+++ TRES CRUCES (2015) Octagrammation

 

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Se hace difícil definir, o incluso tomar en serio, la singular propuesta de este dúo lo-fi de Barcelona, autodefinido como necro-folk, que se estrena con su debut largo en uno de los sellos más interesantes y en auge del underground de la Ciudad Condal. Estamos hablando de los fantabulosos Boston Pizza, una de las discográficas jóvenes más originales y eclécticas del panorama nacional que puede presumir de tener en su escudería a gente tan diametralmente opuesta como Wind Atlas, ya he dicho hasta la saciedad que se han cascado el mejor disco del año hastala fecha, The Destroyed Room, enorme banda de pop-rock con una trayectoria envidiable, o Zephyr Lake, un día tengo que hablar largo y tendido de estos pedazo de músicos, tres bandas sin escena concreta, sin etiquetas aplicables, pero con una cosa en común, Boston Pizza Records.

 

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Como decía al principio, esto se puede tomar de dos maneras, como un ejercicio de arte conceptual único e incomparable, algo que desde el punto de vista musical no aporta demasiado a la propia música más que un marco situacional de ocultismo imaginario y oscurantismo personal, o, por el contrario, tomártelo todo a broma como un absurdo despropósito que, de nuevo, tampoco afecta de manera directa al plano musical del disco, pero que por otra parte, si que puede hacer que te introduzcas en el disco de cabeza o lo dejes completamente apartado por parecerte una broma sin demasiado acierto ni gusto.

Su sonido no es fácil de encajar de primeras, ténues guitarras acústicas, panderetas, campanillas y demás instrumentos  estrafalarios se mezclan con los enervantes sintetizadores de baja calidad y un registro vocal tan punk y punzante que es prácticamente hirirente. Pero una vez superados los primeros obstáculos, es  indescripticble la capacidad que tienen para atraer a las almas paganas a su liturgia. Una liturgia llamada Octagrammation  y que está compuesta por ocho adictivos temas que traspasan los límtes de la depresión, el dolor, la maldad, el macarrismo, la desesperación y la oscuridad para parir una de las obras más alucinógenas e inclasificables del año. Barcelona manda. El próximo Miércoles día 1 de Abril los tenemos en concierto en Barcelona en la sala Heliogabal. 

YOUNG BUFFALO (2015) House

 

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Empezamos la semana con la mayor frescura e iluminación proveniente de la actualidad musical de la escena pop de Oxford, con el debut de este joven quinteto llamado Young Buffalo y que lleva por título House, un título tan familiar como lo es su música. Si tengo que emperentarlos con alguien he de decir que me han recorado bastante a los desaparecidos Dogs Die In Hot Cars, esas habilidades con los teclados, las harmonías vocales que práctican y las graciosas y animadas melodías que ejecutan, me han trasladado por momentos al magistral Please Describe Yourself.

 

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Producido Dave Schiffman, quien ha trabajado anteriormente con gente como Weezer, el sonido del disco es limpio y ordenado en todos los sentidos, cada instrumento tiene su propio espacio y se escucha con perfecta nitidez. Los preciosos arreglos, que son los justos y necesarios para acicalar al disco a la perfección, y la versatiliadad de la banda a la hora de abordar diferentes ramificaciones del pop, hacen de este House uno de los discos de pop más sólidos del año.

LITURGY (2015) The Ark Work

 

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Sin duda alguna, uno de mis discos más esperados del año. No soy de escuchar adelantos, por lo general, pero he de admitir que en cuanto se puso en circulación, hace ya un tiempo, el primer single de este The Ark Work, llamado Quetzalcoatl, mis expectativas se dispararon hasta límites insospechados. Además hace un par de semanas soltaron el segundo galimatías musical del disco titulado Reign Array, una composición de 11 minutos de duración no apta para psicóticos ni desequilibrados, para ese tipo de gente escuchar este The Ark Work al completo, les puede acabar por joder la vida de verdad.

