UNLEASHED (2015) Dawn Of The Nine

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Y si ayer nos tocaba hablar de lo muy en forma que está el death metal de California, aunque en ese caso concreto fuera a costa de fusilar a Death a diestro y siniestro, hoy nos toca hacer lo propio con la otra gran potencia death metalera. Hablamos del death metal sueco y de los incombustibles Unleashed, que han facturado, con este Dawn Of The Nine, su doceavo disco de estudio en una trayectoria que se remonta a finales de los 80 siendo una de los buques insignias institucionales, desde los inicios del movimiento, del todavía muy activo Swedish Death Metal.

 

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La historia de los regulares Unleashed nos ha ido dejando por el camino de todo, sus primeros albums se han convertido en clásicos imperecederos del estilo, eso es innegable, pero también es bien cierto que después de su tercer álbum, Across The Open Sea (1993), la cosa empezó a deambular por otros lares, ni tan brutales ni tan interesantes como al principio e incluso llegaron a trampear un poco con ese sonido llemado death n' roll que desplegaron conscientemente los Entombed en su DCLXVI: To Ride Shoot Straight and Speak The Truth de 1997, hay que decir que sin el acierto de estos, llegando al punto de desinteresarme por la banda en gran medida.

 

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Pero como se suele decir... el que tuvo, retuvo, y Johnny Hedlun y los suyos retornaron a su mejor encarnación y forma en 2012 con un álbum titulado Odalheim que revivía las glorias pasadas de la banda de Estocolmo añadiéndole la justa y necesaria medida de actualización a su sonido con un trabajo que se podía colocar sin problemas entre sus mejores y más brutales obras hasta la fecha. Bajo mi punto de vista, la digna continuación del Across The Open Sea. 

  

 

Dawn Of The Nine llega después de uno de los mejores discos de la banda y he de admitir que, sin necesidad de repetir exactamente la misma fórmula que utilizaron en aquel, sabe coger el testigo del Odalheim y superar el listón desde un punto de vista más técnico, elaborado y contundente. Rebajando tanto la velocidad como la brutalidad, Dawn Of The Nine está dotado de otras cualidades tan válidas como aquellas, solidez, refinamiento, sofisticación, pulcritud, dándole mayor fescura a su sonido y consiguiendo ir un paso más allá en la buena dirección. Sin duda, uno de los mejores discos de death metal del año.

GRUESOME (2015) Savage Life

 

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Sabiendo que estamos ante uno de los momentos más potentes del revival del death metal, tanto en su vertiente americana como en la sueca, Gruesome han decidido apostar sin miramientos y sin complejos, por el revival / homenaje a una de las bandas más siginificativas, referenciales y precursoras del movimiento, hablamos de los Death de Chuck Schuldiner. No es que hagan versiones de aquellos ni nada por el estilo, pero si hay banda a la que nos recuerde inequívocamente este Savage Life de la banda de California, es a Death y a sus primeros discos.

 

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Por supuesto que hay retazos de Pestilence, Obituary o Autopsy, es indudable saliendo de la escena que salen y siendo quienes son sus componentes, pero es de justicia realzar la influencia de Death sobre todo lo demás. Con una producción totalmente pulida y suficientemente crujiente, Matt Harvey (Exhumed), Gus Rios (Malevavolent Creation), Robin Mazen (Derkéta) y Daniel Gonzalez (Possessed) han conseguido facturar uno de los discos de death metal más sólidos y disfrutables del año.

 

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Clásico en ejecución y estilo Savage Life es un disco que no va a cambiarte la vida, ni mucho menos, pero seguro que aportará ese lado salvaje y pimigenio al death metal de toda la vida con una producción actual y unos protagonistas suficientemente solventes en la escena como para causar la repercusión merecida.

MILLENCOLIN (2015) True Brew

 

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Empezamos la semana con positividad, fuerza y energía. Una energía proveniente de Suecia y que viene de la mano de uno de las bandas de punk-rock más sólidas y referenciales de la década de los 90. Con siete discos a sus espaladas y más de dos décadas de historia, los incombustibles Millencolin han esperado la friolera de siete años para entregarnos su octavo trabajo de estudio, el graciosamente titulado True Brew.

