jueves, 31 de marzo de 2016

NADA SURF (2016) You Know Who You Are

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20 años después de su sonado debut, ese impecable High/Low poseedor de una de las portadas  más representativas y emblemáticas de los 90 y ese hitazo indiscutible llamado Popular, Nada Surf siguen en la cresta de su propia ola facturando discazos de power-pop con cierta regularidad, aunque hacía 4 años desde su último The Stars Are Indifferent To Astronomy, con los que seguir disfrutando sin contemplaciones ni complejos de su todavía jovial, inalterable, incombustible y enérgica habilidad para el estilo.

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Teniendo en cuenta que es el segundo disco en el que aparece el ex-guitarra de Guided By Voices, Doug Guillard, este You Know Who You Are es un disco tan disfrutable como sus mejores obras de antaño. Conservando gran parte de la magia pop que llevan en la sangre desde sus inicios, quizás quitándole algo del poso distorsionado para acceder a un plano guitarrístico mucho más rico en matices y melodías edulcoradas, el octavo disco de estudio de Nada Surf, en el cual sigue militando nuestro querido Daniel Lorca, los coloca en la honrosa tradición de bandas como Fountains Of Wayne, Sloan, Teenage Fun Club o los propios Guided By Voices, sin necesidad de parecerse a ninguna de ellas, elevando el legado de todas, y el suyo propio, hasta el infinito y más allá.

https://open.spotify.com/album/6PGtA9ZmnS4tGU2EXYJBDv 

Acusando con solvencia la desvinculación del sonido indie noventero por excelencia, heredero de bandas como Dinosaur Jr. y demás devotos de la distorsión, You Know Who You Are es un disco pulido, limpio, sublime y plagado de canciones tan bonitas como una puesta de sol acompañado de la persona que más amas en este mundo. Exacto, está plagado de momentos musicales tan mágicos e irrepetibles como la piedra filosofal. Perfecto para cualquier momento, si estás de buen humor te sube a las nubes y si estás de mal humor te lo quita de uun plumazo, sirve tanto para un roto como para un "descosío" emocionando y divirtiendo a partes iguales.

Puntuación 9

THE BLACK DAHLIA MURDER (2015) Abysmal



Sí, yo también he escuchado ya al completo el Meloria de Ghost, pero necesito todavía un par de días más para hacerme realmente con el espíritu del disco, el cual he de decir que de primeras no me parece su mejor trabajo, pero el tiempo dirá. Mientras tanto vamos a lo seguro, lo que se dice, a tiro hecho. Lo nuevo de The Black Dahlia Murder, por mucho que su portada no me acabe de convencer del todo, creo que son los colores y no el arte, y de que sus adelantos no hayan sido ni de lejos lo mejor del disco, eso siempre es bueno para manterner el misterio, Abysmal es una más que digna continuación de su anterior Everblack, para mi uno de sus mejores trabajos hasta la fecha, aunque también digo alto y claro que me costaría mucho decidirme por uno únicamente como mi favorito, y que además recupera algo de sus inicios con el metalcore y vuelve a potenciar los cambios de tempo radicalmente técnicos.

 

Trevor Strnad (vocales) y Brian Eschbach (guitarras), los únicos miembros que quedan en la banda de la formación original, han parido un disco muy en la tradición de los Black Dahlia, sin sorpresas, cosa que tampoco pretende, pero que sí que añade ciertos matices a su música que hasta el momento no eran tan patentes. Me refiero a emociones como la melancolía y la frustación, una seriedad lírica cada vez más fuerte en sus canciones y un desarrollo de los temas cada vez más trabajado. Es por ello que podemos decir que estamos ante el séptimo triunfo de los deathsters melódicos conocidos como The Black Dahlia Murder, pese a quien le pese. Ahora solamente toca esperar a volver a verlos en directos para confirmar lo máquinas que son en todos los sentidos.

SLAVES (2014) Through Art We Are All Equals

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La enésima banda de emo-core, post-hardcore, o como cojones se le quiera llamar a lo que practica Johnny Craig desde siempre, ya es un hecho. Después de pasarse una buena temporada en rehabilitación a causa de su adicción a las drogas, el ex-cantante de Emarosa, Dance Gavin Dance y Isles & Glaciers, además de tener su propio proyecto en solitario con el cual ha editado ya alguna que otra referencia, ha formado este nuevo proyecto junto a Alex Nyman y Christopher Kim de Hearts & Hands, y el batería de Four Letter Lie Tai Wright, llamado Slaves.