 

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Para adentrarse en el tercer largo de la banda capitaneada por el polémico Hunter Hunt-Hendrix, quien ha conseguido realizar un trabajo vocal sobresaliente para la ocasión, hay que estar muy cuerdo, pisar con los pies en la tierra y tener un equilibrio mental y emocional cercano al zen, creo que es la única manera de enfrentarse a él y salir victorioso. De lo contrario, es capaz de hacerte perder el norte, salir tocado de la experiencia e incluso no volver a ser el mismo, estáis avisados. The Ark Work no es ninguna broma, es una fuerza creativa tan potente como abstracta apta solamente para el que la pueda apreciar en toda su capacidad expresiva y emocional, cualidades prácticamente inagotables en el disco.

 

Jugando de nuevo con los bucles cíclicos de repeticiones rítmicas y melódicas hasta el punto de la irritación y la exasperación, un sentiemiento de desbordamiento infinito y creciente inunda las indescifrables composiciones que incluyen todo tipo de instrumentación foránea a su original y graciosa etiqueta de transcendental black metal (campanas, xilófonos, gaitas, timbales, sintetizadores), en la que la abstracción de la IDM y los ritmos experimentales traídos del hip-hop más vanguardista se entremezclan en una odisea sonora capaz de sorprender a cualquiera y barrerlo de la faz de tierra de un plumazo para llevarlo a un universo absolutamente inexplorado e inconexo por el que, una vez acostumbrados, acabamos fluyendo sin remedio. Lo sabía, solamente hacía falta tener a mano para escucharlo y confirmarlo, ¡¡¡¡DISCO DEL AÑO!!!!. Como curiosidad diré que lo he escuchado las mismas veces que el de The Prodigy cuando hice el comentario, y sin dudarlo un momento, puedo afirmar con tan sólo dos escuchas que no me voy a arrepentir de mi comentario.

STRUNG OUT (2015) Transmission.Alpha.Delta

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6 años después de su último disco, la banda de punk-rock californiana liderada por Jason Cruz ha vuelto a meterse en el estudio de grabación para firmar su octavo disco largo que lleva por título Transmission.Alpha.Delta. Jugando desde sus inicios en segunda división, creo que siempre se han sentido cómodos en esa posición, NOFX, Bad Religion, Lagwagon o Pennywise han acabado siempre ganándoles la partida de la popularidad. Pero si de algo podemos estar verdaderamente seguros, es de que Strung Out tienen una carrera tanto o más sólida que cualquiera de ellos, solamente hay que darle un repaso a sus discos para comprobar lo que digo.

 

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A mi manera de ver las cosas, desde sus incios he creído que el lastre de Strung Out ha sido siempre, por increíble que parezca, lo buenos músicos que son. Me explico, la técnica y la valía como músico siempre ha sido obviada o incluso despreciada por la escena punk en general, y si de algo pueden presumir Strung Out es, sin duda alguna, de su impresionante técncia, su portentosa habilidad y su indiscutible capacidad para crear composiciones y discos muy por encima de la habilidad compositiva media de cualquiera de sus coetáneos. Aunque parezca mentira, ese creo que es su único pecado, el tocar demasiado bien en una escena en la que, precisamente eso, es algo que no hace ninguna falta y, por tanto, está hasta mal visto. 

 

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Kyle Black ha sido el productor elegido para la tarea y, aunque al principio la banda no encajaba del todo bien que el jovencito Kyle (Paramore, Comeback Kid) les diera órdenes dentro del estudio, ha sido el propio Cruz quien ha acabado hablando maravillas de él diciendo lo siguiente: -ha sido la primera vez que hemos trabajado en el estudio con un auténtico fan de la banda y eso se ha notado, hemos conseguido sonar con la misma magia y la misma fuerza que en nuestros inicios, y creo que Kyle tiene gran parte de la culpa-. Para bien o para mal Transmission.Alpha.Delta es un disco que vive en la más pura tradicion de la banda y recupera parte de sus motivaciones juveniles. Probablemente estemos ante el mejor disco del año en su estilo, si el año pasado le tocó a Lagwagon y su gloriosa reaparición, este año les toca a Strung Out.

JOHN CARPENTER (2015) Lost Themes

 

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En un momento musical en el que la escena electrónica está viviendo un claro revival del legado del maestro, bandas como Carpenter Brut o Nightsatan los citan como claro referente, y dándose el caso concreto de que le maestro hace mucho tiempo que no publica material nuevo, era el momento justo y preciso para que John Carpenter volviera a hacer de las suyas con los sintetizadores poniendo las cosas en su sitio. Ya que no tenía en mente sacar una nueva película con su correspondiente banda sonora, el maestro ha decidido hacer su primer disco de estudio sin necesidad de estar vinculado a ninguna película en concreto.

