THE NEW RAEMON (2015) El Yeti Ep

 

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Y ya que ayer hablábamos de los cuatro pelotazos sumamente disfrutables que ha sacado BCore durante estos últimos días de mes, el de Cuello ya se ha puesto a la altura del resto prácticamente, hoy nos metemos de lleno en el Ep de edición limitada y tirada única en formato de 12" y vinilo azul que nos ha "regalado" el bueno de Ramón Rodríguez compuesto por los retazos que no se incluyeron en su magistral Oh Rompehielos, sin duda alguna uno de los mejores discos que ha sacado The New Raemon desde que comenzó su andadura con el sorpresivo A Propósito de Garfunkel en el 2008.

 

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Comenzando con El Yeti haciendo de puente entre el disco largo y el Ep, de la misma manera que lo hace el diseño de portada y sus colores, el Ep lo completan la Residencia De Ancianos y Efecto Invernadero, como los dos cortes que no acabaron dentro del disco largo, Maldiciones Comunes versionando a Julio de la Rosa, encabezando así el trío de versiones que realiza Ramón en el Ep, continuando con L'Estrany de Mishima, banda a la que no piloto lo más mínimo y me ha encantado la versión de Ramón, y acabando con la siempre efectiva Niños Del Mañana de Love Of Lesbian.

 

El Ep tiene un claro carácter melancólico, hay que admitir que hay muy poco aquí que invite a la felicidad o al buen rollo, encuadrado perfectamente tanto en la línea del Rompehielos como en la personalidad poética y familiar con la que siempre nos abrazan los discos de Raemon. Sí que es cierto que las versiones hacen saltar las emociones en varios momentos, sobretodo la versión de Mishima que me parace de lo mejor del Ep, pero si nos ceñimos a sus canciones, no hay nada nuevo en el horizonte. Ni falta que hace.

VLACK (2015) There Is No Death

 

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Estoy viviendo un fin de mes de lo más intenso y delicioso gracias a los últimos lanzamientos de la incombustible BCore, el sello underground por excelencia del estado Español y la discográfica catalana con más aciertos en su haber en sus 25 años de historia. Voy a nombrarlos por si alguno todavía no se ha enterado. Por un lado tenemos el nuevo Ep de The New Raemon llamado El Yeti, extraído de su último largo Oh Rompehielos, por otro el disco debut de Greus, combo formado por Edu (Moho) e Iván (Moksha, XMilk) en el que el sludge instrumental más pantonoso y corrosivo toma forma a través de composiciones tituladas en catalán, el tercer largo de Cuello, una de las pocas formaciones de BCore que no piloto (algo a lo que ya le estoy poniendo remedio), y por último, pero no menos importante, el caso que nos ocupa. 

 

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There Is No Death es el debut del nuevo proyecto de punk sin etiquetas firmado por Marc Teichené bajo el pseudónimo de Vlack, quien realizando prácticamente todas las funciones en este nuevo pepinazo de sangre, sudor y lágrimas, la batería va a cargo de Narcís Prats de Moksha y la producción, como no podía ser de otra manera, de la mano del maestro Santi García, se codea con el rock, el metal, el hardcore e incluso el western en un disco que, tomando fracciones y recuperando enseñanzas de todos sus anteriores hijos bastardos, Rippers, Püdor Crònica, Tesseire y Skull Boys, renace de las cenizas con una marcada personalidad propia y un objetivo muy similar al de siempre. Componer uno de los discos más sinceros, viscerales y emotivos que hayas escuchado jamás.

 

Componer después de la muerte de su hermano y presentarse al mundo sin él en este nuevo trabajo, ha tenido que ser uno de los momentos más duros profesionalmente hablando que ha tenido que afrontar Marc, de eso estoy seguro. Pero una cosa os voy a decir sin a lugar a dudas, si David está en algún sitio y puede escuchar este There Is No Death, título que claramente hace alusión a si mismo, tendrá la cabeza bien alta y el pecho inchado de orgullo al ver que Marc ha seguido adelante con su visión musical y que del parto ha nacido un nuevo "sobrino" al que amar y disfrutar incondicionalmente. De cabeza con lo mejor del año nacional.