Y el resultado es este enorme Through Art We Are All Equals. Un disco que le sirve a Johnny para excusarse ante sus amigos y familiares por sus actuaciones y todo el daño que ha hecho en el pasado (las drogas son muy malas chicos), rubricando un disco que líricamente es una maravilla, en parte gracias al amplio rango de tonos que baraja Johnny Craig y en parte gracias a las muy sinceras letras que ha firmado para el disco, consiguiendo una obra que es perfectamente disfrutable en todos los sentidos.


Musicalmente tiene todo lo esperado para una banda de sus características y más. La experimentación con los ambientes, los efectos y los instrumentos es contínua, dentro de los límites normales que marca el estilo, convirtiendo el disco en un viaje del todo inspirador, reconfortante en ocasiones, duro y derrotista en otras, pero siempre con ese punto de esperanza que da ver la vida de nuevo resurgir ante ti.

IGNITE (2016) A War Against You

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Y como viene siendo tradición por los rincones virtuales de la red, antes de finalizar el año siempre se filtran los primeros discos que saldrán a principios del que viene, no todos por supuesto, pero en algunos casos se convierte en una alegría inmensa. El primero de ellos que nos ha caído en las manos ha sido el regreso al mejor de sus estados de la banda capitaneada por Zoli Teglas. Estamos hablando, nada menos, que de los míticos Ignite, buque insignia del hardcore socializado y politizado de California de mediados de los 90 y, en mi caso, una de mis banda de hardcore más queridas.


Dando un carpetazo momentáneo a su carrera después del muy sólido Our Darkest Days (2006), un disco que ya se consideró de regreso después de un largo hiato de 6 años, 10 años después regresan con las baterías bien cargadas para hacer lo que mejor saben hacer, bombas de relojería a punto de estallar en forma de composiciones hardcore en las que la melodía y la actitud juegan gran parte del protagonismo.

 

Es un honor volver a tener a Zoli en la mejor de sus encarnaciones, su contribución a Pennywise con el All Or Nothing del 2012 se zanjó firmando el mejor disco de la banda en los últimos 15 años y con el regreso, dos años después, de Jim Lindberg a la banda con nombre de payaso terrorífico. Pero como se suele decir, no hay mal que por bien no venga, y el regreso de Lindberg a Pennywise propició la reunión de Ignite resultando en otro de esos discazos épicos de hardcore revolucionario que tanto clavan los de Orange County.



martes, 29 de marzo de 2016

BLOOD CEREMONY (2016) Lord Of Misrule

Salimos de una vez del adictivo panorama nacional, al que llevo enganchado sin remedio durante algo más de un mes, de la siniestra mano que nos brindan los canadienses Blood Ceremony con su cuarto largo titulado Lord Of Mislure. Un disco que vuelve a ponerlos en lo más alto de la escena occult-rock internacional barriendo a la competencia a base de estilo y clase, cualidades de las que van sobrados en este Lord Of Mislure y que despliegan para la ocasión de la manera más amable y elegante hasta la fecha.

 

Poseedores de una calidad claramente ascendente y mejorada con los años y dotados de una evolución constante indudablemente palpable en cada uno de sus discos, los capitaneados por la vocalista/flautista Alia O'Brien reinciden en su carácter setentero firmando el disco más accesible desde sus inicios. En este Lord Of Misrule nos encontramos con novedosos y sobresalientes experimentos con el garage rock (Old Fires) y el blues añejo (Flower Phantoms) abriendo con soltura su paleta estilística hacia espacios más familiares, comunes y luminosos sin perder ese inherente poso oscuro y sisniestro que imprime su carácter demostarndo una solvente valía en todo lo que se proponen.

https://open.spotify.com/album/5ZxI30AGxfMgiyDH29bWaa 

Pero toda accesibilidad se acaba pagando, y en ellos, ojalá me equivoque, se lo harán pagar los seguidores más puristas que esperan de ellos la más abyecta consagración al más puro estilo occult-rock y dejarse de abrirse tanto a estilos más triviales como el blues, o el garage en clave rockera o incluso festiva, su portada con foto del grupo a lo relajado y feliciano habla por si sola. Yo no se lo puedo tener en cuenta si lo que obtenemos como resultado es uno de los discos de rock sin etiquetas más gordos del año. Enormes una vez más.