 

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No estoy seguro si son composiciones nuevas o si, por el contrario, el nombre del disco hace referencia a temas desechados de sus imprescindibles bandas sonoras, pero sea como sea, estamos ante el disco de Carpenter que mejor funciona como tal. Sus bandas sonoras son eso, bandas sonoras, y por tanto tienen ese aire cinemático inequívoco que relaciona sus canciones entre sí formando un todo que casa a la perfección con las imágenes a las que acompaña, pero en el caso de este Lost Themes, estamos ante un disco que está falto de ese aire cinemático y el elemento relacional entre composiciones ofreciéndonos un largo plagado de hits que funcionan a la perfección tanto en forma de LP como de manera individual siendo esa, precisamente, la mejor baza en el disco.

 

Sin duda estamos ante su mejor disco, el más contundete, el más atrevido, el más elaborado, con mejor sonido y el más sólido e independiente de todos, si lo que valoramos son las canciones en cuestión y no el aura legendaria que poseen sus bandas sonoras, en ese caso cada uno de nosotros tendrá su favorita, la mía es sin duda alguna la de la Comisaría, pero hay que admitir que lo que ha conseguido Carpenter con este disco es todo un hito en su carrera y una declaración de majestuosidad y calidad indiscutible muy por encima de cualquiera de los wannabes que han ido apareciendo últimamente en la escena. Señores, saluden al único y auténtico jefazo del cotarro, John Carpenter.

THE PRODIGY (2015) The Day Is My Enemy

 

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Lo primero que voy a decir en defensa del sexto disco de los auténticos e indiscutibles amos y señores del punk-rave, es que tan sólo le he pegado dos escuchas, atentas, pero dos escuchas. Con esto quiero decir que tampoco es que mi opinión esté del todo formada, pero he decidido tirarme a la piscina convencido de que no voy a cambiar de opinión sobre este The Day Is My Enemy, espero no tener que comerme mis palabras en breve, o si. Mi veredicto, o en este caso concreto el de Javi Tupa, que es quien me ha dicho la frase exacta leyendo prácticamnete mi mente en ese mismo instante, es: Flojo, pero escuchable.

 

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Poniéndonos en situación, estamos hablando de la banda que reventó las pistas de baile de medio mundo con los hitazos incomensurables del Fat Of The Land, y teniendo en cuenta de donde vienen The Prodigy, su último disco Invaders Must Die puede competir cara a cara con el nombrado Fat Of The Land, obviaremos ese desliz llamado Always Outnumbered, Never Outgunned, The Day Is My Enemry no le llega a la suela de los zapatos a ninguno de los dos.

 

En boca del grupo, estamos ante el disco más encarado al concepto de banda de toda su historia, eso significa que para la ocasión Liam no ha sido el que ha tenido que hacerlo prácticamente todo como viene siendo habitual desde sus inicios, Keith y Maxim han aportada mucho al disco y quizás por ello, durante las primeras escuchas, se acuse algo de falta de personalidad. No es que estemos ante su peor disco, pero sí que estamos ante su segundo peor disco, y eso es una pena viniendo de quien viene y esperando lo que esperamos (tanto en expectativas como en tiempo) los fans de siempre de la banda de Essex.

KARYN CRISIS' GOSPEL OF THE WITCHES (2015) Salem's Wounds

 

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Empezamos la semana fuerte con este inclasificable Salem's Wounds, algo bastante típico en la cambiante personalidad artística de la polifacética Karyn Crisis. Después de dejar su marca durante la década de los 90 con su banda Crisis, un crudo y espeso mejunge de hardcore, metal, thrash, death y crossover, aún con todas esas etiquetas nada se acercaba concretamente a definir su estilo, y de fantesar y disfrutar de lo lindo con el metal progresivo yéndose por los cerros de úbeda del jazz y el avant-garde junto a su marido en los recién finiquitados Ephel Duath, esta multidisciplinar artista nos vuelve a volar la cabeza con su nuevo proyecto llamado Karyn Crisis' Gospel Of The Witches.