 

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Uno de esos discos que aunque salga de una banda consolidada y nos lo traiga un sello tan importante dentro de la escena punk-rock como lo es Epitaph Records, puede presumir sobradamene de estar realizado al más puro estilo DIY. Producido por el vocalista de la banda Nikola Sarcevic,  registrado por la propia banda en sus estudios y con un art-work diseñado enteramente por el guitarrista Erik Ohlsson, tan sólo le ha metido mano al disco Jens Brogen para realizar la mezcla final en sus Fascination Steet Studios, dándole exactamente el carácter y el empaque que ellos le han querido dar.

 

Recordándonos quienes son pero sin olvidar quienes han sido, Millencolin nos proponen un disco al más puro estilo marca de la casa en el que compiten los hitzos punk de su primera época con los más rockeros y accesibles de sus útlimos discos, consiguiendo un equilibrio brutal entre las dos vertientes y rindiendo un claro homenaje a sus adorados Bad Religion, banda catalizador de todo lo que vino después. No soprenden, pero tampoco les hace falta con la insuperable bartería de hits incontestables que nos presentan en este True Brew. Ahora a esperar que caigan de nuevo por aquí como nos tienen acostumbrados.

NUEVA VULCANO (2015) Novelería

 

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Hoy he conocido una de las noticias musicales que más feliz me han hecho en los últimos años, el regreso a los escenarios de mis amados The Unfinished Sympathy, aunque sea tan sólo por una noche, con motivo del 25 aniversario del sello underground por excelencia de la Ciudad Condal, capitaneado por el incombustible Jordi LLansamà, Bcore Disc. El sello nacional que más ha marcado mi personalidad musical y con el que he ido creciendo y desarrollando mi obsesiva pasión musical a la par de su expansión como sello discográfico, ha puesto en conocimiento de todos las fechas y las bandas que durante las noches del 24, 25, 26 y 27 de Junio se repartirán el pastel de cumpleaños en 4 conciertos absolutamente épicos. 

 

Yo ya he comprado mi entrada para la noche del Viernes en el Apolo con un cartel que incluirá a The New Raemon tocando el Garfunkel al completo, Joan Colomo que hará doblete con The Unfinished Sympathy, y a los recién regresados a los escenarios Nueva Vulcano, de los que vamos a hablar más extensamente. Después de protagonizar un dudoso hiato de 6 años, el trío catalán formado por Artur, Wences y Albert ha decidido retomar su carrera profresional y volver a sentir las pulsiones del rock sin etiquetas que los vio nacer con aquel lejano Principal Primera, su debut para Bcore fechado hace más de una década.

 

(Fotón con el boss)

Bajo mi punto de vista, Nueva Vulcano llegaron demasiado tarde para la escena post-hardcore, para mi siempre han sido nuestros particulares Fugazi nacionales, y demasiado pronto para la apertura de miras que ha experiementado Bcore en la última década. Me explico, Nueva Vulcano siempre han jugado injustamente en la segunda liga de Bcore, no por culpa del sello, que quede bien claro, pero creo que es algo que hasta ellos mismos han percibido siempre y posiblemente sea una de las razones de ese extenso hiato. Nunca por falta de calidad o porque su propuesta no fuera suficientemente sólida, todo lo contrario, la manera que han tenido siempre de enfocar su música, desde un punto de vista único e inimitable en el que las representaciones estilísticas, sonoras y los patrones familiares se ven tergiversados y alterados a placer por sutiles cambios de perspectiva, de ejecución y sentimientos, pero creo que es precisamente eso lo que  ha jugado siempre en su contra.

 

Pocas bandas han sabido darle un siginificado tan amplio y coherente a la simple y trillada etiqueta de pop-rock, su diferenciación, su originalidad y su enorme creatividad, hablan por si solas. Esa impresionante capacidad para sorprender no entendida, esa impactante personalidad tan sólida en cada álbum y a la par tan volátil de una entrega a otra, o su hablidad para crear un universo único y original en forma y contenido sin que la mayoría se percatara de ello, son exactamente las mismas razones por las que han vuelto al estudio para crear este magistral Novelería. Para reafirmarse como una de las potencias musicales más impresionantes del under nacional y con más personalidad que la mayoría de copias de la copia que existen actualmente en todos los estratos musicales de la escena nacional. Auténticos jefazos, aunque ni ellos mismos sepan hasta que punto.