Puntuación 8

jueves, 24 de marzo de 2016

SANTOS (2015) El Sueño del Mamut

https://open.spotify.com/album/5EBuf8cqbGcWXtUggqddM0 

El pasado fin de semana y en el exclusivo marco del Let's Festival, celebrado un año más en la Sala Salamandra de L'Hospitalet, tuve la suerte de ver por segunda vez a mis amados Egon Soda, probablemente la banda nacional actual, junto con Love Of Lesbian, Nueva Vulcano y Cala Vento, que más escucho y a la que mayor adicción y devoción les debo, algo que ha variado considerablemente durante los días porteriores al concierto visto el resultado del mismo. Para la ocasión, Egon Soda llevaba como invitados a Tremenda, joven y solvente cuarteto venido del mismo Hospitalet e influenciados irremediablemente por el indie nacional más actual de gente como Supersubmarina o Dinero. Aunque dotados de suficiente personalidad propia y una ejecución impecable, por ahora tan sólo han facturado un Ep (Impulso Animal 2015) y con él defendieron sus atractivas formas sobre el escenario de manera envidiable.

 

Por supuesto que no me voy a ser yo el que se vaya a quejar lo más mínimo del impresionante conciertazo que se marcaron Egon Soda, con un final de infarto y el escenario invadido de buenos amigos para cantar la muy fiestera Reunión de Pastores, Ovejas Muertas, pero para mi, y creo que para algunos más también, los verdaderos triunfadores de la noche fueron Santos y su ejecución íntegra de El Sueño del Mamut. Su segundo y magistral disco de estudio que defendieron, presentaron y ofrecieron en bandeja de plata a una audiencia tan tímida como embobada con su hipnótica interpretación.

 

Lo primero que voy a decir es que, sabiendo que venian junto a Egon Soda, les di una primera tentativa a través de Spotify para saber como sonaban la cual, incompresiblemente, se tornó en fallida por culpa de ese diferente y chocante registro que presenta Jordi Calatayud que me hacia desplazarme de la banda inevitablemente. Dato que se acentuó sobremanera en su concierto en primera instancia, la interpretación de Jordi pasaba por ser sumamente teatral, incluso shakesperiana en ocasiones, a la que le encontraba ciertas similitudes con el Bunbury de Héroes del Silencio, en la actitud sobre las tablas, y el Serrat de toda la vida, en los trémolos de voz. Formados por un plantel de músicos experimentados, veteranos y de una calidad muy, pero que muy, por encima de la media, lo de la guitarra se convertía en una experiencia extrasensorial en varios momentos estelares de la noche, estamos hablando de Santos Berrocal, Roger Martín, Àlex Vivero, Florenci Ferrer y Andreu Conill, entre los que se encuentran colaboradores, productores y músicos de estudio con un peso y un valor incalculable en la escena indie de Barcelona. La evolución personal vivida durante el concierto de Santos conllevó una doble sorpresa inesperada de una intesidad y un subidón musical incomparable y claramente extraña en una persona de mi holgado bagaje con la música y los directos. Desde los 15 pateando directos no es nada ordinario conseguir hacerme sentir de manera tan especial en un directo. 

 

Pasar de -este vocalista no encaja para nada en este tipo de grupo- a -estamos ante el vocalista perfecto para el grupo perfecto- hay un camino que tan sólo puede allanar la fabulosa, expectante y pasional interpretación de un Jordi Calatayud apabullante sobre las tablas. Las sorpresa causada por Santos en mi persona fue solamente superada por la sorpresa causada al verme sorprendido por una banda sobre la que tenía las expectativas más bajas que mi justo metro sesenta de altura.

La consclusión que me llevo de esa noche estelar es que tanto Santos, como Egon Soda, o incluso la banda llamada Mi Capitán, la cual comparte miembros con Love Of Lesbian, Santos y Egon Soda, deberían estar en lo más alto del indie nacional actual y, para desgracia de muchos, siguen en el limbo de las bandas dispuestas a darse el gran baño de multitudes que jamás les llega. Ya sea por un tema de promoción o porque sus componentes simplemente se lo toman como un pasatiempo, hay que entender que todos ellos tienen diversos trabajos que atender con los que se ganan muy bien la vida, siguen anclados en el basto underground del indie nacional esperemos que no para la eternidad.

