ENTRADA SEMANA VACACIONAL (7 DÍAS - 6 DISCOS)

Hoy vengo con una entrada monumental de 6 discos para cubrir mi semana de vacaciones en la que voy a estar muy desconectado del blog, y para que no se diga que aquí cerramos por vacaciones ahí va una buena ristra de discazos a los que les voy a seguir pegando sus buenos repasos durante estas merecidas y ansiadas vacaciones.

másTANKARD (2007) - Best Case Scenario: 25 Years In Beers

Los Tankard son uno de esos titanes del thrash metal alemán a los que todavía tenía pendiente de escuchar y que a raíz del anuncio sobre su reciente gira que pasará por España en breve, y que al señor Mongoton le vuelven loco, he decido hincarles bien el diente con este absolutamente impecable recopilatorio que sacaron en el 2007 para la celebración de sus 25 años de carrera. Su evidente amor por el sagrado brebaje amarillo les ha hecho componer a lo largo de los años algunas de las odas más rápidas y violentas sobre la cerveza y sus efectos secundarios. Con una técnica impecable, una velocidad extrema y unos ritmazos rompecuellos que asustan el disco se soporta sobre 15 pilares inamovibles.

CHULITO CAMACHO (2011) - Antistablishment

Y como bien manda la tradición veraniega aquí tenéis el que podríamos llamar mi "disco del verano". Desde Madrid y con unas ganas locas de volver a poner un disco largo oficial en el triste panorama dancehall español uno de los indiscutibles amos y precusores del estilo vuelve al estudio para facturar su disco más completo y compacto hasta la fecha. Chulito Camacho y su inseparable Tritón conseguen petar de nuevo tus altavoces a base de reggae, ragga y mucho pero que mucho dancehall para que no pares de bailar a la vez que te conciencias de la problemática social de las calles y te fumas un lirio a la salud de la legalización. Imprescindible!!!.

RIVAL SONS (2011) - Pressure & Time

Otro de mis discos favoritos de la temporada veraniega es sin duda alguna el segundo asalto sónico de este cuarteto de angelinos devotos supremos del hard rock más puro y clásico de la década de los 70. No voy a hacer comparaciones obvias pero lo que si voy a decir es que hacía mucho tiempo que no escuchaba un disco inspirado en la época dorada del rock plasmado con tanta frescura y naturalidad como lo hacen estos insuperables Rival Sons. Algo así como un cruce entre Mando Diao y Led Zeppelin por las venas de estos tíos corren ríos de blues metalizado.

GENERATIONALS (2011) - Trust

Seguimos concentrados en conceptos relajantes como sol y playa y aquí tenemos a los Generationals con su Ep Trust que llevo escuchando desde hace varias semanas y que creo que sería el perfecto acompañante para esos momentos vacacionales dejándote envolver por sus celestiales sonidos y cálidos ritmos que casan a la perfección con ese momento de relajación que todos buscamos durante las ansiadas vacaciones. Ya sé que 4 canciones y 16 minutos en total no dan para mucho pero las 4 perlas que componen éste precioso Ep de sobras merecen el comentario.

DANI LLAMAS (2011) - Minor Epic

Siendo los GAS Drummers una de las bandas más interesantes de los últimos años en el panorama nacional el debut en solitario de Dani LLamas de hace unos años poco a nada me dijo en su día ya sea por falta de personalidad, aquel disco sonaba demasiado a más de lo mismo, o por poca afinidad por el estilo escogido para su puesta de largo no pude ir más allá de las curiosas primeras escuchas. Pero nos encontramos en el 2011 y tengo que admitir que el señor LLamas ha conseguido callarme la boca y facturar uno de los mejores discos nacionales en lo que llevamos de año. Ésta vez con una personalidad clara y concisa las canciones de Dani son afilados alfileres emocionales que se clavan en tu corazón haciéndolo sangrar de melancolía. Le honra además que haya puesto su disco en descarga gratuita. Impresionante!!!.