TOTE KING (2015) 78

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No es porqué naciera el mismo año que yo y haya titulado a su disco como tal, ni tampoco porqué sus referencias cinéfilas y musicales vayan de la mano con las mías, o porqué en directo sea uno de los mc's más explosivos del planeta, además de ser el más productivo del panorama nacional, la calidad del Tote ha sido demostrada desde sus incios a fuerza de discazos y solidez en una escena, podríamos hablar del mainstream del rap patrio, en la que reina desde hace años gracias a su capacidad para evolucionar, cambiar y madurar sus reflexiones sin complejos. Si a los 19 años se cagaba en el pop y en sus delicadezas, con 30 va y se casca un tema con Antonio Orozco alegando que su purismo desapareció cuando su edad le pertmitió madurar sus ideas.

 

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Teniendo como referente el enorme Héroe junto a su hermanito Shotta, 78 no creo que consiga llegar a las cotas de su explosiva conexión familiar. Lo mismo le pasó a Shotta con el Flowesía, un disco gordísimo que aún y con esas no llegaba a las cotas de intensidad y calidad del nombrado Héroe. Pero una vez sabido y aceptado esto, 78 es un discazo más del sevillano que vuelve a demostrar que tanto su estilo, como sus influencias y las bases que busca para sus temazos, siguen sorperndiendo sobremanera por esa curiosa afición por refenciar tanto la actualidad ociosa como la social de una manera única, ocurrente y descaradamente refrescante.

 

Sin olvidarse de las nuevas generaciones, Tote cuenta con varias promesas del underground para las colabos de su nuevo disco, como suele hacer normalemente también con los beatmakers dándoles oportunidades a gente realmente interesante, Rune, Baghira, Acción Sánchez o Griffi hacen sus gloriosas aportaciones a los ritmos del disco redondeando un álbum que hará las delicias de los fans del Tote sin lugar a dudas. Yo llevo como 20 escuchas por lo menos y no me canso.

BLACK BREATH (2015) Slaves Beyond Death

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Últimamente estamos viviendo considerables mutaciones en algunos grupos, que, en algunos casos no han acabado de ser del todo acertadas. Si hace poco comentábamos el cambio de rumbo de los Sabbath Assembly, el poco acierto de los Beirut en su último disco o las variaciones de Horisont en su conocida fórmula, hoy toca hacer lo propio con los imprescindibles Black Breath. Y digo imprescindibles porqué todavía no han conseguido facturar un disco que no me engorile al máximo y me ponga los pelos como escarpias, por mucho que en este Slaves Beyond Death se hayan puesto algo más serios que de costumbre.

 

El single de adelanto ya apuntaba una considerable maduración compositiva y un contundente golpe de efecto estilístico, pues bien, tened claro que el resto del disco va totalmente cogido de la mano de ese adelanto. Componiendo canciones que no bajan de los 6 minutos prácticamente ninguna, apeándose considerablemente de sus raíces más hardcore, añadiendo ciertos preludios ambientales a las canciones que las engrandecen sobremanera y potenciando al máximo su carácter death metal, Slaves Beyond Death es claramente el disco más completo, grande y solido de la banda capitaneada por el incendiario Neil McAdams, quien firma su mejor trabajo a las voces hasta la fecha.

 

Grabado y producido por el gran Kurt Ballou en sus estudios GodCity de Salem durante el invierno pasado, quien además ha conseguido desplazarse un poco del sonido que lo ha caracterizado siempre, con un trabajo de guitarras a cargo de Eric Wallace y Marc Palm que ha sobrepasado todas mis expectativas, y unas composiciones que alteran los tempos y las contundencias de manera magistral, sin perder un ápice de la agresividad y la violencia de la que siempre han hecho gala, todo en este Slaves Beyond Death es más grande y mejor que nunca. De cabeza con lo mejor del año.

CZARFACE (2015) Every Hero Needs A Villain

  

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Y si todavía nos estamos secando las lágrimas de la emoción que nos produjo hace un par de años la simbiosis hip-hopera formada por el beatmaker 7L y los mc's Inspecktah Deck y Esoteric en el proyecto comiquero llamado Czarface, no guardéis el paquete de Kleenex todavía porqué el superhéroe Czarface ha vuelto dispuesto a batirse el cobre con cualquier villano que se le presente. Demostrando una vez más que la unión hace la fuerza, podéis estar seguros que el proyecto Czarface es la mejor mierda que han hecho estos tres en toda su vida, Every Hero Needs A Villain toma el testigo de su divertido debut convirtiéndose en la perfecta continuación de la historia de ese ficticio superhéroe salvador del hip-hop poniéndose, como mínimo, al mismo nivel que su primera parte.

