más ansiado, el momento en el que revivir toda una década de música, de pasión por el rock sin etiquetas, de discos redondos y de hitazos con los que bailar y desgañitarse como si no hubiera un mañana, que en cierto modo, esta vez era literal ya que el regreso de The Unfinished Sympathy a los escenarios se planteaba como algo puntual, por lo tanto si que había que darlo todo de la misma manera que lo hicieron Eric Fuentes y los suyos dejándose la piel, y parte de la vida, en los 45 minutos de concierto más intensos, vitales, emocionantes y perfectos que he disfrutado en toda mi vida. Por supuesto que nada de lo dicho tiene que ver con la calidad de sonido o la interpretación de los temas, sino más bien con una conexión con la banda tan potente, sincera y sólida que en ese momento nada de lo que había visto o fuera a ver en mi vida era capaz de superar ese sentimiento de conexión natural con esas canciones que han marcado mi vida a fuego, y lo siguen haciendo, nada. Sí que me faltaron temas, claro está, Little Scratches y Sharpshooter dos de las que más, pero es indudable que hay que agradecerles y mucho, que llegaran hasta su primer disco con Euphoria Under Water y Cherry Coke como máximos representantes de aquella época.

No puedo decir más que gracias Bcore, gracias Ramón, gracias Eric, gracias Joan y gracias a las Vulcano Grecas, EPIC WIN!. Espero que podamos repetir dentro de 10 años más y celebrarlo tan bien y tan a gusto como esta vez. Bcore es una familia y eso se nota.

viernes, 26 de junio de 2015

SLUM VILLAGE (2015) YES!


Muchos meses llevamos ya sin saborear un poco de rap de calidad, exactamente creo que lo último gordo fue lo de Kendrick Lamar, al cual me voy a perder este año en el Cruïlla, por cierto. Pero hoy toca, y toca hacerlo a lo grande, con uno de los combos de rap más importantes del underground americano e hijos predilectos de la ciudad de Detroit. Famosos por empezar su carrera a mediados de los 90 con J-Dilla como productor del combo de la ciudad del motor, el destino acabó truncando la carrera de uno de los dj/productores más originales, imaginativos, creativos y valiosos que ha dado el rap desde sus inicios, recordemos que J-Dilla murió en el 2006 a la prontísima edad de 32 años a causa de un paro cardíaco, cebándose de nuevo con la banda después de la también triste muerte de Baatin, uno de los mc's fundades del combo.

 
 
Pero donde se supone que solamente debería haber oscuridad, odio y rechazo, los actuales T3 y Young RJ no han tirado la toalla y siguen honrando de manera gloriosa los dorados años 90, gracias a un sonido que bebe directamente de esa década, y tomando el testigo dejado por bandas como A Tribe Called Quest o De La Soul. Un rap reflexivo, importante, sesudo, pero un rap que no se olvida de hacerlo de manera agradable, bailable, disfrutable e incluso alegre en algunos momentos.

 
 
Acompañados en espíritu y habilidades por el desaparecido J-Dilla, y también por su hermano menor Illa-J a las producciónes, a las que también podemos encontrar las colaboraciones de T3 y Young RJ, el disco se mueve exactamente por los mismos parámetros que se hubiera movido si J-Dilla hubiera aportado su magia de manera consciente, no dudo que habría sido mejor, eso por descontado, pero se mueve dentro de su legado musical y eso es lo más importanter, el respeto.

jueves, 25 de junio de 2015

REFUSED (2015) Freedom


Mucho se había hablado de la reunión de estudio de la banda más famosa de hardcore sueca que haya existido jamás. Puede que sus discretos inicios con ese olvidable debut llamado This Just Might Be...The Turth no hicieran presagiar lo que se nos venía encima, una vorágine de cambio y experimentación dentro del estilo más allá de los límites de la imaginación, pero su segundo álbum de 1996, Songs To Fan The Flames Of Discontent, ya nos mostraba a una banda con una personalidad sólida e inquebrantable, pero lo logrado con su posterior The Shape Of Punk To Come de 1998 sobrepasó muy por encima todas las expectativas puestas en el combo de Umea.