TOXIC HOLOCAUST (2011) - Conjure And Command

Y cerramos el ciclo igual que lo empezamos, por lo menos en cuanto a estilos se refiere, de la mano de lo último de Joel Grind y los suyos. El último ataque thasher de los Toxic Holocaust viene marcado por dos cambios fundamentales, el primero es el evidente cambio de logo, el anterior me encantaba y este también osea que por mi perfecto, y el segundo, y ya más en el terreno musical, es la notoria disminución de su punk cogiendo mucho más protagonismo el thrash más siniestro y los ritmos rompecuellos pariendo uno de los mejores discos, sino el mejor, de thrash del año. Hay solamente dos bandas de la nueva hornada del thrash que me pongan los pelos de punta con sus temazos y la otra son Municipal Waste.

Nos vemos en una semana, espero haber complacido todos los exquisitos paladares que se dan cita en este humilde rincón, de nuevo muchas gracias a todos por seguir ahí, sin vosotros todo esto sería inutil. Felices vacaciones a tod@s.

CHET BAKER (1954) My Funny Valentine

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Puede que más de uno tuerza la cabeza al ver un disco con más de 50 años de antiguedad por estos lares tan acutales pero aún a sabiendas de que soy un neófito total en el basto mundo del jazz clásico, excepto en un par de excepciones contadas, he de confesar que la atractiva personalidad de buscavidas que siempre profesó Chet Baker (click en el link para ir al documental sobre su vida) desde sus sonados inicios junto al famoso cuarteto con el que se dió a conocer hasta su fatídico final a mediados de los ochenta en un hotel de Amsterdam muy afectado ya por su odiosa adicción al caballo.

Uno de los discos de jazz más meláncolicos y a la vez bonitos que se han hecho en toda la historia es sin duda alguna este inmortal My Funny Valentine dónde Chet le canta a su preciosa esposa Helima unas canciones que se han mantenido imborrables hasta nuestros días convirtiéndose con el paso del tiempo, dentro del eterno legado musical que nos dejó este carismático y controvertido genio musical, en la colección de canciones más preciada y reconocible grabada bajo su nombre.

Alternando las composiciones vocales con las instrumentales es inneglable admitir que Chet tenía un don especial tanto con la trompreta como con su seductor y casi susurrante timbre de voz que rompía con ese tópico de cantante ultra melodioso de tonalidades variables con su registro mucho más lineal e hipnótico capaz de cautivar a millones de mujeres en la época. Una joya incalculable de la historia musical.

Dedicado a Rob Baker!!!

THE PIERCES (2011) You And I

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Guapísimas las dos y encima hermanas no podía dejar pasar la oportunidad de escuchar a estas dos bellezas tarareándome hermosas tonadillas de amor y desamor al oído dispuestas a derretir hasta la última fibra de mi sensible cuerpo, tengo que admitir que ha sido ponérmelas y aflorar todas mis debilidades. Hace ya un par de semanas que lo pillé y todavía sigo acudiendo a él con una soprendente asiduidad signo inequívoco de que estas dos hermanitas han pasado a formar parte de mi inagotable lista de amores platónicos que he acumulado a lo largo de mi consciente vida musical, en la que tenemos a bellezas de la talla de Dido, Suzane Vega o Beth Orton entre tantas otras más.

Poniendo de nuevo sobre la mesa todas sus armas de mujer envueltas en un luminiso juego que aprovecha la sensualidad del folk meloso y la adictiva infección del pop comercial para construir un disco en el que no hay un tema de relleno y en el que desde el primero al último podemos comprobar la capacidad invariable que tienen las dos hermanitas para producir rendondos singleones que se te quedan grabados a fuegos desde la primera escucha conviertiéndose en parte de ADN durante un largo perido de tiempo.