 
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Volviendo al boom bap de los 80 y los 90 gracias a un 7L absolutamente sembrado y triunfante con los ritmos y los sampleados, potenciando un gusto único de la cultura pop americana de aquella época, y reforzando esa actitud con unos rapeos de batalla traídos por un Deck y un Esoteric brutales combinándose el protagonismo de manera magistral y aportando unas habilidades al micro y al storytelling absolutamente impresionantes, Every Hero Needs A Villain es, discutiblemente, el mejor disco de rap del año.

 

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En el apartado de las colaboraciones tenemos por un lado, y de nuevo,  a Spada4, quien aporta su granito de arena a los ritmos en algunas ocasiones en un álbum producido enteramente por 7L, y a GZA y Method Man representado a la Wu-Tang, al Dios absoluto del underground MF Doom, al mítico Large Professor, a JuJu de los Beatnuts y al grandioso blanquito de oro Rugged Man. Ahí es nada. L'Amour Supreme se ha vuelto a encargar del art-work, tanto del 12"  como del 10" picture-disc que han sacado a partir del tema con MF Doom, remitiéndonos directamente al estilo Kirby en todo su esplendor.

DEFEATER (2015) Abandoned

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Hay muy pocas bandas de hardcore en la actualidad que hagan rasgarme la camisa, palpitar mi corazón y volarme la cabeza al mismo tiempo como antiguamente. Pero he de amitir que la vertiente cultureta abierta por gente como La Dispute, Touché Amore o estos Defeater, apoyados en el hardcore gritón y emotivo de antaño pero dotados de un carácter literario muy marcado con un peso específico desarrollado en todos y cada uno de sus discos, es con lo que más disfruto a día de hoy salido de la amplia, y muy prostituída, escena hardcore americana.

 

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Después de tres discos y un par de Ep's sacados bajo la protección de la discográfica underground Bridge 9 Records, Abandoned es la primera referencia del quinteto de Boston para la incombustible Epitaph Records, consiguiendo así, llegar a un público más amplio. Creados por obra y gracia del privilegiado cerebro de Derek Archambault a mediados de la década pasada, su principal característica es la de servir líricamente a una historia que se comunica y se referencia en todos y cada uno de sus discos desarrollando paralelamente la situación personal de los personajes de una familia, y los que les rodean, de Nueva Jersey durante la posguerra de la Segunda Guerra Mundial.

 

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Su primer disco Travels (2008), nos presentaba a la familia en cuestión y los pormenores sufridos a causa de un entorno duro y violento. Su segunda referencia fue el Ep Lost Ground (2009), donde nos explicaban la relación que tenía un vagabundo con uno de los hermanos, el menor de la familia. Personaje que aparece en una de las canciones del Travels y se desarrolla, junto con la historia del hermano, en este Lost Ground. Su tercera referencia, otra vez como disco largo, es el inconmensurable Empty Days & Sleepless Nights (2011), en el cual volvemos a la familia de Nueva Jersey, en este caso concreto a la vida de otro de los hermanos, el mayor. Su cuarta referencia, de nuevo como álbum largo, fue Letters Home (2013), el cual está compuesto por las cartas que el padre de la familia escribió durante su servicio en la Segunda Guerra Mundial. Abandoned, su último disco de estudio, centra su historia en el cura que aparece en el tema Cowardice del Travels.

 

Solamente por el trabajo creativo y de escritura que supone el universo literario creado por Archambault para estos incendiarios Defeater, vale de sobras la pena pegarles una escucha a conciencia. Pero si además, la manera de transmitir dicha historia es a través de un hardcore sobrado de calidad, fuerza, garra y conexión, creo que poco más se les puede pedir. Bueno sí, que hicieran un disco superior al Empty Days &.... Y la cuestión es que lo han conseguido, o cuanto menos llegado al mismo nivel. Abandoned es la perfecta continuación de su mejor disco hasta la fecha, incluso han querido rememorar la parte más amable y pop de ese disco incluyendo de nuevo algunos cortes nada convencionales para una banda de su estilo al final del disco. Una pena que en este caso tan sólo hayan sido un par de ellos.

HORISONT (2015) Odyssey

 

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Que el rock de los 70 ha vuelto de unos años a esta parte, es algo innegable. Bandas como Witchcraft, Graveyard o Siena Root, han impulsado el revival hasta límites insospechados y a día de hoy no pasa la semana sin que un nuevo disco o una nueva banda haga diana en una escena que empieza a dar sus primeros signos de desgaste. Algo que, por otra parte, no es ni de lejos malo, ni para la escena, ni para el oyente, aunque sí para los carentes de creativadad e ideas, ya que eso equilibra la balanza con una auto-criba despiadada que va dejando en la cuneta más de una banda a la que, como ya he dicho, se le han acabado las ideas y la capacidad para sorprender.