 

Muchos años han pasado, y proyectos también sobre los que destacan notablemente los inclasificables The International Noise Conspiracy a los cuales hay ciertos guiños en este Freedom, desde sus últimas aventuras de estudio, aunque hay que decir que sus continuas giras de reunión los han mantenido en el candelero durante los últimos años, y finalmente, y bajo el amplio paraguas de la siempre atenta Epitaph Records, ha llegado a nuestras manos el cuarto álbum largo de la banda formada, en la actualidad, por Dennis Lyxzén, Davis Sanström, Kristofer Steen y Magnus Flagen que lleva por título Freedom. Un título que le va como anillo al dedo a la libertad estilística que practican los Refused en su nuevo artefacto sonoro.

 

Recogiendo el testigo dejado hace más de 15 años con el Shape Of Punk To Come pero sin necesidad de colgarse la etiqueta de trabajo continuista, Freedom luce por sus propios méritos y supura personalidad por los cuatro costados, Refused vuelve a demostrar que lo suyo es la deformación, la violación y la desmembración del estilo, para adaptarlo a sus formas, a sus ideas y a sus experimentaciones, únicas e intrasnferibles, consiguiendo, una vez más, un híbrido absolutamente revelador e inspirador capaz de volver a poner al punk-rock del revés y dejarlo descolocado durante otros 15 años más.

martes, 23 de junio de 2015

FLORENCE + THE MACHINE (2015) How Big, How Blue, How Beautiful

http://www.mirrorcreator.com/files/1VIESKBT/Flo.rar_links 

Después de haberle ofrecido hasta sacrificios humanos al poderoso y temible Thor para que la londinense acabara apareciendo por el cartel del pasado Primavera Sound, pensaba que tres jóvenes vírgenes y seis enormes carneros serían más que sufucientes, di con mi gozo en un pozo para más tarde acabar de matarme del todo cuando la vi aparecer como cabeza de cartel del FIB 2015. No me rendiré, sigo esperando la primera oportunidad que se me presente, a un precio razonable y mínimamente cerca de casa, para poder verla sobre las tablas. Tan sólo voy a decir una cosa Björk el próximo Julio en BCN, ¿quién me lo iba a decir a mi, a estas alturas, que podría ver una vez más a mi islandesa favorita en BCN?. Nunca hay que perder la fe.

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Enamorado de ella hasta las trancas desde su debut del 2009 llamado Lungs, el cual todavía no ha sido superado, volvió a enamorarme de nuevo, aunque de manera muy diferente, con su descomunal segundo disco del 2011, más grandilocuente y sofisticado, llamado Ceremonials, y vuelve a hacer lo propio una vez más, estamos ante un disco que equilibra de maravilla las dos personalidades presentadas en su dos primeros discos, en este 2015 con el precioso How Big, How Blue, How Beatiful.

https://open.spotify.com/album/2jn2n5OkuHliOLKCqHnjXV 

Mucho hemos tenido que esperar, cuatro años es demasiado para la ansiedad creada por degustar el nuevo material de la peliroja más de moda, pero también es cierto que la inglesa no ha parado de girar en estos cuatro años y ha sido justo al acabar con su interminable gira, que se ha metido en el estudio para parir esta nueva maravilla musical para uso y disfrute de su basta legión de fans alrededor del mundo. Sin necesidad de tener que reinventarse de nuevo, aquí no vamos a tener el aliciente de la sorpresa que sí atesoraba su segundo disco, Florence se reafirma dentro de su propio estilo tomando prestadas las formas de sus dos primeros discos, el primero más vitalista, directo y accesible, y el segundo más elaborado, reflexivo  y dramático,  el tercer álbum de estudio de Florence And The Machine es un apoteósico catálogo de canciones aboslutamente redondas y preciosas, tan disfrutables como las hemos imaginado o más. Si su primer disco digamos que era de cocción rápida, aunque para nada fugaz, y su segundo disco había que cocinarlo lentamente dejando que todos los jugos de los ingredientes se mezclaran por si solos hasta coseguir un resultado impresionante, este se hace a fuego medio para llegara a un punto en el que el equilibrio de los sabores y las texturas acaba por descubrirse como su mejor baza.