Ahora mismo pagaría lo que fuera por a ver a estos dos angelicales figuras sobre un escenario para comprobar en vivo y en directo si realmente puden defender con la misma calidad en directo estas emotivas canciones inundadas de una luminosidad impresionante y que no estamos solamente ante un dúo de guapas con buenas voces y punto, espero que no sea así ya que me llevaría una grsn desilusión. De todas maneras hasta que llegue ese momento seguiré disfrutando de sus voces y sus delicias sin medida, loquito me tienen.

FAIR TO MIDLAND (2011) Arrows And Anchors (ARREGLADO)

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Otra de las sorpresas más agradables del año llega de la mano de estos tejanos que regresan después de 4 años desde su último y exitoso disco, momento en el que los descubrió Serj Tankian al que le tienen que estar muy agradecidos por la promoción que les hizo en su día, y con el que conquistaron a una pequeña pero más que leal legión de fans que empezábamos a pensar en lo peor cada vez que nos acordábamos de estos enormes Fair To Midland.

Acostumbrados a dejar pasar largos periodos de tiempo entre sus discos de estudio, algo que por otra parte puede resultar normal cuando no se pude vivir de ello, esta cuarta entrega de los de Texas viene soprendentemente sellada por la cada día más grande Season Of Mist quienes. al contrario de su política comercial, han decidido fichar a una banda que se impone con unas melodías tanto vocales como musicales absolutamente deliciosas y accesiblas que se distancian de manera radical de las típicas sonoridades extremas del sello independiente francés.

Jugando siempre con el elemento sorpresa como protagonista de sus composiciones en las que se mezclan sobre una base de rock progresivo el metal, el folk, el country, el hard rock y el pop, evidenciando su fuerte personalidad libre de etiquetas y de aire experiemental, de nuevo vuelven a demontrar que esa idea, en su caso, no está reñida con la accesibilidad y el calado comercial que le imprimen sus adictivas melodías y memorables estribillos. Distanciándose aún más de la alargada sombra del sonido de los Tool su nuevo disco posee una cualidades mucho más personales mostrando a una banda mucho más cómoda y segura dentro de sus propias posibilidades, que son muchas, sin necesidad de evidenciar de una manera tan clara sus influencias como anteriormente y eso es muy de agradecer Mucho habrá tenido que ver también en este saludable cambio la intervención del habilidoso Joe "Evil" Barresi quién se ha encargado de la grabación, la producción, la mezcla y la masterización del disco convirtiéndose prácticamente en el sexto miembro invisible de la banda. Grandioso retorno al ruedo.

CANNABIS CORPSE (2011) Beneath Grow Lights Thou Shalt Rise

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El cómico combo formado por Josh "HallHammer" Hall, Andy "Weedgrinder" Horn, Philip "Landphil" Hall y Nick "Nikropolis" Poulos, dedicado en cuerpo y alma a parodiar las letras de bandas como los evidentes Cannibal Corpse y demás eminencias death metaleras mezclándolo todo con un descarado sentido del humor herbáceo con el que me siento fuertemente identificado, vuelven a la carga con un nuevo largo después del escaso Ep que nos dejaron en el ya lejano 2009 jocosamente titulado The Weeding.

Pero más allá de toda esa fachada de banda de broma que promocia al combo de la manera que más irrisoria posible se esconde una de los combinados más sólidos y brutales de la escena americana artífices de algunos de los mejores discos del estilo de los últimos 5 años. Con una compenetración entre ellos que asusta y capaces de esputar temas tan contundentes y asesinos que harían palidecer a cualquiera de esas bandas de empaque mucho más serio y malote su nuevo asalto sónico es un tratado de death metal en toda regla.

Devotos en la misma medida tanto del old-school más purista como de las vertientes más contemporáneas su calidad va más hayá de toda duda con ésta su mejor obra hasta el momento que los confirma como una de las bandas más en forma del género capaces de reírse de ellos mismos, del estilo y hasta de las intocables glorias y encima hacerlo con una clase y una calidad abrumadora, ésto no es una obra señor@s...