 

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Por poner un ejemplo, y sin que sirva como dato inamovible, tenemos el último disco de Kadavar por un lado, aunque siendo todavía muy disfrutable por la facción de la escena que demanada música más accesible y fácil de digerir, el disco de Kadavar tiene unos gloriosos estribillos que rozan el pop peligrosamente, es uno de los que podemos señalar como faltos de ideas, y este Odyssey de los suecos Horisont por otro lado, un disco que evoluciona con las escuchas, crece inconmensurablemente, sorprende muy gratamente y catapulta al combo sueco hasta el infinito y más allá.

 

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El cuarto disco de estudio de Horisont comienza con una pieza prácticamente perfecta de space-rock progresivo apoyada en una intro ultra galáctica y unos teclados irresistibles de más de 10 minutos de duración, toda una declaración de intenciones, en la que consiguen reunir todo el carácter y el sentido del disco desplegando una personalidad tan enorme y tan aplastante que ha conseguido dejarme de una sola pieza, dando paso a un disco del que es posible sacar oro puro. La maduración musical y compositiva de Horisont ha crecido enteros desde su última aventura de estudio rubricando un disco que, desde ya, se posiciona como uno de los mejores de este llamado revival setentero. Su mejor portada y su mejor disco hasta la fecha.

BEIRUT (2015) No No No

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Cuarto álbum de la banda de Zach Condon, de curioso título No No No, algo que he pensado yo en varios momentos del disco, funciona a medias. Para los que nunca hayan tenido el privilegio de ver en directo o escuchar alguno de los discos anteriores de Beirut, este No No No está plagado de hits amables de pop accesible con los que disfrutar plácidamente de la no más de media hora que dura el nuevo largo de la banda. Pero para los que ya habíamos probado las mieles extremas de Beirut, con su insuperable debut del 2006 llamado Gulag Orkestar o el siguiente The Flying Cup Club tan sólo un año después del debut, sin olvidarnos del más tardío y menor The Rip Tide del 2001, es imposible no tener la sensación de que aquí falta algo, tanto físico como emocional, y eso duele un poco.

 

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La primera pregunta que se repite en mi cabeza nada más comenzar la primera canción del álbum, Gibraltar, es dónde narices han ido a parar la trompeta, el ukelele, el acordeón y la gloriosa sección de vientos de la que han hecho gala siempre los Beirut. Mi gozo en un pozo en ese sentido, pero en un pozo bien profundo. Sustituyendo todo eso por un coro de pianos y bongos que funcionan como un remanso de paz, quizás con demasiada paz, he de admitir que tanto su corta duración como el cambio de rumbo instrumental que ha sufrido la banda, no le ha hecho ningún favor, sino todo lo contrario.

 

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No es un mal disco, no me entendáis mal, como ya he dicho para muchos que vengan de nuevos, algo no demasiado difícil ya que la irregularidad por sacar trabajos en los últimos años los ha desplazado considerablemente de la trayectoria estelar que llevaban en sus principios, pero está absolutamente falto de personalidad llegando casi a la normalidad dentro de un pop con mucha clase y refinado. Me quedo con los Beirut de influenciados por la música y folklore de la Europa del Este. Primer gran patinazo de Beirut.

STRIFE (2015) Incision EP

 

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El sonado resurgimiento de Strife hace 3 años con el muy acertado Witness A Rebirth, en el cual retomaban el estilo más violento y crudo de sus dos primeros discos, los a día de hoy clásicos indiscutibles del género One Truth y In This Defiance, olvidando considerablemente ese experimento "fallido", no para mi, llamado Angermeans con el que se despedían de los escenarios en el 2002. Para mi Witness A Rebirth era un discazo indiscutible que me permitió ver finalmente en directo a la banda encabezada por el loco de Rick Rodney, en directo no paró de darse en la cabeza con el micro hasta abrir brecha y sangrar.

 

Su nuevo Ep lllamado Incision, consta de 4 temas únicamente, es el típico artefacto que, esperemos, funciona como puente entre discos e indicativo de que todavía siguen activos y con ganas de hacer cosas. Y si su anterior Witness A Rebirth se convertía en la perfecta continuación del insuperable In This Defiance, este Incision está más cercano al tempo más contundente y pesado del One Truth, e incluso contiene ciertas reminiscencias del denostado Angermeans. Disco que por otra parte, personalmente, me parece un acierto absoluto por mucho que representara un cambio radical de formas y, por desgracia, significase su fin en su día. 