 

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Con un claro estilo ocultista y pagano, el diseño de portada, realizado por la propia Karyn, es un claro indicativo de ello de la misma manera que lo es el título del disco y el nombre de la banda, de nuevo se hace imposible definir con certeza y destreza su actual faceta musical y artística. Llevando impregnados de alguna manera, ya sea en mayor o en menor medida, todas las personalidades musicales que ha ejercitado  a lo largo de su carrera, Karyn toma las riendas de manera abosoluta ante un proyecto tan indefinido como abstracto en el que el metal, el avant-garde y el progresivo se dan la mano en un oscuro y siniestro aquelarre de musical experimental donde la auténtica protogonista es nuestra bruja favorita Karyn Crisis.

 

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Acompañada a las voces en contadas ocasiones por el maestro Ross Dolan (IMMOLATION), y completando la banda con su marido Davide Tiso (EPHEL DUATH), Mike Hill (TOMBS) y Charlie Schmid (VAURA), este Salem's Wounds se presenta como uno de los discos de metal más interesantes y originales del año, colocándose de manera automática y por méritos propios, entre las primeras posiciones de la lista hasta la fecha.

WIND ATLAS (2015) Lingua Ignota

 

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El quinteto Barcelonés encabezado por la misteriosa Andrea vuelve a hacer temblar las bases del underground de la Ciudad Condal con su segundo largo titulado Lingua Ignota. Un viaje tan misterioso como espeluznante e ignoto, haciendo referencia a su título, en el que lo primitivo y lo primigenio se dan cita para llevarnos a un estado mental místico, etéreo, siniestro, oscuro, desprejuiciado, despreocupado y desprovisto de refentes directos. ¿Se le puede pedir más a un disco?.

 

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Una absorbente obra evocador de imágenes paganas, medievales que se dejan llevar por una instrumentación étnica, prácticamente en su totalidad, y que tiene como máxima la experimentación desde un concepto ritualístico y litúrgico expresado a través de unas composiciones que se revelan en forma de epifianías musicales melifluas que en contraposición a ese sentimiento no obvian ni la locura, ni lo místico, ni lo lúgubre. Compuesta desde la más pura improvisación intuitiva, o al menos esa es la sensación que nos da, es impresionante sentir esa dicotomía emocional que ofrece entre lo desasogante y lo tranquilizador.

Funcionando como un embrujo musical embriagador tan adictivo como alucinógeno y revelador, Wind Atlas ha conseguido facturar uno de los discos más originales, etéreos y evocadores que he escuchado en toda mi vida. De cabeza a lo mejor del año y a la espera de poder presenciar estas ritualísticas composiciones en directo lo antes posible. Yo ya he reservado mi copia física en la Tu Pa Store de Barcelona. El próximo 28 de Marzo los podremos ver por Barcelona en el marco del BIS, no os los podéis perder.

MELECHESH (2015) Enki

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Melechesh fue una de esas bandas que en su día, finales de los 90, puso en el mapa del metal extremo a la mismísima Jerusalem, lugar de procedencia de sus componentes. Con una clara inspiración satánica, algo que les obligó al poco de formarse a emigrar a Europa, tomando prestado trazas de black metal y death metal en sus composiciones, aunque en sus inicios eran claramente más black que death, e insuflándole a la mezcla una potente personalidad en la que las raíces de la música folclórica de su país natal estaban representadas de la mejor manera posible, adueñándose absolutamente de cualquier estilo para rebautizarlo como mesopotamian metal, he de admitir que el cambio que han ido experimentando desde su insuperable Emissaries, su último disco para Osmose, ha ido cada vez a menos.

 

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Está claro que gran parte de la culpa la tiene Nuclear Blast, esa manía que tiene de inflar la producción de sus discos de manera bombástica y descomunal para que los grupos suenen más potentes y grandilocuentes no en todos los casos es un acierto y, por supuesto, en el caso de Melechesh es un craso error. Primero porque poco a poco los va convirtiendo en uno más del montón, con un sonido más genérico y accesible, y por otro porque ellos mismos se van privando de esa personalidad única e intransferible por la cual llegaron a ser quienes son y donde están. Es curioso como una banda que ficha por una grande como Nuclear Blast gracias a los méritos conseguidos por si mismos a la hora de barrer a la competencia simplemente con una porción extra de originalidad y frescura en su sonido y un planteamiento absolutamente característico, al llegar a ella acaban prácticamente por claudicar de sus principios para presentarse al gran público de una manera más fácil y vendible. Aunque por supuesto los primeros culpables son los propios Melechesh que fichan por una discográfica grande con ciertas cláusulas estilisticas que cuartan su creatividad.