LAMB (2011) 5

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Menuda sopresa me he llevado con el quinto disco de estudio de unos de los mejores dúos electrónicos que ha dado Inglaterra en toda su historia, no es para la menos la verdad, después de estar 8 años sin sacar maetrial nuevo bajo el nombre de Lamb y teniendo en cuenta que la vocalista Lou Rhodes ha emprendido una carrera en solitario que desde entonces le ha llevado a facturar tres discretas aunque imperdibles perlas en bruto con las que continuar disfrutando de su única y privilegiada voz ya contaba con que el proyecto junto a su querido Andy Barlow había pasado a mejor vida para desgracia de sus seguidores.

Pues bien, después de una sonada reundión en el Koko, del que salió un imprescindible directo de la banda demostrando que todavía siguen conservando la magia y la química que desprenden sobre las tablas (Live At Koko), al que acto seguido le ha sucedido este nuevo y delicioso álbum de estuido llamado simplemente 5. Si en el momento en el que dejaron el proyecto apartado era por las ganas de perseguir proyectos en solitario y también en parte por las presiones de la multinacional con la que ficharon que empezaba a exigirles ciertos cambios musicales a los que no estaban dispuestos a claudicar nuestro héroes electrónicos ahora la cosa vuelve a funcionar como al principio, con las mismas ganas y las fuerzas renovadas y eso se nota.

Tomando como referencia sus obras primerizas y recuprando ese típico rasgado arrastrado de drum and bass que tan buenos resultados les dió entonces (Gorecki es y siempre será uno de los mis himnos electrónicos favoritos) para vovler a romper los límites, rebuscar en los sonidos sintetizados, derretirnos sin compasión con el dulce registro de la Rhodes y deleitarnos de nuevo con la maestría a las tablas de un Barlow absolutamente intraable. A morirse de gusto con esto...

FUCKED UP (2011) David Comes To Life

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Resulta curioso como hay semanas en las que tengo que partirme los cuernos buscando por la red esa perla escondida que me haga compartirla con todos vosotros con todo el entusiasmo que este rincón merece y por el contrario hay otras, como la que nos ocupa, en las que prácticamente ya tengo montado todo el planing semanal empezando por la cruda y reveladora historia de David. Los sobradamente conocidos hijos bastardos de Toronto, más aún después de haber protagonizado sendas giras junto a eminencias de la talla de Arcade Fire o Foo Fighters, han vuelto a coger el toro por los cuernos y después de plasmar la complejidad del punk en su anterior esfuerzo largo (y con éste van tres) ahora van y se cascan una ópera rock para dejarnos a todos descolocados y con la boca abierta.

LLevando su actitud punk hasta situaciones por momentos peligrosas, su vocalista es un auténtico animal del directo, soprende encontrarnos a los Fucked Up menos salvajes y jodidos que nunca poniéndo en práctica una idea que ya llevaba tiempo circulando por las privilegiadas mentes de sus autores. La banda, tomando como referencia obras tan emblemáticas para el trancurso del rock como Tommy o Quadrophenia, han conseguido parir uno de los mejores discos del año al que dándole su justa y merecida oportunidad se convierte sin lugar a dudas en la obra magna de este polifacético y avanzado combo.

La historia en cuestión trata del pobre David y su complicado periplo vital después de que sea acusado de la muerte de una chica, divida en 4 actos y compuesta de 18 temas sobre los que va transcurriendo la historia su argumento toma fuerza en las voces de Damian y Sandy (supongo que ella es la voz femenina) transformándose oportunamente en los personajes que recorren tan triste y cruel desgracia. Como ya he dicho muchas veces lo de este año se está convirtiendo en misión imposible con la de discazos que nos están cayendo, pues nada, otro más para la suma.