Puntuación 9

lunes, 21 de marzo de 2016

DUSTIN KENSURE (2016) Thoughts That Float On A Different Blood


Con varios discos en su haber bajo su nombre después de salir de los gloriosos e irrepetibles Thrice a principios de la década actual, y alguno que otro que realizó durante su vida en paralelo junto a la banda de la cual fue vocalista durante más de una década, Dustin Kensure ha demostrado sobradamente, algo que ya hiciera con anterioridad e incluso de manera más contundente si cabe junto a Thrice, que su valía como intérprete y compositor queda más allá de toda duda. Con tan sólo 35 años la evolución musical de Dustin, tanto dentro de Thrice como fuera de ellos, pone al descubierto la calidad y la amplitud de miras de un artista que crece a pasos agigantados abriéndose paso a todo tipo de posibilidades.


Pero por si todo esto no hubiera quedado claro, Dustin va y se lanza a grabar un disco en directo, apoyado únicamente en su inconfundible y emocionante voz y su inseparable guitarra acústica, registrado durante dos noches en el Constellation Room de Santa Ana en California, siendo la gran peculiaridad del mismo el estar compuesto únicamente de versiones. La gran mayoría de ellas sobradamente reconocibles y en las que volvemos a comprobar el incomparable y variado buen gusto musical que gasta Dustin personalmente.

10 versiones absolutamente desgarradas y destripadas al máximo, desnudas hasta decir basta y traídas a su terreno hasta hacerlas totalmente suyas. Dustin Kensure empieza con el infalible trío de oro formado por la grandiosa Hospital Beds de mi amada Florence, sigue en el maistream con el Buzzcut Season de Lorde para saltar al doloroso y precioso Jesus Christ de sus contemporáneos Brand New. Tan sólo con esas tres ya te deja muerto y estirado. Siguiendo esa misma línea de tríos ganadores nos encontramos con el omnipresente Creep de Radiohead, el Wrecking Ball de Miley Cirus y el Cold As It Gets de Patty Griffin.

Pero si hay tema que me haya llegado especialmente por el significado que tiene para mi, con el permiso del Jesus Christ de la tercera posición, esa es la versión de la inmortal Round Here de Counting Crows. Un tema que Dustin respeta y reinterpreta de manera brutal y sincera.  Y para finalizar otro trío de grandes. El  State Trooper de su idolatrado Bruce Springsteen, el Dance Me To The End Of Love de mi idolatrado Leonard Cohen y Down There By The Train del maestro Tom Waits cierran un disco en clave folk prácticamente perfecto.

Puntuación 9

jueves, 17 de marzo de 2016

JOAN COLOMO (2016) Sistema

https://bcoredisc.bandcamp.com/album/sistema
 
Y por si no teníamos bastante con las adicciones nacionales de Cala Vento, Love Of Lesbian o Obsidian Kingdom, hasta yo mismo me asombro de mi eclecticismo musical, acaba de llegar el que faltaba para el duro, Joan Colomo, el de -yo me lo guiso, yo me lo como-. La trayectoria en paralelo de Joan Colomo y el sello BCore viene de lejos, de los tiempos de Zeidun y Moksha, hasta los de La Célula Durmiente o The Unfinished Sympathy, Joan Colomo siempre ha sido tan fiel como yo al sello de la Ciudad Condal. Pero desde un tiempo a esta parte, finales de la década pasada más o menos, Joan Colomo dio el paso definitivo hacia el proyecto propio, que no en solitario, en el que ejerce como único e impresindible maestro de ceremonias con unos directos de los que no se olvidan fácilmente.
https://open.spotify.com/album/45RC50i4hCkRQYoGVIRsfr 

Envuelto en un halo de familiaridad, humildad y sencillez que inunda de manera inequívoca sus discos y aún más sus directos, esa manera tan insegura y vergonzosa (combatida a base de un nervioso desparpajo y bromas a tutiplén)  que tiene de enfrentarse al micro y al público soprenden sobremanera para un artista con sus tablas, con La Fília i la Fòbia llego a unos niveles de excelencia incluso superiores a sus anteriores entregas, siendo para mi, todas ellas, aboslutamente impresincindibles.