 

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Pero eso no quita que este Enki sea un buen disco, o cuento menos un disco disfrutable, pero nada más allá, y ahí radica su flaqueza, en que sus virtudes pasan simplemente por el simple disfrute o divertimento. Enki es uno de esos discos aboslutamente prefabricados que funcionan a la perfección con el público más amplio, y eso es es exactamente lo que busca, llegara más público, algo que posiblemente conseguirán. El sexto disco de estudio de los originadores del metal mesopotámico es un disco que hará las delicias de los más jóvenes, sobretodo para los que han empezado a seguirlos a partir de su anterior The Epigeneis, pero que dejará a los que los conocemos desde su impresionante Djinn, con una sensación de que falta algo, de que la banda ya no está en las mismas, han claudicado y eso se nota, para bien o para mal, Melechesh han cambiado.

IBEYI (2015) Ibeyi

 

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Me encanta como me llegan las cosas a veces, de la manera más inocente en un principio, y como un torrente de emociones absolutamente embriagador en última instancia, cuando finalmente materializo la banda, el estilo y el disco. Probablemente nadie se haya enterado de nada de lo que he dicho, voy a intentar explicarme. Hace varios meses puse por mi muro de Facebook una alusión a FK Twigs y mi obsesión con su disco debut y una amiga confundió a la inglesa con, casualmente, estas gemelas nacidas en Cuba y criadas en Francia, sin que yo conociera absolutamente nada de ellas.

 

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Pues bien hace unos días resulta que navegando por las novedades de Spotify di con este disco que me llamó especialmente la atención por su foto de portada, no sabría decir porque pero me sentí atraído automáticamente por la visión en blanco y negro del primer plano de las gemelas. Estando en un momento en el que el disco de D'Angelo y el de Kendrick Lamar me parecen las mayores y mejores reafirmaciones de la música negra en la actualidad en su máxima expresión, me llega el autotitulado debut de las gemelas Díaz, con 20 añitos recien cumplidos, en el que la cultura cubana, la africana y la francesa, se mezclan a la perfección en un disco que reconoce y engrandece sus raíces de la misma manera que le saca un enorme partido a los sintetizadores y al easy listening.

 

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Sirviéndose de su propio significado para la palabra soul, lo suyo pasa por lo sensual y lo sinuoso de lo musical donde las letras en varios idiomas, el yoruba tiene una presencia especial (el nombre del grupo significa gemelas en ese idioma), los instrumentos orgánicos que utilizan en concordancia con los sintetizadores, los cánticos folclóricos, utilizados a modo de hipnóticos insertos en momentos concretos, y esa preciosista habilidad para componer temas absolutamente sublimes, hacen de ellas las nuevas musas a seguir. Como referencia, y sin que sirvan como comparación, me han venido a la mente bandas del finales de los 90 como Bran Van 3000, Gotan Project o SiSé, por a alguien le suena alguna son bandas de raíces latinas que hicieron carrera en la escena electrónica de la época. Claro aspirante a mejor disco, artista revelación y disco debut del año.

KENDRICK LAMAR (2015) To Pimp A Butterfly

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Después del impresionante éxito de su anterior largo, del magistral conciertazo que se marcó en el pasado Primavera Sound con banda en vivo incluida, y de que alguien en Interscope Records la cagara con todo el equipo filtrando el disco una semana antes de la fecha prevista, esas cosas inexplicables que ocurren en ocasiones, aquí tenemos este To Pimp A Butterfly, el tercer y muy esperado largo del actual chico de oro del rap americano. 3 años hemos tenido que esperar desde el Good Kid, M.A.A.D. City, un tiempo en el que Kendrick ha estado girando sin descanso por toda la geografía internacional y durante el que se ha ido gestando este To Pimp A Butterfly, un disco que, siguiendo la revitalizante línea que inició con su segundo disco largo, amplia y descubre nuevos límites dentro de su propio universo haciendo esa clase de rap que puede presumir de llevar un sello personal tan único como intransferible. Algo de lo que muy pocos pueden alardear y que le ha valido para convertirse en una de las figuras más visibles y referenciales de la escena rap actual.