THE FOUNTAINS OF WAYNE (2011) Sky Full Of Holes

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Nacidos a mediados de los 90 en la ciudad de Nueva York y reconocidos como una de las bandas salvadoras del pop americano más chicloso y adictivo junto a otros de sus coetáneos como Weezer, Jimmy Eat World o mis adorados Sloan tengo que admitir que los Fountains Of Wayne siempre fueron, son y serán, de mis favoritos entre muchos. Es indiscutible que el dúo creativo formado por Chris Collingwood y Adam Schlesinger nos ha regalado algunas de las mejores y más rodondas tonadillas power-poperas de finales de los noventa y principios de la pasada década, discos tan emblemáticos como su primera e intachable trilogía formada por su debut autotitulado, el siguiente Utopia Parkway y el posterior Welcome To The Interstate Managers, conforman uno de los legados más sólidos y recurrentes del power-pop contemporáneo.

En el 2005 y muy inteligentemente para seguir estando en el candelero se las ingeniaron para sacar nada menos que un disco doble en el que, con tan sólo dos canciones nuevas, recopilaban un total de 30 temas que se habían ido quedando fuera de los discos consiguieno un más que contundente discazo en el que muchos de los temas estaban perfectamente a la altura de sus pasadas glorias. Tan sólo dos años después nos entregaban su obra más discreta, que no mala en ningún momento, con ese Traffic And Weather que intentando emular melodías pasadas se quedaba un poco a medio gas.

Pues bien nos encontramos en el 2011, y cuatro años después de su última obra, y da la sensación que prácticamente nada ha cambiado en el universo musical de los Fountains, algún que otro acertado arreglillo extra aquí y allá para darle un aire refrescante a los temas, y cogiendo el testigo de sus primeras obras de nuevo las tonadillas perfectas vuelven a hacer presencia en este Sky Full Of Holes. El problema es que el disco vuelve a ser algo irregular como su predecesor, han conseguido subir el nivel si, pero muy mínima es la diferencia, yo los voy a volver a disfrutar como un descosido pero supongo que la mayoría de sus fans seguiran encontrándose a los mejores Fountains a finales de los 90, y eso algo que me sigue dándo algo de pena.

DOCTOR MIDNIGHT AND THE MERCY CULT (2011) I Declare: Treason

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Cuando la sorpresiva noticia de que el vocalista Hank Von Helvete volvía a dejar a los desviados Turbonegro, en un momento de máximo éxito y después de una más que gloriosa reunión, la cosa no podía pintar peor la verdad. Pero como se suele decir qué no hay mal que por bien no venga hoy tenemos la suerte de poder hablar de la nueva banda de este carismático y camaleónico vocalista y además escogiendo a sus compañeros entre la creme de la creme del metal para conformar estos siniestros Doctor Midnight And The Mercy Cult, a los que a partir de ahora llamaremos DMATMC para abreviar.

Contando entre sus filas con nombres tan ilustres como Tim Skold (Marilyn Manson), Anders Odden (Satyricon, Celtic Frost) o David Husvik (Extol) los recién estrenados DMATMC han dado en el clavo con una embrutecida y sucia fórmula metalizada que poco o nada tiene que ver estilísticamente con ninguna de las bandas en las que han tocado sus componentes pero que coge de cada una de ellas ese algo para meterlo en su siniestra batidora musical e incluirlo dentro del variado brebaje del que se emborrachan estos animales.

Sobre una contundente muralla sonora y un siniestro gamberrismo inherente en sus estridentes descomposiciones su sonido coge la misma medida del punk, del industrial, del shock rock y del metal, además de la teatralidad que le imprime el propio Von Helvete a sus letras, para conformar uno de los debuts más interesantes del año. Mucho hay que agradecer aquí a esas infecciosas y tenebrosas melodías que te entrán de primeras y no te sueltan hasta hartate. No miento cuándo digo que este I Declare: Treason me parece de lo mejor que han facurado sus componentes en los últimos 5 años.