lunes, 22 de junio de 2015

ANTI-FLAG (2015) American Spring



Justin Sane y los suyos están de vuelta estrenando contrato con Spinefarm Records y con su noveno disco de estudio bajo el brazo titulado American Spring. Mi historia con los Anti-Flag data de sus inicios, a mediados de los 90, en los que facturaron los que, para mi, son la auténtica trilogía de oro de la banda de Pittsburgh. Die For The Government (1996), A New Kind Of Army (1999) y, su obra cumbre, Underground Network (2001), acto seguido cayó el Ep Mobilize (2002), totalmente a la altura de sus anteriores obras. Pero fue a partir del, ya menor, Terror State (2003), que los Anti-Flag empezaron a perder fueye a favor de un estilo más impersonal, accesible y adaptable.

 

No me entendáis mal, Anti-Flag nunca han facturado discos malos como tal, todas su obras son difrutables y coreables en meno o mayor medida, pero nunca han conseguido llegar a las cotas de solidez y equilibrio que tenían sus tres primeros discos. Por mucho que hayan ganado en sonido, producción y composición, que lo han hecho con creces, la garra y la fuerza de sus inicios ha ido cada vez a menos dejando mi interés por ellos algo apartado, aunque admito que siempre que sacan disco le pego un orejazo para juzgar con conocimiento de causa.


Y llegamos al 2015 en un momento en el que poco podía esperar de ellos más que facturaran un disco correcto sin demasiadas esperanzas de recuperación, pero estaba equivocado. American Spring no supera, ni se acerca, a la trilogía dorada, pero es innegable que han recuperado parte del punch que tenían en sus inicios. Se nota sobretodo en las composicones menos rock y más punk, esas en las que su personalidad juvenil vuelve a aflorar con todas las de la ley y se dejan de hacer rock grandilocuente para las masas con retazos de punk demsasiado actualizado. Eso sí, colaboraciones de oro con Tom Morello y Tim Armstrong. Está claro que quieren pero no pueden, o no se atreven. Espero que esto haya sido el campo de pruebas para volver al punk rock marca de la casa.

sábado, 20 de junio de 2015

SÓNAR 2015 (Viernes Noche)

Un año más, y de nuevo gracias a mi hermano postizo Àlex Sánchez, he podido disfrutar un día, en este caso ha sido la noche, del Festivla Electrónico por excelencia de Europa. Con una tarde de órdago a la que no pude asistir, todavía me arranco la cara de no haber visto a Katey Tempest, Kiasmos y Squarepusher, para mi tres de los momentos estelares de este año, conseguía resarcirme esa misma noche con una traca de lo más impresionante. Una traca tan gloriosa e irrepetible que quedará para los anales de la historia del Festival.

(A$AP ROCKY SONARClub 22.45)

Sin demasiada prisa por llegar y un comienzo de Festival algo tíbio, sobre las 22.40 me personaba en el SonarClub para disfrutar, por segunda vez, del rapero de Harlem Asap Rocky. Asap y sus colegas, que no eran pocos, varios mc's de acompañamiento, el dj pertinente, un guitarra y un par de seguratas en cada lateral del backstage, montaron una fiesta en toda regla, eso es innegable.  Personalmente, conecto poco con esta nueva vertiente del hip-hop, de la cual prácticamente todos los artistas que vi esa noche tiraban de ella, pero es indudable que en directo, con todo el efectismo del escenario, confetis y humo incluídos, y la soltura y el carisma que desprende Asap sobre las tablas, amenizaron mi introducción al Festival de manera cotundente. El momento porro enorme de Asap Rocky sobre las tablas del escenario fue de lo mejor.