 

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Habiendo llevado hasta su máxima exposición al colectivo Black Hippy, cada uno de ellos ha hecho sus propios méritos para encontrar su lugar en la minada escena rap americana pero es indiscutible que quien le ha sacado mayor partido a su talento ante el público ha sido Kendrick haciendo aún más visibles a sus compañeros, y bebiendo de prácticamente todas las vertientes de la música negra, lo que tenemos entre manos es lo más gordo que ha sacado Kendrick hasta la fecha y el único disco de música negra que se puede acercar mínimamente a lo que D'Angelo facturó a finales del año pasado, uno de los mejores discos de la década en su estilo, el Black Messiah. 

 

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Más allá de la evidente relación del arte de portada que guarda con el disco de D'Angelo, ambos en blanco y con una foto que ilustrada de manera parecida la fuerza social de la raza negra, el nuevo disco de Kendrick Lamar transita por lugares similares al Black Messiah. Una fuerte influencia del spoken-word, del funky, del R&B y claro deudor de la G-Funk era, por algo es productor ejecutivo del disco Dr. Dre, To Pimp A Butterfly explora los mismos territorios que el de D'Angelo pero desde perspectivas totalmente opuestas. Mientras que la propuesta de D'Angelo se centra en los orígenes de la música negra, el de Lamar lo hace desde el punto de vista de su evolución y la actualidad del movimiento. To Pimp A Butterfly es uno de esos discos en los que hay que esforzarse más allá de lo normal, escuchar más allá de lo evidente y disfrutar más allá de lo imaginable. Master Piece!.

ENSLAVED (2015) In Times

 

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In Times es el treceavo disco lago del combo noruego llamado Enslaved. Un combo que ya hace muchos años que dejó sus raíces estrictamente blackmetaleras para añadirle a la mezcla un, cada vez más creciente, claro espíritu progresivo en el que se manifiestan constantemente los eternos Pink Floyd. Puede que a muchos de sus antiguos seguidores, y estoy hablando de los que se apearon de sus pretensiones progresivas a finales de la década de los 90, no les haga ninguna gracia la evolución que han experiemntado a lo largo de estos últimos 15 años de carrera, pero os puedo garantizar que en este In Times es en el disco que más motivos vais a encontrar para alegraros.

 

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No es que hayan vuelto a los orígenes, ni mucho menos, pero lo que es bien cierto es que Enslaved han querido simplificar su fórmula al máximo, dentro de sus propios límites, y por ello las partes más primigenias del black han vuelto a resurgir con más fuerza que nunca en este In Times. Un disco que sigue llevando al progresivo como bandera pero que funciona a la perfección como eslabón perdido entre su primera época más encorsetada en el estilo y su segunda época mucho más experimental y abierta de miras.

UFOMAMMUT (2015) Ecate

 

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El trío de doom psicodélico-espacial por excelencia más prolífico y más sólido de la historia italiana, 9 discos en 15 años es una buena media, vuelve a la carga con un abrumador nuevo trabajo en el que, como siempre, la oscura grandicoluencia y la descomunal majestuosidad son los pilares básicos de los ritualísticos desarrollos de la banda de Tortona plasmados a sangre y fuego en las 6 canciones que componen este acojonante Ecate, la novena obra maestra del combo compuesto por Urlo al bajo y a las voces, Poia a la guitarra y Vita a la batería.

 

Superándose soprendentemente con cada nueva entrega, cada uno tendrá su favorito pero es indudable que la trayectoria del trío en estudio es claramente ascendente, Ecate rezuma crudeza, brutalidad y oscurantismo por los cuatro costados. Urlo desata su voz en varios registros, todos ellos siniestros, y la base rítmica crea patrones impresionantes que se entremezclan con los hipnóticos pasajes de teclados elevándote a un plano cósmico más allá de lo imaginable. Una preciosa brutalidad que solamente ellos saben elaborar con tanta credibilidad y solidez.

 

La guitarra de Poia está afinada como si de un traladro percutor se tratara, con esa contundencia y esa sonoridad tan característica que casa a la perfección con los tonos más rocosos y caversos de Urlo dándole ese empaque global y estético que mantiene el disco de principio a fin. Una descomunal maravilla que esperamos poder disfrutar en directo en cuanto los promotores empiecen a hacer circular al trío por Europa. Recordemos que su anterior paso por tierras españolas fue uno de los eventos underground más sonados de su año. Directo al Top 13 del año.