ALKALINE TRIO (2011) Damnesia

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Me da igual, yo también esperaba poder escuchar material nuevo de una de mis bandas punk-pop favoritas, pero repito, me da igual, tengo que admitir que es igual o incluso más gratificante encontrarte con los grandes éxitos de la banda de Chicago pasados por el irresistible filtro del unplugged que volver a tener entre manos otra obra menor de estos entrañables satanistas liderados por el incombustible Matt Skiba junto a sus inseparables Dan Adriano y Derek Grant, aunque para mi hasta sus peores obras me parecen un pozo sin fondo de deliciosas melodías chiclosas de las que es imposible desengancharte por el resto de tus días.

Recuperando un total de 12 temazos, recogidos a lo largo y ancho de su historia que comprende la contundente cifra 15 años y una solvente discografía con 7 discos de estudio en su haber, y tomándose la licencia de hacer una versión de una de las bandas abanderadas del rock acústico el disco contiene además 2 temas nuevos expresamente pensados para el ábum. Un regalazo para los fans que no podemos hacer otra cosa que derretirnos aún más con las canciones que llevamos escuchando 15 años llevadas ahora al formato acústico, dato que les imprime un punto extra de madurez a las composiciones que suenan mucho más cercanas y emotivas que sus originales.

DRACONIAN (2011) A Rose For The Apocalypse

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Bebiendo con pasión y sin compasión del insuperable legado que han ido dejando a los largo de las dos últimas décadas de evolución musical bandas tan emblemáticas dentro del metal como los mísmisimos Paradise Lost, de los que cojen esa inconfundible melancolía con la que tiñen todas sus obras, los primeros Katatonia, en los que se reflejan claramente esas depresivas y a la vez luminosas melodías con las que inundan sus composiciones, o la inconfundible fórmula que originaron los Theater Of Tragedy allá por 1996 con su segundo disco de estudio enfrentando las hoy típicas voces guturales masculinas y melódicas femeninas y que los Draconian han seguido refinando hasta hoy elevándola hasta el Olimpo de los Dioses del Doom, hoy nos deleitamos los oídos con lo último de mis Dommsters melódicos favoritos.


Los Draconian han resurgido desde las heladas tierras suecas con su más trabajada y mejor obra hasta el momento. Después de parir la que parecía su obra magna en el 2008 con ese inconmensurable Turning Season Within, con el que tuve la suerte verlos finalmente en directo, me han dejado de una pieza al empaparme bien de este A Rose For The Apoclypse y darme cuenta que supera lo presentado anteriormente.


No contaba con que el disco me causara tal emoción, de antemano iba predispuesto a escuchar una obra menor que su predecesor y quizás hayan sido las bajas expectativas las que me hayan llevado a emocionarme tanto con él. Las guturales del cerebro de la banda Anders Jacobssen nunca habían sonado tan siniestras y tenebrosas como aquí y los angelicales registros de Lisa Johansson, que tiene mucho más pratgonismo que de costumbre, nunca habían sonado tan dulces y luminosos. Las largas composciones en las que alternan de manera justa, precisa y necesaria el death, el doom y el gothic nunca antes había adquirido tal grado de calidad compositiva, magnitud y accesibilidad como la presentada en los 10 temazos que componen esta nueva obra a tener en cuenta en el recuento final del año.

MOTÖRHEAD (1986) Orgasmatron

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Probablemente si os comento que el pasado 9 de Julio fallecía Michael Burston a la edad de 61 años a causa de una insuficiencia cardíaca la mayoría se quedará igual, pero si obviamos el nombre de nacimiento de éste célebre guitarra inglés y lo nombramos simple y llanamente por su alias artístico, Würzel, más de uno ya se habrá llevado las manos a la cabeza al darse cuenta de la enorme y triste pérdida que de nuevo ha vuelto a hacer estremecerse a la escena rock internacional.

Llegado a Motörhead en un momento en el que les hacía falta una vuelta de tuerca a su sonido Würzel se convirtió en el buque insignia de los Motörhead poniendo su magia al servicio de los de Lemmy desde 1984, aportando su granito de arena junto al también recién estrenado guitarra del grupo Phil Campbell en el recopilatorio No Remorse, hasta 1995 que se despidió de ellos con el poco memorable Sacrifice.