(HUDSON MOHAWKE 23.30 SONARLab)

Y de un recinto cerrado, una de las descomunales naves que alojan el Festival en el recinto Ferial de L'Hospitalet, pasábamos a uno de los espacios al aire libre que ocupan los sitios intermedios que existen entre  paballones, entre los que se distribuyen los múltiples escenarios del Sónar, sinceramente, mucho más agaradable y disfrutable al aire libre. Tengo que admitirlo, fue llegar y besar el Santo, sin opción a continuar buscando nuestro lugar en el Festival, Hudson Mohawke, un nombre que viene dado como claro homenaje a la película protagonizada por  Bruce Willis en 1991 llamada Hudson Hawke (El Gran Halcón), nos convencieron ipso facto desde el principio y nos enamoraron locamente hasta el final. Con un combo que nos presentaba una batería en directo, un teclado y un sintetizador en una formación de power trío electónico-orgánico de infarto, Hudson Mohawke se convirtieron al momento en mi descubrimiento más impresionante de las últimas semanas. Informándome algo sobre el tema, al parecer el cerebro de todo esto se llama Ross Birchard y es uno de los productores ingleses de rap más de moda últimamente habiendo trabajado con gente como Drake, PushaT, Lil' Wayne o Kanye West entre otros y firmado sus dos primeros discos con la descomunal Warp Records. En sus discos colabora gente como Antony, Jhene Aiko o Irfane pero sus directos son mucho más crudos, instrumentales y brutales que sus admirables aventuras de estudio. Tomando como referencia las bases del rap actual, esas que tan poco me gustan, filtradas con la parte orgánica de la batería en directo, topando directamente con la IDM y el techno más contundente, sus composiciones variaban en carácter y ejecución entre lo que encontrabámos trazas del electro-pop ochentero, del ambiental, del noise, del industrial y cantidades ingentes de melodías irresitibles y todo tipo de efectos acojonantes. Hablamos de sirenas, alarmas, bocinas y flautas en toda su grandiosidad y grandilocuencia. Un concierto que disfruté de manera tan imprevisible como intensa.

(DIE ANTWOORD SONARClub 01.00)

Y llegaba el momento más esperado, la banda que me había hecho venir hasta aquí, los surafricanos Die Antwoord, a los que después de ver en Chapie, todavía los quiero más. Lo primero que voy a decir, para que os podáis hacer una idea, es que el directo de Die Antwoord fue tan gordo y descomunal como lo vivido en su día con The Prodigy o Cypress Hill sobre las tablas, a ese nivel estamos señor@es. Con una foto en las pantallas como claro homanaje a su desaparecido colabroador Leon Botha, Dj Hi-Tek se presentaba sobre el escenario, una suerte de Hulk negro enmascarado enorme y sin camiseta que daba miedo, poniendo bien caliente al personal  a base de abusar totalmente del volumen con un sonidaco de escándalo y medio, para dar  paso a Ninja y Yo-Landi, acompañados de dos bailarinas que se pasarían todo el concierto encapuchadas, vestidos de Pokémon  y dando saltos como locos a ritmo de su pecualir y único zef-rap-rave. Cambiándose de ropa cada dos por tres, pasando por sus clásicas túnicas blancas aderezadas con todo tipo de dibujos DIY, una indumentaria propiamente americanizada con banderas incluidas y otro cambio en el que se incluia a una Yo-Landi con un sujetador traicionero que hizo que se le saliera un pecho en más de una ocasión, el set-list escogido por el dúo más de moda de suráfrica no dejó títere con cabeza. Obviando sus temas más traquilos y relajados, que también los tienen por mucho que la gente los trate de descerabrados fiesteros sin medida, optaron por sus temas más contundetes, brutales, provocadores y cañeros, dejando a un público absolutamente extasiado con sus imparables interpretaciones arrasando con todo a su paso y sin tomar ni un prisionero. Inlcuso hubo un par de momentos en los que Ninja decidió hacer stage diving sobre el público con una recepción por parte del respetable aboslutamente correcta. Momentazos estelares muchos, pero Pitbull-Terrier con máscara incluida, Dj Hi Tek Rulez, los singles Enter The Ninja, Rich Bitch, Ugly Boy o Fatty Boom Boom pasarán a los anales de la historia de mis conciertos como uno de los momentos visuales y musicales más alucinantes de mi vida. Deseando repetir con esta peña en una sala, no me quiero ni mimaginar el pollo que pueden montar.