 

En su úlitmo álbum (Sistema 2016), nos encontramos con un Joan Colomo de lo más cómodo, alegre y emocionado con su nueva colección de canciones, 14 exactamenmte que se extienden durante unos breves 30 mintuos. Llama poderosamente la atención temazos tan redondos y breves como el incial Nada (1:05), el histriónico Les Coses (2:31), el ojiplático Fruit Tropical (0:52), el caluroso Eclipse de Sol (1:57) o el final Tot (1:31). Un disco plagado de momentos mágicos, dulces, originales y diferentes dentro de una escena en la que, si lo tuviéramos que comparar con alguien, no sabríamos para donde tirar ya que Joan Colomo, por suerte o por desgracia, es único en su especie.

lunes, 14 de marzo de 2016

OBSIDIAN KINGDOM (2016) A Year With No Summer

https://obsidiankingdom.bandcamp.com/album/a-year-with-no-summer 

He dudado mucho a la hora de decidir si debería hablar ya de un disco como el nuevo A Year With No Summer de los polifacéticos Obsidian Kingdom, o si por el contrario debería esperarme a tener una opinión más formada del mismo. Pero mi desenfrenada pasión por él  y por esa entidad artística llamada Obsidian Kingdom clama de manera tan desaforada y vital que no he podido resistirlo más para expresar a los cuatro vientos mis pasionales primeras  impresiones, poco válidas para dar un dictámen elocuente, sobre el descomunal segundo álbum del quinteto barcelonés más ambicioso y con mayor potencial del momento.

https://open.spotify.com/album/21G1dlWGGpoxUCNKO9UxxC 

Lo primero que voy a decir para que intentéis intender hasta que punto estoy empeñado en desentramar y descifrar, a nivel musical, este A Year With No Summer es que, salvando las distancias y teniendo siempre en cuenta que no estoy comparando ambos discos,tengo que decir que no tenía estas sensaciones tan laberínticas, misteriosas, expectantes y emocionantes desde que me tuve que enfrentar a un disco tan críptico e inagotable como el AEnima de  Tool. Soy totalmente consciente de lo que digo, ese disco de Tool ha sido uno de los discos que más ha marcado mi desarrolo musical y que más me ha costado desentramar del todo. Disfrutando en cada escucha de más y más descubrimientos y emociones, el AEnima de Tool es una cascada de emociones tan brutal, variada y difícil de conseguir dentro del espectro musical actual, que se ha llegado a convertir en una obra única, incomparable y referencial en todos los sentidos. Bajo mi punto de vista y con tan sólo 20 escuchas del disco, considero que el A Year With No Summer tiene todos los números para llegar a esos niveles. (Aquí me he quedado más ancho que largo, lo sé).

http://goliathisdead.com/2016/03/09/entrevista-obsidian-kingdom-1-nos-planteamos-cada-obra-en-terminos-de-sensaciones-y-emociones/ 

Después de saber que Obsidian Kingdom había sufrido cambios considerables tanto en forma(ción) como en conten(ción)ido, su single de presentación anunciaba a los cuatro vientos un giro de 180º en su dirección musical, que no artísitca, la expectación por saber qué es lo que habría hecho el quinteto después de aquel monumental Mantiis era brutal. Pues bien, jugando dentro del amplio espectro que se describe entremedio de los extemos, algo que funciona radicalmente  opuesto a lo presentado en su debut, la bocanada de aire viciado en forma de espesa neblina que representa A Year With No Summer es de una sorpresiva y engañosa quietud tan deliciosa y atractiva, que tan sólo con plantar la semilla, tiene bastante para oligarte a volver a acudir a él rebuscando, buceando, ensuciándote, desnudándote, perdiendo cualquier preconcepción sobre él, y disfrutando como un poseso de desentramar una obra de proporciones épicas. 

 

A Year With No Summer es un disco en el que te has de ir abriendo paso poco a poco con las atentas audiciones, es un disco del que hay que poder y querer disfrutar, trabajar en él muy duramente de la misma manera que lo ha hecho la banda, descubrir, explorar, soñar, sudar, mear y vivir una experiencia más allá de lo meramente musical. Su facilidad para la escucha contrasta de manera brutal con sus complejos entramados musicales esputados en forma de composiciones tan etéreas como dotadas de un peso específico indescriptible dentro de ese bloque inquebrantable, aunque en este caso la estructuración por temas ayuda algo más a su separación, llamado A Year With No Summer.