MANOS DE TOPO (2014) Caminitos del Deseo

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Y seguimos anclados en el pasado 2014, esta vez por una razón de peso, el reconocimiento de una de las bandas de pop más auténticas, originales y patéticamente encantadoras de la universo pop nacional conocido, con el último disco autoeditado de la banda encabezada por el tan vilipendiado Miguel Angel Blanca. Hablamos de Manos de Topo y de su cuarto disco de estudio titulado Caminitos del Deseo el cual vuelve a estar producido, como en su anterior Escapar con el Anticiclón, por el gran Ramón Rodriguez en una maratonianas sesiones en las que el alcohol y el calor hicieron estragos entre sus asistentes.

 

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Creo que hoy era el día indicado para revindicar este disco coincidiendo que hace un par de días que las redes sociales se hicieran eco de una foto, y un texto que la acompañaba, publicada por el grupo en el que Miguel Angel salía sangrando por una paliza que le habían propinado entre varios individuos al salir a la calle a preguntar que les parecían Manos de Topo y concretamente la manera de cantar de Miguel Angel. Una estudiada estrategia de promo que ha resultado en un vídeo viral que muestra a varias personas vejando psicológica y físicamente al nombrado cantante hasta hacerle sangrar y gritar de dolor. (Lo de Xavi Pons en el vídeo es de órdago!!!)

 

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Siendo absolutamente conscientes de la polémica y la animadversión que despiertan Miguel Angel Blanca y su melodramática manera de cantar entre el público, hacer este tipo de promo les honra sobremanera y los coloca en una posición privilegiada en la que consiguen reirse de ellos mismos sin contemplaciones ni complejos de una manera tan macarra y graciosa que solamente puedes caer rendido a sus pies sin remedio, te gusten o no como banda hay que quitarse el sombrero por toda la utogestión y concepto DIY que llevan promoviendo desde sus inicios. Aunque hay que admitir que el vídeo contiene uno de los desenlaces más soprendentes que puedas esperar en el que varios compañeros de profesión rinden su extraño homenaje a una banda que, cuanto menos, ha conseguido firmar una de las discografías más histriónica y a la vez impresionantes de los últimos años forjándose una personalidad única e incomparable.

HANS ZIMMER (2014) Interstellar (Deluxe Edition)

 

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Creo que ya he dejado clara muchas veces mi pasión por las bandas sonoras tanto añejas como actuales, exponiendo mi adicción por gente como Alexandre Desplat o Ramin Jwadi, hoy toca hablar de un maestro de maestros como Hans Zimmer, sin lugar a dudas uno de los compositores clásicos más perfeccionistas y detallistas de la actualidad quien ha sido el elegido para ambientar la epopeya estelar de Christopher Nolan titulada Interstellar.

 

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He de admitir que la película de Nolan no me llegó lo más mínimo, no conecté con su lado emocional ni tampoco con su lado arty, eso hizo que mi atención por su banda sonora aumentara considerablemente durante sus dos horas y media de metraje consiguiendo que saliera algo más convencido de ella simplemente por tener una de las partituras más impresionantes y visonarias del género en los últimos años.

 

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Poco más se puede decir ya del maestro Zimmer que no se haya dicho ya, uno de los más habilidosos a la hora de saber mutar de piel con los estilos y los conceptos con los que tiene que trabajar en cada película ajustando a la perfección esa impresindible conexión mágica entre imágenes y música que tan bien sabe ejecutar, pero os puedo garantizar que estamos ante una de las mejores y mayores obras de Zimmer por la que, a mi parecer, debería haber ganado el Oscar a mejor banda sonora ex-aequo con la de Desplat. A disfrutar de lo único bueno y magistral que tiene Interstellar, su odisea musical facturada por el maestro Zimmer.

BERRI TXARRAK (2014) Denbora Da Poligrafo Bakarra

 

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Volvemos a regresar por un moemnto al grandioso 2014 para recuperar un disco que, aunque tarde, ha de ser comentado con los elogios y alabanzas merecidos, tanto por el riesgo corrido, un disco triple no es algo fácil de vender hoy en día, como por la curiosa combinación de estilos, y por ende porductores, de los que disfruta el disco. No todos los días se celebra un 20 aniversario en esto de la música, un logro más que suficiente para una banda nacional tal y como está el patio, y Berri Txarrak han tirado la casa por la ventana arriesgando el todo por el todo marcándose el disco más ambicioso de su holgada carrera. 