FYAHBWOY (2015) BL4KQFY4H

 

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El Fyahbwoy (aka Swan) y su inseprabale Daddy Cobra han vuelto al estudio gracias a los incondicionales supporters, cada vez somos más, y apoyados de nuevo en la autogestión inteligente y competente ya tenemos disponible en todas la plataformas digitales, tanto de pago como gratuitas, el tercer largo del Chico de Fuego que lleva por título Bl4cqfy4h. Producido en su totalidad por Daddy Cobra, figura absolutamente imprescindible en los discos del Swan, en su desarrollo como artista y en el afianzamiento de la escena reggae nacional, lo mejor de este Bl4kqfy4h es la apertura de miras que ha experimentado Daddy Cobra con los riddims del disco.

 

El Swan no ha conseguido superarse, eso es algo que después de 20 escuchas me ha quedado muy claro, pero de la misma manera que hizo Shotta con su Flowesía, un disco claramente inferior a su anterior Profundo, al Swan le ha pasado algo parecido con su último largo. Sabiendo que para subir el nivel debería de tener unos cuantos años más, la experiencia no se puede forzar, ha afianzado su particular estilo y su insuperable posición "on the top of the reggae game", ofreciendo un disco que es puro divertimento, relajación, bailoteo, vacileo, verdad, rabia y pasión a partes iguales. Una pena que no haya podido llegar a las excelsas cotas del Extremly Flammable. Aunque eso tampoco significa que haya bajado el nivel, cuidado, simplemente yo esperaba algo más de él. Pero hay que admitir que ha probado cosas nuevas y ha conseguido sorprenderme de manera contundente en varios temas y eso es digno de reconocimiento.

 

Con muchas menos colaboraciones que de costumbre, un tono algo más oscurantista y relajado, y con unos ritmos que llegan a sorprender muy gratamente en varias ocasiones, ese impresionante ritmo ska sobre el que lo borda Swan en el tercer tema llamado 1979, el rocksteady de Tanto Por Ti o incluso ese swager banger llamado 10:00 AM, funcionan como el perfercto golpe de efecto necesario en el disco para no caer en la repetición. Con la que también nos podemos regocijar en varias ocasiones gracias al dancehall de Pull Up, el roots de Hablando de Weed o el clásico reggae de siempre representado en ese hitazo llamado Dweet Now junto a Chris Martin, -ndr- nada que ver con el cantante de Coldplay, tranquilos.

ACID WITCH (2015) Midnight Movies E.P.

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Después del memorable concierto que dieron los americanos Acid Witch la pasada noche en la Rocksound de Barcelona por obra y gracia de la grandísima gente de Twin Souls, es de sobras merecida la alusión en las Píldoras a este ansiado Ep llamado Midnight Movies, con el cual me hice en dicho concierto alegremente firmado por todos los componentes de Acid Witch, muy amables y simpáticos en todo momento. Puede que esto sea tan sólo un Ep de cuatro canciones para la mayoría, pero para cualquier amante del metal extremo y las películas de terror, este Midnight Movies es exactamente lo que siempre había deseado, la panacea de la oscura conjunción entre el metal y el terror, entre la música y el cine, entre las filias y la fobias.

 

Lo primero a destacar del Ep es el considerable cambio de rumbo que ha adquirido la banda para, creo que exclusivamente, facturar este breve aunque colosal Midnight Movies. Convertidos para la ocasión en una banda de glam-rock enchufada de esteroides hasta las cejas y con una mala hostia de órdago, Acid Witch inunda el Ep de fragmentos de películas de terror, varios de ellos muy reconocibles,  consiguiendo una atmósfera idealmente terrorífica, a la par que divertida, en la que desplegar cuatro composiciones que, desde ya, han hecho historia en la música como el homenaje más impresionante que se le ha hecho jamás a las bandas sonoras de las películas de terror de culto de los 80.