Convirtiendo al hasta entonces trío inglés más infame del planeta en un cuarteto mucho más musculado y metalizado Würzel consiguió, junto a Phil Campbell, llevar el sonido de los Motörhead hasta otro nivel pulverizando el hasta ahora intachable estilo punkero de la banda electrificando sus canciones hasta limites insospechados hasta el momento. Una estrella más que se apaga demasiado pronto en el firmamento de los Dioses del Rock, porqué aunque estuviera siempre bajo la alargadísima sombra de los propios Motörhead ha conseguido colocarse entre los grandes de la historia por méritos propios.

CRYSTAL FIGHTERS (2010) Star Of Love

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Vamos a empezar la semana subiditos de tono caragndo a tope las pilas gracias a este curioso trío anglo-navarro que debutó el pasado 2010 con este adictivamente bailongo Star Of Love, obviado catastroficamente por mi en el recuento final del año, recuperado para la ocasión y comentado con todos los honores que se merecen estos polifacéticos Crystal Fighters con los que no he parado de mover mi cu-cu desde que los redescubrí hace un par de meses, gracias de nuevo al gran Dios Spotify al que le debo muchas de las últimas recuperaciones y redescubrimientos musicales desde que adquirí mi, ahora aboslutemente imprescindible para vivir, gloriosa cuenta Premium.

Emparentados por la crítica con MIA, debido a sus deslices con los ritmos tribales, y con MGMT, por sus delirios psicodélicos, tengo que decir que poco o nada he encontrado aquí de esas referencias que adornaban su portada con la impertinente pegatina de comentarios de revistas sobre las lindezas del disco. Bajo mi punto de vista los Crystal Fighters pueden presumir, cuanto menos, de tener una personalidad propia gracias a esa sutil apropiación que hacen del folklore musical navarro utilizando como elemento importante en sus composiciones la famosa txalaparta. Temazos incontestables como I Love London, At Home y mi favorita Plage, hacen de él un discazo prácticamente insuperable.

El trío formado por Sebastian Pringle, Gilbert Vierich y Graham Dickson, que se encuentra arropado en todo momento por incontables colaboradores que adornan deliciosamente las canciones tanto con sus aportaciones vocales como musicales, encuentran sus mejores aliados en los sintetizadores naturistas y los dulces juegos vocales para componer un disco que bebe de los dos lados del charco aportando toneladas de frescura a su imperdible mezcla de power-pop, techno-rave, dream-pop, jungle, grime y demás influencias imposibles de convivir hasta el momento en que los Crystal Fighters decidieron filtrar todo eso a través de las raíces navarras. Toma exitazo de experimento.

TAKING BACK SUNDAY (2011) Taking Back Sunday

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Sábado y con ganas de disfrutar del fin de semana, y tengo que admitir que mucho me está ayudando lo último de estos hijos predilectos de Long Island quiénes continuando con sus ya obligados cambios de formación, algo que ha ido sucediendo desde sus inicios hasta hoy, han acabado recurriendo a dos míticos de una de las primeras formaciones, John Nolan y Shaun Cooper, para componer de una vez por todas su disco de madurez musical y dejar a más de uno boquiabierto pensando en lo que a partir de ahora nos pueden llegar a ofrecer estos reorganizados Tacking Back Sunday.

No es por tan bueno que sea el disco, que también lo es, sino más bien por el notable salto de calidad compositiva que ha hecho el combo lo que es más destacable en un principio despuntando sobretodo un Adam Lazzara que depura su registro hasta cotas impensables consiguiendo los matices perfectos en los momentos perfectos. El disco es un buen compendio de todo lo aprendido hasta el momento pasado por el filtro de la edad, la experiencia y la madurez musical conservando la esencia y elevando los temas un peldaño más tanto en calidad como en versatilidad, algo que necesitaban como agua de mayo sino querían quedarse anclados en un estilo al que ellos eran de los pocos que seguían insuflándole algo de vida.