No puedo decir más que gracias Àlex.

jueves, 18 de junio de 2015

HIGH ON FIRE (2015) Luminiferous


Tanto la productividad, como la calidad y la personalidad de la banda del alcohólico-conspiranóico de Matt Pike, siguen abosolutamente intactas en este séptimo largo del trío más incendiario y crudo de toda California. Hay bandas que se relajan con la edad, que cambian el enfoque de su música, sus límites se desdibujan y la apertura de miras se hace patente de la misma manera que se hacen los años. En el caso de Matt Pike, no contéis con ello. Aunque si que hay que decir que tiene unos cuantos quilos menos, ¿se estará cuidando?. Pero lo que está bien claro es que este hombre sigue con tantas ganas de guerra y está tan en forma, para grabar discazos que son hostias como panes al menos, como el primer día, sino más.

 

Dándole un enfoque claramente paranóico, desde su título, deudor de los famosos Iluminatis, passando por su arte de portada, cargado de simbolismos relacionados con la temática ocultista y esotérica, y unas letras que hablan de abducciones extraterrestres y civilizaciones mitológicas reptilianas, Matt Pike vuelca todas sus teorías de la conspiración, a lo que él llama la realidad oculta, en un disco que transmite una mala hostia descomunal no apta para los delicados de oreja. Sin duda han conseguido sonar mejor que nunca, crujientes, destructivos y muy definidos.

 

En breve los tendremos por Barcelona, Matt ya nos hizo una visita hace poco con sus Sleep la cual me salté por estar en una de esas semanas en las que coincidía todo, y para esa fecha ya tengo mi entrada. Deseando ver la ejecución de estas auténticas bombas de relojería sobre las tablas. No hay tema flojo y eso que les da tiempo hasta de variar los tempos e incluso salirse del patrón establecido en contadas ocasiones con un gusto exquisito. De cabeza con lo mejor del año.

miércoles, 17 de junio de 2015

TAU CROSS (2015) Tau Cross

 
Un nuevo supergrupo surge de varios de los confines de la tierra para conformar una los debuts metálicos más interesantes e inclasificables del año. Tau Cross, formada por Rob "The Baron" Miller (Amebix) al bajo y a las vocales, Michel "Away" Lagevin (Voivod) a la batería, y Jon Misery (Misery) y Andy Lefton (War//Plage) a las guitarras, recoge el testigo dejado por los propios Amebix, quienes retornaron hace unos años con el genial Sonic Mass del cual este autotitulado debut podría ser la inconfesa continuación, dejándonos una colección de canciones que rayan la genialidad en su mayoría.

 

El característico y rasgado registro de Miller, quien se nos presenta aquí como un Lemmy revitalizado, rejuvenecido y con una capacidad de pronunciación absolutamente impresionante y totalmente inexistente en el registro del canatante de Motörhead, capaz de modular sus emociones y sentimientos encajando a la perfección en cada uno de los diferentes registros que se prensentan las composicones, lo hace protagonista abosluto en la mayoría de las mismas.

 

La sencillez de las composiciones, que en ningún momento va en detrimento de la efectividad, es quizás uno de las mayores bazas del disco. Tomando elementos de sobras conocidos, del groove, del industrial, del punk, del crust, del metal, del ambient, del folk o incluso del ambient, son ellos mismos los que funcionan como un grueso filtro en el que, una vez introducidas todas las trazas nombradas, obtenemos una de las bandas con más personliadad y actitud de la actualidad. Discazo impresionante.

martes, 16 de junio de 2015

DRUDKH (2015) A Furrow Cut Short



Hay que admitir que la productividad de los ucracnianos Drudkh se ha visto algo mermada en los últimos 5 años, entre los cuales tan sólo han entregado 3 discos contando este último, pero para una banda que empezó hace tan sólo algo más de una década, su currículum, en cuanto a discos de estudio se refiere, no tiene nada que envidiarle a bandas mucho más longevas. Estamos ante el décimo disco largo de la misteriosa banda llamada Drudkh que lleva por título A Furrow Cut Short.