 

El primer tema sale de la película Rocktober Blood dirigida en 1984 por Beverly Sebastian en la que se narran las perversiones masoquistas de una banda de rock durante su sangrienta gira de conciertos. El tema se llama I'm Back y originalmente está interpretado por la banda Sorcery. El segundo tema es un clásico enorme, uno de los hits más cojonudos que se hayan sacado para una banda sonora, hablamos de After Midnight de los Fastway extraído de la película Trick Or Treat (Muerte a 33 rpm) dirigida por Charles Martin Smith en 1986. La tercera proviene de otro de los clásicos de las heavy metal movies, Black Roses digida por John Fasano en 1988 y su redondísimo Soldiers Of The Night. Y el plato fuerte, al menos en mi caso, llega al final con la versión del Partytime de 45 Grave proveniente de la insuperable Return Of The Living Dead, dirigida por el malogrado maestro Dan O'Banon en 1985. Editado en varios formatos, entre los que nos encontramos vinilo negro, de colores y picture disc, cd e incluso cassette, esto un absoluto must-have para cualquier amante del género en sus acepciones más ideales, música y cine. No lo dejéis pasar, os arrepentiréis.

TRIBULATION (2015) The Children Of The Night

 

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Otro de esos discos que se me ha hecho bastante cuesta arriba en las primeras escuchas, ha sido lo nuevo de los suecos Tribulation. Una de esas bandas que, en principio, quiso hacer su más que sólida aportación al revival del swedish death metal con su debut del 2009 llamado The Horror, rompía moldes con todo lo establecido en el estilo para torturarlo a placer en su segunda entrega del 2013 titulada The Formulas Of Death, una de las obras maestras más originales e impresionantes del revival swedish, y que ha querido transgedir todo lo formulado hasta la fecha por la banda con la salida por la tangente que se han marcado con este The Children Of The Night.

 

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El disco WTF? (¿pero que cojones?) de los Tribulation ha llegado y curiosamente de la mano de Century Media, no será casualidad. Lo primero que voy a advertir es que, los que estéis intentando buscar algo de los principios deathmetaleros de la banda, nada vais a encontraros aquí más que la conservación del rasgado y cavernoso registro de Johannes Andersson, se acabó. La banda ha tomado un nuevo rumbo musical, incluso adquirido una nueva personalidad, en la que los fuertes ecos del Sister de In Solitude o las leves influencias del característico estilo de los Ghost, parecen haber marcado considerablemente la nueva dirección de los Tribulation.

 

No seré yo quien los tilde de haber cometido un error, cualquier banda que toma riesgos es admirable solamente por ese hecho, pero creo que su nueva faceta plagada de sonidos vintage, influencias setenteras y aires góticos no ha superado ni por asomo la imponente personalidad y la fuerte capacidad de cambio dentro del estilo que supuso su anterior The Formulas Of Death. El disco se hace un tanto largo y las dos instrumentales que contiene no ayudan demasiado a disipar esa sensación.

 

Empeñados en sonar más accesibles y en demostrar que su habilidad musical no conoce límites, es muy importante resaltar la impresionante fuerza creativa y la indudable calidad como músicos que poseen los Tribulation, The Children Of The Night es la fusión deliverada del espíritu rockero de los años 70 con el estilo swedish death metal melódico de mediados de los 90 resultantdo en un experimento que sin sonar nada mal, choca viniendo de una banda con aún mucho más que decir es su antiguos ropajes. Me quedo con la esperanza de que en el próximo disco vuelvan a cambiar de tercio y me sorprendan, esa vez para mejor, espero.

FAITH NO MORE (2015) Sol Invictus

 

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Después del poco alentador single de presentación que supuso Motherfucker y el poco más que correcto Superhero, nos encontramos ante un Sol Invictus que dice muy poco de si mismo en las primeras escuchas pecando de una equivocada linealidad primeriza que va desapareciendo a marchas forzadas en las sucesivas escuchas. No es un disco de escuchar por canciones y los dos singles que han salido a la luz no han hecho más que despistar al personal. Sol Invictus es un todo que se ha escuchar en su globalidad para ser valorado como se merece. Mi proceso con el disco ha sido el siguiente: -la primera escucha me ha dejado bastante decepcionado, en la segunda ya me ha parecido un disco más correcto, en la tercera me ha empezado a interesar, en la cuarta ya me tenía muy enganchado y en la quinta he caído rendido a sus pies-.