Claramente dominado por los medios tiempos de marcada base rítmica se agradece el aire fresco que respira todo el disco transportado por esos destellos de genialidad que hay en la mayoría de los temas, ese durísimo comienzo con El Paso me ha pillado a contra pié, y que a medida que les vas dándo escuchas crecen más y más por momentos. No me vayáis a entender mal, esto sigue siendo emo a morir, pero han querido inlcuir más detalles, abrirse más puertas, borrar algunos límites y emprender un camino por el que, si continuan así, pueden llegar a convertirse en algo mucho más grande de lo son ahora. Es curioso que para esta nueva etapa que han abierto en su carrera hayan escogido para el título del disco su propio nombre. Me han vuelto a robar el Domingo...

BLONDIE (2011) Panic Of Girls

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Esperado o no aquí está lo nuevo de mi enfermamente idolatrada Debbie Harry y los suyos después de mucho esperar y como continuación del más que fallido The Curse Of Blondie del 2003 y habiendo soltado más de un single de este Panic Of Girls que nos ocupa en los incontables conciertos que ha seguido realizando la banda desde su reunión obteniendo una cálida y positiva respuesta del público, ahora ha llegado el momento de la verdad, el momento de valorar si su nuevo retoño está a la altura o no del incalculable legado que nos dejó la banda a finales de los 70 y principios de los 80.

Contando con la salida de su guitarra Paul Carbonara sin mayores incidentes parece que el combo ha conseguido reprogramar su fórmula mínimamente gracias a la inlcusión de sangre nueva resultando en un disco algo más dinámico y creativo que su predecesor. Pero todo hay que decirlo, más les valdría haberlo dejado todo como estaba y no haber continuado lapidando su leyenda con discos tan insulsos e innecesarios como este Panic Of Girls.

Entre la fallida elección para producir el disco, el elegido ha sido el fatídico productor de los The Killers, la inclusión de alguna que otra versión para hacer bulto, el contínuo intento sin éxito de repetir sus fórmulas para conseguir otro hitazo instantáneo de los de antes y ese despropósito de tema en español llamado Wipe Off My Sweat la cosa no podía haberles quedado peor, tan sólo salvaría un par de temas o a lo sumo tres. Otra decepción más a la saca.

COMET GAIN (2011) Howl Of The Lonely Crowd

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Uno de los cultos poperos más underground y huidizos de Inglaterra vuelve a congregase para regalarnos otro de esos delicados y dulces tratados de pop atemporal con el que regresan, para la gloria y disfrute de sus incondicionales, bajo las bases sentadas en sus dos últimos discos culminando y refinando su fórmula de tal manera que han conseguido facturar su mejor disco hasta la fecha, una pequeña obra maestra del pop inglés sin pretenciones que se encarama directamente a las primeras posicones del año.

Sin necesidad de variar sus coordenadas y ampliando holgadamente sus virtudes, las melodías son directamente para derretirse y las voces son tan cálidas y familiares que parecen sacadas de una de esas narraciones irresistibles de los cuentos de los hermanos Grimm, Howl Of The Lonly Crowd contiene 13 temazos, ejecutados en 42 gloriosos minutos, capaces de funcionar todos y cada uno de ellos como single potencial para presentar el disco.

Lo que empezó a principios de los 90 como un trío y que al poco se convirtió en un quinteto ha llegado a la sorprendente cifra de 7 componentes de los cuales solamente su vocalista y guitarra David Charlie Feck perteneció y pertenece a la formación original. De la misma manera que progresivamente sus filas han ido en aumento su calidad y credibilidad lo ha hecho también demostrando que no por ser más tienen que sonar más fuertes, más duros, o más épicos, de eso nada, dulces y concisos como siempre ya lo habré escuchado como 15 en dos o tres días. Volvemos a enamorarnos del pop por que si!!!.