Un disco que, sin que sirva de precedente, cambia considerable y conscientemente el rumbo interpretativo de sus composiciones. Las canciones siguen siendo de una duración muy extensa, rozando los 10 minutos prácticamente todas, pero para la ocasión han querido darle un enfoque mucho más directo y clásico acompañado por una producción nítida y pulida desplazando también su lado más folklórico y característico.


Cuidado, con ello no quiero decir ni por un momento que los Drudkh hayan perdido un ápice su personalidad, su inspiración lírica sigue intacta, su arte de portada es de nuevo una maravilla y su carácter individualista y reservado sigue guiando sus pulsiones más oscuras, pero es indudable que la música se ha visto empujada hacia patrones más familiares dentro del estilo. No seré yo quien se lamente de ello, los Drudkh han demostrado siempre tener una habilidad portentosa para abrazar todos los tempos y las ramificaciones del estilo, esta vez les ha tocado encarnarse en la faceta más tradicional del estilo y, de nuevo, han sido capaces de facturar una magistral obra de proporciones épicas. Sin duda, estamos ante uno de los mejores, más solidos y más completos discos de black metal del año.

lunes, 15 de junio de 2015

IWRESTLEDABEARONCE (2015) Hail Mary



He de admitir que tanto el metalcore actual como el deathcore no son santos de mi devoción, aunque mi gusto por el estilo pasa por bandas como Carnifex, The Black Dahlia Murder o alguna cosa de los primeros Emmure, no me considero nada apegado al estilo. Digo esto porque a los IWABO se les mete dentro de esa etiqueta, de la cual es innegable que llevan trazas, pero su caos musical también lleva, en cantidades incluso superiores, ingredientes del jazz, del pop, del avant-garde o incluso del mathcore, y eso es lo que realmente me impresiona de ellos, que son capaces de todo y más sin importarles nunca encajar o dejar de hacerlo en ninguna escena o etiqueta.

 

Uno de los mayores reveses que ha sufrido la banda fue sin duda la deserción de Krysta Cameron, su maternidad se interpuso en el curso profesional de su carrera, y aunque el repuesto encontrado inmediatamente en Courtney LaPlante, quien ya grabó el disco anterior y se pateó los escenarios con la banda antes incluso de grabarlo ya que Krysta dejó el tour del Ruining It For Everybody (2011) a medias, haya sido del todo favorable para la banda, mucho más versatil y dinámica en este nuevo Hail Mary, hay que decir que en su anterior redondo todavía se la echaba en falta.

 

Algo que, como ya he dicho, se ha visto mejorado considerablemente en este última entrega de la banda de Louisiana encontrando una nueva personalidad vocal en Courtney que aquí se atreve con absolutamente todos los registros, su escala de griterio y brutismo es realmente asombrosa, pero que también sabe hacer lo propio con las melodías y la sensualidad. Una auténtica máquina que consigue, después de este Hail Mary, despejar completamente la alargada sombra de Krysta y hacerse con el puesto de jefa absoluta sin discusión posible.

viernes, 12 de junio de 2015

KRIL (2015) Kril


Llevaba ya tiempo sabiendo de ellos, esperando a que finalmente esas ideas que Patrick y Max me habían comentado, una banda al más puro estilo noventero con Helmet como una de las referencias más claras en su sonido, acabaran tomando forma de Ep en este breve pero intenso debut autotitulado formado por cuatro misilazos de rock atemporal en el cual, como bien nos venían anunciando, las trazas de sonido noventero se hacen verdaderamente patentes de la misma manera en la música como en las vocales.

 

Primero de todo felicitar efusivamente a la banda por lograr su objetivo, pero hay que admitir que por mucho que esto suene al conocido grunge de los noventa, supura personalidad por los cuatro costado. La voz de Patrick se ha visto modificada considerablemente en comparación con lo que nos ofrecía en Saturna, su anterior banda, aquí en un registro más rasgado y contundente, y la base musical, compuesta en su totalidad por los componentes de la banda instrumental Asparagous Holocaust, suena sólida y perfectmanete engrasada.