 

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Bajo mi punto de vista, estamos ante una tímida continuación de su última época con el  King For A Day y el Album Of The Year en forma de lógica evolución. Siendo los dos discos de la banda de California que tienen más divididos a sus seguidores desde que salieron al mercado dos décadas atrás, creo que a este Sol Invictus le va a ocurrir algo parecido. Resaltando abolutamente por encima de la media en todos los aspectos técnicos del disco, producción magistral, temas sólidos y contundentes, una ejecución absolutamente impecable y una química que se palpa en el ambiente después de la gloriosa gira de reunión, el gran problema del nuevo disco de Faith No More es el de tener que vivir a la sombra de un legado insuperable, mítico y legendario.

 

Poco voy a resaltar el trabajo vocal de Mike Patton ya que sería imposible catalogarlo mejor o con un nuevo adjetivo de todos los que ya se ha ganado en tantísimas ocasiones a lo largo de su holgada carrera profesional, pero está claro que Faith No More no podría existir de ninguna de las maneras, al menos a día de hoy, sin la majestuosidad vocal de Patton y sus variopintas personalidades al micro. La banda está absolutamente sembrada en todos los sentidos y canciones como Rise Of The Fall, ese toque reggae me ha enamorado hasta las trancas, Matador, una evocadora locura gótico-teatral que te dejará de una pieza, Black Friday, en la que Patton se transforma en un crooner fantasmagórico de lo más gamberro, o incluso Superhero, a la que dándole ese par de escuchas más se convierte en un contundente hit marca de la casa, demuestran que estamos ante una banda que todavía tiene mucho que decir en la escena rock. Sol Invictus es uno de los discos de regreso más sólidos y convincentes de los últimos años y eso es innegable, no gustará a todo el mundo, pero la excelsa calidad y la rebosante creatividad de Faith No More sigue siendo intachable e irrefutable.

L'HEREU ESCAMPA (2013) Llamp de Déu

 

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Tengo varios dicos actuales para comentar, lo último de la Rosenvinge, lo nuevo de Gallows, el regreso de Minsk, todos ellos en la saca y tarde o temprano aparecerán por aquí para bien o para mal, pero dos semanas después de la cita en cuestión, todavía sigo alucinando en colores con el conciertazo que nos regalaron L'Hereu Escampa. Power dúo de emocore al estilo noventero formado por Carles Generó (guitarra y voz) y Guillem Colomer (batería y voz) venido desde Manlleu y capaz de darle un nuevo sentido al significado de las palabras pasión e intensidad.

Mi relación con el rock catalá pasa por poco más que el famoso directo de Sopa de Cabra, inevitable en mis años de colegio, y algún que otro single gracioso de Els Pets que también lo petó en su día. Nunca ha habido nadie en ese llamado rock català que me llamara considerablemente la atención. Pero he de admitir que de un tiempo a esta parte, gente como Éric Fuentes, Ramón Rodríguez, Joan Colomo, Vidres a la Sang, Foscor o los propios L'Hereu Escampa, (omitimos Mishimas, Els Amics de les Arts y sus múltiples derivados), me han hecho adquirir una nueva conciencia de la escena que se preocupa de exponer nuestra riqueza linguística autóctona abriendo una amplia puerta estilística dentro de la escena catalana que pasa por representar desde el indie y el power pop, hasta el death o el black metal. Algo que los grupos vascos llevan décadas haciendo y con mucho acierto. Para muestra un botón: Berri Txarrak.

 

Pero claro, para ello había que salirse del hermético patrón estilístico al que se habían ido sometiendo durante años las bandas catalanas de la escena. Demostrado queda, se puede y se debe. Considero que la música es un lenguaje en si mismo en el cual no hace falta descifrar completamente su significado (lenguaje, letras) para disfrutar de ella sin concesiones, por ello recomiendo encarecidamente la escucha, al máximo de volumen posible, del úlltimo y hasta el momento único largo del L'Hereu Escampa. Con un par de referencias anteriores, el Ep de presentación y un Split con Her Lovely Presence, Llamp de Déu es una maravilla sonora que expone todo lo dulce y lo amargo del estilo, las melodías elevadoras y la vorágine musical, cual montaña rusa en pleno funcionamiento, siendo cualidades indispensables de sus composiciones, pero considero que lo más remarcable es la potencia, química, pasión, ganas y honestidad que saben plasmar ambos en disco, algo que se multiplica hasta la enésima potencia en directo. Puto 10 de disco, puto 10 de banda y puto 10 de directo. Podéis descargar todos sus trabajos desde su bandcamp y el próximo 30 de Abril los podréis encontrar por el Apolo 2 de Barcelona.