No me voy a extender más porque sé que nadie me va a leer de la chapa que os estoy dando, lo entiendo, y tampoco le voy a poner nota concreta ya que creo que me queda mucho camino por recorrer junto a este A Year With No Summer para poder dictaminar que nos espera al final del miso. Pero desde ya, darles las gracias a los componentes, nuevos y viejos, por el riesgo, la sinceridad y la grandeza de un proyecto que crece cada día más y más convirtiendose en una entidad que lleva su arte por encima de su propio nombre para rendirse en cuerpo y alma a una visión artística tan única y desbordante de creatividad como la que ejerce Obsidian Kingdom.

A Year With No Summer es algo que no le deseas ni a tu peor enemigo.

viernes, 11 de marzo de 2016

DEATH SS (1989) Black Mass

https://www.youtube.com/watch?v=l7XkUpQfXpQ 

Hoy toca viajar al pasado con una de las bandas más pesadillescas, referenciales e importantes en el desarrollo de varias escenas metaleras que han venido y siguen viniendo después de ellos. Formados a finales de la década de los 70 en Italia como contrapunto a bandas como Alice Cooper o Kiss, inspirados e inpsiradores de ese movimiento musical llamado shock-rock en el que la parafernalia teatrera, las performances y el corpse-paint era de lo más novedoso y original, hay que dejar laro que su nombre no hace precisamente referencia a la policia nazi de la alemania hitleriana, sino que es la referencia mortal al propio capo de la banda, en este caso Steven Sylvester.

https://open.spotify.com/album/5S6EulLagITalHPGyWGxte 

Aquiriendo cada uno de los componentes de la banda un alter-ego siniestro que incluía un disfraz que acompañaba a la personalidad de su representación mosntruosa, estaban la momia, el zombie, el vampiro y demás, hay que admitir que tanto la estética, mucho más currada y siniestra que la de los grupos de shock-rock de la época, como sus composiciones, mucho más satánicas y peligrosas también, Death SS llegó a copar las expectativas de los más exigentes del género componiendo en sus principios algunas de las biblias negras más satánicas e imprescindibles de ayer, hoy y siempre.

 

Puede que su repercusión como banda no fuera toda la que merecían, gran parte de culpa la tiene que fueran italianos y no ingleses o americanos, pero lo que es indudable es que tanto su legado estético como su legado musical siguen tan vigentes como antaño y se han convertido en una de las referencias más impepinables de la acutalidad musical ocultista, pagana y satánica en todas sus extensiones. Siguiendo en activo en la actualidad y convertidos a estas alturas en una banda que corre el riesgo de llegar a considerarse una caricatura de si mismos, tanto este Black Mass, como el anterior ...In Death Of Steven Sylvester o el posterior Heavy Demons, forman una de las trilogías más satánicas, interesantes e inspiradoras de la escena metal de principios de los 90 y finales de los 80. Obras maestras indiscutibles todavía por revindicar como se merecen.

Puntuación 10

lunes, 7 de marzo de 2016

LOVE OF LESBIAN (2016) El Poeta Halley

http://www.mirrorcreator.com/files/1WMFSEMT/Halley.rar_links

1999 (o como generar incendios de nieve con una lupa enfocando a la Luna) fue uno de esos discos tan elementales y necesarios para su público, como crucial e imprescindible dentro de la carrera de la banda liderada por Santi Balmes, obviamente considerado por muchos como la obra maestra generacional más importante desde Una Semana En El Motor De Un Autobús de Los Planetas. Desde entonces hasta hoy (2009-2016), Love Of Lesbian sigue viviendo en la cresta de la ola en todos los sentidos (popularidad, crecimiento, creatividad...). 

 

3 años después, y de nuevo bajo el amplio paraguas de la Warner, Love Of Lesbian nos regalaban su obra más ambiciosa y descomunal. Un delicioso disco doble llamado La Noche Eterna / Los Días No Vividos, dividido en dos segmentos claramente diferenciados, con el cual siguieron su exitosa estela entregando un álbum que, sin necesidad alguna de menospreciarlo, estaba claramente por debajo de su obra magna hasta la fecha sobreviviendo bajo la alaragada sombra del insuperable 1999.