 

Grabado y producido por el propio Patrick en los 101 Studios, su sonido es grave, potente y plagado de matices. Matices que definen esa personalidad de la que hablaba y que además dotan al Ep de una variedad y un dinamismo muy agradecido en este tipo de bandas. Puede que lo suyo sea mirar atrás, pero claro que su futuro es más que prometedor si consiguen posicionarse en la poblada escena actual. Deseando poder verlos en directo y deseando también que la edición física del Ep se haga realidad. Mucha mierda chicos, os merecéis sobradamente todo lo bueno que está por venir.

miércoles, 10 de junio de 2015

JAMIE XX (2015) In Colour

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Si he de ser sincero, no me gusta ver nunca el cartel del Sónar. Es el Festival al que, después del Primavera, más apego le tengo. Su variedad estilística, así como la del Primavera en su campo, y su posicionamiento en la ciudad Condal, mucho más amplio incluso que el del Primavera ya que sus tentáculos llegan a varios puntos de la ciudad además de estar repartido entre Sónar de día y Sónar de noche, hacen de él el perfecto compañero del Primavera. Todo esto si puedes costearte ambos, claro. Un Festival al que cada año asisten la flor y nata de la escena eléctronica, de la de ayer, de la de hoy y de la de siempre, ofreciendo un abanico tan grande artistas que, como pasa con su hermano, se hace imposible abarcarlos todos.

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Esta año, así como el anterior, puede que un colega me consiga la entrada para uno de los días y, revisando el cartel, he visto que aparacen imperdibles para mi como Squarepusher, Roisin Murphy o Autreche, grandes nombre de la electrónica noventera, pero en el que también caben gente tan actual e imprescindible como Jamie XX. Estamos hablando del chico prodigío de la electrónica actual. Quien se presenta con su recién estrenado In Colour. Un disco plagados de ritmos familiares, texturas de todos los colores y melodías de todos los sabores.

https://open.spotify.com/album/0AVPusXNzK1jWwefBiPJ5I 

Saliendo de ese auténtico grupazo llamado The XX, quienes nos tienen esperando ya tres años desde su última incursión en el estudio, pasando por esa mágica conjunción junto al difunto Jill Scott Heron y llegando hasta sus memorables singles en solitario, ha llegado el momento de la prueba de fuego con su primer disco largo llamado In Colour, en el que vuelve a demostrar su superioridad creativa dentro de la cada vez más poblada escena electrónica actual. Estamos ante un disco que, llevando la marca de Jamie por los cuatro costados y sin necesidad de descubrir nada nuevo, navega por la electróníca de primer nivel como pez en el agua aprovechando en más de una canción la impagable colaboración de sus colegas de grupo. Sin duda, el mejor disco de electrónica del año hasta la fecha, y lo vamos a poder disfruat en el Sónar.

martes, 9 de junio de 2015

MUSE (2015) Drones

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He sido fan a muerte de Muse durante sus cinco primeros discos, he asistido a todas sus giras hasta la del The Ressistance, sin lugar a dudas uno de los mejores conciertos que he visto en mi vida junto con Biffy Clyro de teloneros, y los he visto crecer desde las salas más pequeñas a los estadios más descomunales. El 2009 fue un año en el que, bajo mi punto de vista, tanto su directo, como su ejecución, como su creatividad y su disco de ese año nos mostraba a una banda al máximo de sus habilidades, convirtiéndose por derecho propio en la banda de rock de estadios del momento. Pero a partir, mientras su popularidad iba en aumento, 2 giras teloneando a U2 tienen la culpa, su creatividad caía en picado hasta entregar en el 2012 el nada a la altura y muy olvidable The 2nd Law del 2012. Un disco que, aún teniendo canciones buenas, se daba de bruces en varios momentos perdiéndose en la experimentación estilística y olvidando su identidad.