EL ALTAR DEL HOLOCAUSTO (2015) - S H E -

 

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Volvemos a la carga con el rock instrumental de una de las bandas más prometedoras y originales, ya no por su sonido o su estilo sino más bien por su planteamiento, del territorio nacional y, me atrevo a decirlo, de la escena internacional. Si ya los presentamos en su día como el perfecto y necesario contrapunto a toda la imaginería ocultista y satánica que está protagonizando la escena rock en los últimos años, su segundo álbum de nombre SHE, no hace más que confirmar con todo el peso y la contundencia del altísimo, a través de su estética, sus canciones, sus sentimientos y sobre todo de los títulos de sus canciones, ese valioso y luminoso carácter redentor y amable del que hacen gala desde sus inicios.

 

Su segundo disco toma el relevo exactamente donde el primero lo dejó, elevando la composición, la calidad  y la ejecución considerablemente con respecto a su debut, y funcionando como una deliciosa continuación y extensión de su estilo en el que, de nuevo, los orgásmicos desarrollos y la extenuante expansión sonora a través del placer de la purificación musical, nos lleva y nos eleva hasta lo más alto para compartir nuestras vidas con la personalidad más pura y casta, el juez y verdugo de la humanidad, el llamado Dios. Una experiencia realmente religiosa en la que no es necesario creer verdaderamente en Dios para sentirse enteramente dentro de ella.

 

El trío más devoto y trascendetal del estado Español vuelva a salir a la carretera y no lo hace de cualquier manera. Aparte de su gira como cabezas de cartel de la que podremos empezar a tomar buena cuenta en breve, ya que comienza a principios del mes que viene y ya hay 17 fechas confirmadas en lo que será la primera parte del SHE TOUR,  también podremos disfrutar de ellos en la inminente gira de los inconmensurables God Is An Astronut, a lo que tengo que añadir que no había una elección mejor y más acertada que los EADH para cubrir esa vacante. Un apunte, su primer disco se llama -HE- y el segundo -SHE-, ¿estarán intentado decirnos algo sobre el sexo de Dios?.

ICTUS (2014) ST

 

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No os emocionéis, no lancéis los cohetes al aire, no cantéis victoria. No estamos ante un nuevo disco de la mejor banda de crust que ha parido el under nacional y parte del extrangero. Ya fuera porque un maldito accidente se interpuso en su carrera o porque realmente la banda de Lugo compuesta por Nacho, Mejuto, Silvia, Hugo e Iván pensara que habían llegado a tocar techo con su primer y único largo llamado Imperivm, una descomunal obra maestra en formato de ópera hardcore compuesta por un único tema de 39 minutos, el combo de crust más prometedor y con más potencial que ha parido el underground español en los últimos 15 años cesó su actividad en 2007 dando el triste carpetazo a una de las carreras musicales con mayor proyección fuera y dentro de nuestras fronteras.

 

Completamente fieles a su filosofia ecologista, anticapitalista y antimperialista desde sus inicios, la carrera de Ictus se caracterizó siempre por la firme convicción de los principios y las creencias de la banda traducidos en unas letras que hablan de la desolación humana, la falta de escrúpulos y la pobreza ética a la que ha llegado la humanidad después de miles de años de evolución. No les vamos a quitar la razón, la involución como personas que sufren algunos y la dolcilidad de mente junto al conformismo generalizado nos ha llevado a una situación social insostenible y a día de hoy las letras de Ictus siguen teniendo la misma vigencia, sino más, que hace 10 años.

 

Por eso mismo, porque se han cumplido 10 años desde que se pusieron en funcionamiento, porque se ha reeditado la discografía de la banda prácticamente al completo en vinilo doble splatter de 180gr, con una edición de escándalo en carpeta gatefold a todo lujo y porque Ictus son una banda que jamás debería caer en el olvido, hoy nos vanagloriamos de haber tenido una voz tan fuerte, potente, acertada, contestataria, concienciadora y humanitaria dentro de un país al cual le queda mucho que aprender de lo que se esconde tras el erróneo y vacío concepto que se tiene de la palabra humanidad y lo que ello conlleva.