https://open.spotify.com/album/5hj8ChEpOgHmVTqUuZFz82 

Pero como con Love Of Lesbian nunca se puede estar seguro de nada, han tenido que pasar 7 años desde el omnipresente 1999 para que Santi Balmes y su musa se hayan puesto de acuerdo en componer el que, posiblemente, se pueda batir el cobre con esa obra maestra indiscutible. Solamente con su título, El Poeta Halley, el disco ya apunta maneras, pero tened por cuenta que esa no es su única virtud, ya que el Halley está plagado de ellas.  Además que acabar el disco con ese recitado de Joan Manuel Serrat que engloba toda la filosofía linguística de Santi Balmes es una veradera guinda al pastel. No sé si atreverme a decir esto, pero para mi es la necesaria, justa y demandada segunda parte del 1999, aunque sea de tapadillo, todo comenzó con El Amante Guisante.

 

Desplegando por completo y en todo su esplendor toda la fantasía y la imaginería desorbitada de Santi Balmes, la creación de un disco que tiene un claro y desarrollado protagonista, ese poeta llamado Halley, ha sido uno de los mayores aciertos del redondo, Halley puede presumir de ser el disco de los Lesbianos con las mayores dosis de esa auténtica e incomparable magia que obra Santi en sus composiciones con sus dobles sentidos y sus elocuentes ambigüedades dentro de sus indescifrables, poéticas y punzantes líricas.

 

Pero si además le añadimos un diseño artístico de indiscutible veneración infantil a cargo del gran maese del estilo Sergio Mora, quien ha dibujado 13 ideales estampas inspiradas en cada uno de los temas adornando así, de manera tan brillante como poética, una edición en formato cd-libro a la altura de tamaña obra maestra, obtenemos una pieza que traspasa cualquier barrera musical para traspasar su arte musical y su grandeza estilística a diferentes representaciones artísticas copando en todas ellas un nivel más allá del propio Halley. 

 

Love Of Lesbian solamente recomiendan (como en el libreto del disco bien apuntan) -escuchar este disco con el espíritu sereno y la predisposición de iniciar un viaje sin prisas- y lo único que yo voy reprocharles es el haber agotado sus entradas para los tres días fijados en Barcelona en la sala Razzmatazz en un abrir y cerrar de ojos (los míos siguen llorando por ello) y la velocidad del propio Cometa Halley. Espero que hagan un final de gira como se merece en Barcelona, si es así será en un par de años por lo menos después de girar, y pueda ver las delicias del Halley en directo.

Puntuación 10

miércoles, 2 de marzo de 2016

MACKLEMORE AND RYAN LEWIS (2016) This Unruly Mess I've Made

http://www.mirrorcreator.com/files/FM8ZJXPF/Mess.rar_links

Que Macklemore y Ryan Lewis se convirtieron en estrellas del mainstream americano con su debut como dúo resultando en el multitudinario The Heist, con el que colocaron varios hitazos de la talla del Can't Hold Us o el Thrift Shop en el imaginario pop universal además de estar premiado en varias categorias musicales de su año, el tercer largo del mc de Seattle, el segundo junto a su ahora inseparable Ryan Lewis, el cual tiene bastante peso en todo esto, sigue la misma línea marcada con sus predecesores aunque refinando y puliendo su propia fórmula como mc.

 

Contando aquí con nombres tan representativos y respetados en el hip-hop como son KRS-ONE, Schoolboy Q o Ab-Soul, de la misma manera que nos encantramos con personajes tan dispares como Ben Bridwell de Band Of Horses o Carla Morrison, This Unruly Mess I've Made sacrifica parte de los esperadísimos hits radiables, los hay pero ninguno de la potencia de los mencionados anteriormente, y se sigue apoyando en los mismos recursos, la frescura y la facilidad para rapear agradando y complaciendo a una gran mayoría de los oyentes.

https://open.spotify.com/album/2kqn09pydzvKvB3xWbAxY4 

Intentando jugar a ser grandes siendo lo más fiel posible al rap que los impulsó a dedicarse a ello, Macklemore y Ryan Lewis firman un disco tan divertido, agradable, libre de complejos y sincero, que se hace prácticamente imposible resistirse a sus encantos. Algo parecido a lo que pasaba con sus anteriores entregas, por supuesto que no van a cambiar el curso del rap actual, pero si de lo que se trata es de pasar un rato de lo más entretenido y distendindo, además de ponerte una sonrisa en la boca cada más grande con cada escucha, ese es This Unruly Mess I've Made.

Puntuación 7