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Es indudable que superarse siempre es algo imposible. Toda banda llega a un zénit en el cual está en su mejor momento y de ahí va para abajo, un dato que en los Muse tampoco es que tuviera que ser excesivamente alarmente si hubieran mantenido el nivel, cosa que no ocurrió en el 2012 y que, por desgracia, tampoco ha ocurrido en este 2015 con su nuevo Drones. Ya no fui a su gira del The 2nd Law, estamos hablando del Estadi Olímpic de Barcelona, y, sinceramente, tampoco van a poder contar conmigo para esta. No es que me baje de los Muse, sus cinco primeros discos son auténticas biblias del rock progresivo y conceptual de la actualidad, algo así como unos Pink Floyd de nuestra era, y desde el primer Showbiz hasta el nombrado The Ressintance han sido, sin duda alguna, una de mis bandas de cabecera.

 

Su nuevo Drones no nos descubre a unos nuevos Muse, así como intentaron con el anterior The 2nd Law tirando de una batería de ritmos bastante innovadores para la banda, quienes, por el contrario, intentan volver la vista atrás, no siempre, para conseguir emular sus grandes gestas del pasado con el Origin Of Symmetry o el Absolution sin llegar en ningún momentos a las cotas de excelencia de aquellos, o volver a probar suerte con las extrañezas heredadas de su último largo, tampoco sin demasiado éxito. Ha llegado un momento en el que Muse ya no sorprende, no se reinventa, como nos tenían acustumbrados normalmente aunque fuera para mal en el The 2nd Law, no crecen dentro de su propio legado y, lo peor, no consiguen ni tan siquiera mejorar su peor disco hasta la fecha.

 

Tranquilos, no es un mal disco, Bellamy y compañía no sabrían hacer eso ni queriendo, el problema es que ellos mismos se han puesto un nivel demasiado difícil de superar y, aunque sigo teniendo confianza de que en un futuro vuelvan a sacar un disco bastante mejor que los dos últimos, han dejado bastante claro que sus años de mayor creatividad e imaginación han quedado atrás.

lunes, 8 de junio de 2015

BEST COAST (2015) California Nights


http://www.mirrorcreator.com/files/GKVS3EOV/CostaBeste.rar_links 

Vuelvo de nuevo, espero que con la regularidad de siempre, después de unas semanas algo convulsas. Cierre de la revista y Primavera Sound todo seguido, eso ha siginificado dos semanas de sequía por estos lares, a parte de mis comentarios sobre el Festival, y lo mismo ha pasado en el Melting. Siento haberos hecho esperar tanto para catar un disco nuevo, aunque estoy seguro de que muchos ya lo habréis escuchado hace días, pero lo último del dúo formado por Bethany Cosentino y Bobb Bruno titulado California Nights me tiene robado el corazón de manera irremediable desde hace más de una semana y me ha ayudado a sobrellevar el post-Festival de manera agradable e incluso alegre.

 

De los Best Coast tengo poco que decir. De sus dos primeros discos nada pude sacar en su día que llamara mi atención lo suficiente como para más de dos escuchas. Me parecieron simplones y poco destacables, no conseguí conectar para nada con su pop soseras mil veces oído y nada resultón en sus manos. Pero también es cierto que el año pasado sacaron un mini-álbum, Fade Away, que me ha mantenido alerta hasta la salida de este California Nights, su tercer y certero largo. A partir de aquí lo único que entra en juego son los gustos personales de cada uno, y para mi, el giro noventero y rock que le han dado a su pop aún simplón pero ahora muy destacable y resultón en sus manos, me ha parecido lo mejor que han hecho desde sus inicios.

 

Un disco que se llama California Nights y que dibuja escenas de playa, verano, fogatas, palmeras, fiestas en piscinas privadas, surf a la luz de la luna y una vida en la que el pop es el único modo de vida, ha logrado de sobras su objetivo, y si de paso Bethany Cosentino se convierte en la Debbie Harry de las nuevas generaciones, a mi parece perfecto. De cabeza con lo mejor del año y escalando posiciones a velocidades de escándalo. Enamorado me tiene la Cosentino, ahora solamente faltaría que anunciaran a los Best Coast como primera confirmación para el próximo Primavera. Seguiré soñando... que con ellos es muy fácil.