AGNOSTIC FRONT (2015) The American Dream Died

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Hace tan sólo unos días comencé el libro NYHC 1980-1990. La década que marcó a fuego el punk y el hardcore de la ciudad de la Gran Manzana, una década en la que surgieron de la ciudad de Nueva York infinidad de grupos que traspasaban la velocidad y la contundencia del punk para adentrarse en terrenos más oscuros, más crudos, más violentos. Una escena liderada, entre otros, por gente como Agnostic Front, una de las familas del hardcore más visibles y originadoras de la escena de la Nueva York.

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Roger Miret y Vinnie Stigma son auténticas leyendas vivas de la escena y juntos forman uno de los dúos más activos y regulares de la escena. Con sus adorados Agnostic Front llevan ya la friolera de 30 años sobre los escenarios de medio mundo presentando algunos de los discos más leales y representativos de la escena, su Victim In Pain del 84 es un clásico indiscutible y testigo imprescindible de una era y un momento concreto.

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Su última época, en la que incluiríamos sus tres últimos discos, el Warriors del 2007, el My Life My Way del 2011 y este The American Dream Is Dead, es quizás la más fuera de lugar de todas. Han seguido siempre fieles a su estilo y a la escena, lo propio han hecho gente como Madball, y, por consiguiente, su estilo suena algo fechado y sobado. Aunque no por ello estamos ante discos malos, sin duda alguna su última época es la que goza de mejor producción y apertura de miras.

HELMS ALEE (2014) Sleepwalking Sailors

 

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Después de la batalla emocional y física que suposo el concierto del pasado Sábado en el Kasal Jove de Roquetes con Wann + L'Hereu Escampa + Viva Belgrado, de ella me llevé un dolor de cuello considerable, media voz y una fisura intercostal de la misma manera que me llevé cantidades ingentes de amor, sudor y pasión, ya me estoy frotando las manos, y preparándome para la próxima, con el pedazo de Abril de conciertos que tenemos encima. Para que lo tengáis en cuenta, Javiera Mena el 15 en la Music Hall, Emiliana Torrini en el Auditori el 17, Sick Of It All el 19, Acid Witch y Godflesh el mismo día 20 en el Rocksound y en el Apolo respectivamente, Mortals + Goatwhore + Skeletonwitch el 22 en la Razz 3, el 23 Luna en la Bikini y el 24 Sleep en la Bikini. Son fechas en Barcelona, claro.

 

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Pero donde seguro que me vais a encontrar, a parte de en el de Mortals que a esas niñas no me las pierdo por nada del mundo y seguramente en el aquelarre que organizarán la gente de Twin Souls con Acid Witch y Bonehunter en el Rocksound, es en el inminente concierto que darán en la Bikini el próximo día 14 de este mes los imponentes Russian Circles. Dándose el caso que he visto a los Russian 3 veces, he de admitir que mi mejor baza para esa noche será la de desvirgarme con los inclasificables Helms Alee, banda de Seattle que les hará de teloneros.

 

Pocos días antes de la actuación en Barcelona, el power trío formado por Dana a las voces y al bajo, Ben a la guitarra y a las voces y Hozoji a la batería y también a las vocales, la combinación de voces, como habrás deducido, es impresionante y uno de los puntos fuertes del combo aportando mucho dinamismo a las composiciones y diferentes carácteres interpretativos, estarán batiéndose el cobre en ese Festival de festivales llamado Roadburn Festival celebrado en la ciudad holandesa de Tilburg, para el que conozca el festival sabrá de la capacidad y la calidad que hay que tener para que cuenten contigo para ese sarao.

 

Su estilizada propuesta pasa por el rock sin etiquetas de carácter atemporal, otra de esas bandas difícil de encasillar gracias a su personal manera de entender y plantear su incomparable universo musical. Pero mentiría si no dijera que retazos del sonido grunge de Seattle o del sludge de Georgia flotan en ese mar de estilos e influencias que sortean los Helms Alee con bravura en sus tres discos hasta la fecha. No se parecen a nada ni a nadie que hayas escuchado hasta la fecha, aunque tampoco es que estén descubriendo terreno virgen, y es una banda mayoritariamente de chicas, algo poco corriente en el mundo del rock incluso hoy en día, solamente por eso ya merecen una escucha. Yo tengo unas ganas locas de ver como se lo monta el trío en directo.