 

Denbora Da Poligrafo Bakarra es el octavo disco de estudio de la banda de Lekunberri en el que, no tan sólo nos demuestran todo lo aprendido en sus 20 años de carrera repartido en tres Ep's en forma de disco triple, sino que son capaces de seguir sorprendiendo y probando nuevas fórmulas para no caer en la cansina repetición, algo que les honra, pero que también hace que muchos de sus seguidores de siempre se hayan apeado conscientemente de sus últimas propuestas por falta de garra y ese claro desplazamiento hacia el rock más genérico. Algo de lo que Haria sufría enormemente era de una clarísima falta de fuerza hasta el momento ignota en la carrera del trío. 

 

El primer Ep del disco Sutxakurrak vuelve a estar producido por Ross Robinson, el famoso gurú del metal que ha trabajado con gente como Korn o Slipknot, que también produjo su anterior Haria y el cual sigue la misma línea que aquel, aunque sobradamente más acertados en las composiciones ofreciendo mucha más potencia y garra. De acuerdo, un movimiento no demasiado arriesgado ya que les funcionó a las mil maravillas en el anterior, por mucho a mi no me convencieran lo más mínimo.

 

Helduleku Guztiak es el segundo Ep y aquí creo que es en el que han tomado el mayor de los riesgos. Producido por el grandioso artesano del pop nacional Ricky Faulkner (Egon Soda, StandStill, Love Of Lesbian), este segundo Ep está dotado de la magia pop de la hace siempre gala Faulkner, fundido con la aspereza y la gracilidad estilística de los Berri convirtiéndose en la sorpresa mayúscula de esta grandiosa obra compuesta de 20 canciones expandidas en 71 minutos de monumental despliegue de arte musical.

 

El tercero viene firmado por obra y gracia del maestro del punk Bill Stevenson (Black Flag, Descendents, NOFX) volcando absolutamente y sin contemplaciones, en ambos sentidos ya que la banda hace lo propio, toda su psicología punk en el sonido y en la mezcla consiguiendo la grabación más visceral y breve de la banda en su historia. De las canciones que componen dicho Ep, tan sólo hay una de ellas que pase de los 2 minutos, muestra más que evidente de lo que digo. Finalmente, un discazo como la copa de un pino, y no me enrrollo más que me podría titar un rato más hablando del disco.

IRON REAGAN (2015) Sopiled Identity EP

 

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Grabado antes de su último disco The Tyranny Of Will del pasado 2014 y partiendo de la serie de flexis de colores que adjunta la revista Decibel con cada uno de sus números, el Spoiled Identity EP tiene la peculiaridad de contener nada menos que 13 canciones, a primera vista un número muy elevado si estamos hablando de un formato medianamente breve, pero si nos fijamos un poco más, vemos que la ejecución de esos 13 temas no les lleva ni tan siquiera 5 minutos a este capaz quinteto de Richmond, Virginia. Por tanto el llamarlo Ep está más que justificado.

 

Probablmente su función principal fuera la de presentar el disco que posteriormente editaron, el diseño de portada está claramente relacionado con el del álbum largo, pero no ha sido hasta ahora que han decidido editarlo en vinilo, 12" con la primera cara grabada y la segunda con un dibujo en ella, para uso y disfrute de los fans que demandaban una edición de la grabación en condiciones. Y menudas condiciones, lujo total el que se han marcado para la edición del EP.

 

Lo dicho, para el que no se pudo hacer con el flexi en cuestión o no le valga con la descarga gratuita que han habilitado en su bandcamp para todo hijo de vecino, os recomiendo que os rasquéis un poco el bolsillo y os hagáis con la copia física de esta rareza extrema de Ep en vuestra tienda de discos más cercana, la Tu Pa Store de Barcelona (Riera Baixa 4) lo tiene o lo tendrá en breve según me ha comentado Javi Tu Pa. Una edición muy currada y con muchas peculiaridades para los coleccionistas, hazte ya con ella, la edición es limitadísima a 175 copias únicamente.