POISON IDEA (2015) Confuse & Conquer

 

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Las leyendas del hardcore punk vuelven a la carga y si gente más reciente como Lagwagon o Strung Out han revisado su sonido y su propuesta para conseguir encajar en una escena que requiere de una calidad superior y una composición más elaborada, originadores del movimiento como Poison Idea reclaman su puesto a golpe de vinilo con un nuevo bombazo de punk enrabietado grabado por el gran Joel Grind y sellado por la escudería Southern Lord.

 

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Demostrando sobradamente lo en forma que estaban con una gira que los ha llevado por muchos escenarios del mundo, Jerry y compañía han conseguido firmar un disco muy equilibrado con su leyenda y dotado de un sonido y una producción acorde a los tiempos que corren. Sinceramente es lo que más me ha sorprendido, la honestidad con la que suenan a la vez de lo bien que se han adaptado a su nuevo sonido. 

 

No me estoy refiriendo a que estemos ante unos nuevos Poison Idea, pero es evidente que sus composiciones han mejorado de la misma manera que lo ha hecho su sonido y ese es exactamente el camino a seguir.

TURBOWOLF (2015) Two Hands

 

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Turbowolf llegaron hace 4 años proclamándose una de las bandas más prometedoras e inspiracionales del reciente revival del rock setentero inglés. Pero han tenido que pasar 4 años para que el cuarteto capitaneado por Chris Georgiadis se haya repuesto de su sondado debut y, una vez algo olvidado y olvidados, todo hay que decirlo, resurgir con un nuevo discazo plagado de hitazos indiscutibles dispuestos a  hacerte crujir las caderas y mover la melena como nadie. 

 

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Hard rock con un punto de frescura, habilidad para la melodías pop y una sobresaliente utilización de los teclados hacen de este Two Hands el disco perfecto para escuchar conduciendo o con unos colegas tomando algo, vale para todo. Un disco con el que no pararás de mover tus pies al compas del ritmo que marca el cuarteto y con el que volverás a disfrutar del rock sin etiquetas, sin prefijos ni sufijos, rock en su máxima expresión cdesprovisto de complejos y con una personalidad a prueba de bombas.

GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR (2015) Asunder, Sweet and Other Distress

 

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Llevo dándole vueltas a lo último del colectivo canadiense GY!BE desde hace varios días y todavía sigo sin sacar una conclusión en claro sobre si es un discazo incomensurable o simplemente una obra tan abstracta e inclasificable que ni tan siquiera alguien como yo, ducho en la materia y amante incondicional de los Godspeed, va a ser capaz de descifrarlo del todo en tan sólo unos días. Suele ocurrir con los discos de este sumamente envolvente combo de rock instrumental, tan atmosférico como experimental, pero he de admitir que de un tiempo a esta parte han complicado su propuesta enormente desafiando y probando al oyente cada vez más con cada nueva obra que alcanzan en el estudio.

 

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Una de las caratcerístas más notables de este Asunder, Sweet And Other Distress es, sin duda alguna, la imporesionante dronización del combo hasta niveles descomunales. Algo que ya habían anunciado en su anterior largo, Allelujah! Don't Bend! Ascend! del 2012, en el que el drone se hacía protagonista en algunos de los pasajes del disco y tomaba aún mayor protagonismo en directo, para su nuevo álbum, dividido en 4 cortes llegando a los 40 minutos de duración, tiene al menos 2 de ellos basados en gran parte en esta apreciación estilística llamada drone.

 

Para mi es un craso error, muestra inequívoca de ello es que el primero y el último tema, los dos más en la línea de su conocido y personal estilo, son indudablemente los mejores del disco, o por lo menos los más disfrutables con diferencia. No estoy nada de acuerdo con la evolución estilística a lo minimalista que está sufriendo el combo, pero de nuevo, vuelven a demostra que en lo suyo, o por lo menos por lo que llegaron a ser conocidos, no hay quien les pueda superar, lástima que el disco se quede al 50% por culpa de esas autocomplacientes secciones de drone restándole puntos en el conteo final.