 

Incision opta claramente por no continuar con la línea marcada en su regreso a los estudios de grabación, aunque hay que admitir que el tema que titula el Ep es toda una clase magistral de hardcore brutal y violento al más puro estilo Strife on fire, tirando sin complejos por los terrenos más escabrosos que han pisado desde sus inicios. Para completistas y ansiosos les va a ir al pelo, jejeje.

SABBATH ASSEMBLY (2015) Sabbath Assembly

 

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Ha llegado el momento de escuchar el cuarto álbum de una de las bandas más personales y peculiares del llamado occult rock actual. Hablamos nada menos que de los Sabbath Assembly, banda compuesta en su nucleo duro por David Christian (ndr. curioso apellido) a la batería y Jamie Meyers a las vocales, y completada por la variable formación de Eva Vonne a la viola, Kevin Hufnagel a la guitarra y Johnny DeBlase al bajo, los cuales nos dejaron una primera trilogía formada por Restored To One (2010) en el que era Jex Thoth la encargada de las vocales, Ye Are Gods (2012) y Quaternity (2014), de lo más ritualística y ceremonial, en el sentido más amplio de ambas, inspirada en los textos de The Process Church Of The Final Judgement. Un culto religioso de los años setenta que tomaba unos preceptos bastante diferentes a los del cristianismo para regirse y, por lo que dicen, es lo que ha día de hoy concemos como la Best Friends Animal Society.

 

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Historias aparte, hay que admitir que el cambio de rumbo que le daban a su estilo en su primer adelanto del disco que nos presentaron hace unas semanas, dejaba a más de uno dudoso de que lo que se pudiera encontrar en este autotitulado cuarto disco de los Assembly, poco o nada tendría que ver con lo hasta ahora mostrado en su primera trilogía. Y no seré yo quien les quite la razón, del todo. Está claro que la inclinación metalera y clásica que le han dado a su nuevo disco impacta soberanamente de entrada, podría ser cualquier otro grupo menos los Sabbath Assembly que conocemos. Pero también es indudable que la capacidad vocal de la Meyers para meternos en los rituales más oscuros y la ambientación ocultista de sus composiciones, siguen emparentándolos de manera inquebrantable con ellos mismos y su trayectoria musical.

 

Una de las pegas que tiene lo de apearse de su ritualístico y ceremonial pasado es la pérdida de personalidad. Llegados a este punto,  Sabbath Assembly se convierte en una banda más dentro de la enorme vorágine de bandas dedicadas al occult rock en la actualidad. Mis primeras impresiones han sido las de recordar muy fuertemente a mis adorados y tristemente desaparecidos The Devil's Blood, sensación que se ha ido disipando cada vez más con las escuchas consiguiendo pulir un sonido y una personalidad, muy alejada de la que los vio nacer, pero sólida y consistente por si sola. Tanto es así que consiguen destacar sobre el resto con bastante convencimiento.

AMORPHIS (2015) Under The Red Cloud

 

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El doceavo álbum de estudio de uno de los buques insignia del metal extremo finlandés, y que representa el sexto disco con Tomi Joutsen a las vocales, vuelve a retomar la vitalidad y la fuerza de la primera trilogía firmada por Joutsen, Eclipse (2006), Silent Waters (2007) y Skyforger (2009), siendo bastante menores los posteriores The Begining Of Times (2011) y Circle (2013), y desplegando toda su capacidad de accesibilidad y melancolía rock, las guturales vuelven a estar presentes, de la misma manera que la mezcla de extremos metálicos y extremos folklóricos encontrándose de manera magistral en los doce cortes que contiene este impresionante Under The Red Cloud.

 

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Aprovechando de nuevo su capacidad melódica de registro, sin abusar de ella, hay que admtir que la voz de Joutsen se ha endurecido considerablemente y la producción da buena cuenta de ella resaltando sus registros más crudos. La banda está sublime en todos los sentidos, desde las partes más ambientales a las más brutales, el abanico es amplio entre un estado y otro, bordando su disco más sólido hasta la fecha desde el insuperable Skyforger.

 

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Por supuesto que cuando digo eso me refiero únicamente a la era Joutsen, considero que su Tales Of A Thousand Lakes es su obra cumbre, pero también es cierto que ha quedado así porque sus cambios de estilo han sido tan variados y contradictorios que ese es el que se ha queadado como más referencial a influyente de la banda. Las líricas, como siempre a cargo de Pekka Kainulainen, vuelven a ser uno de los fuertes del disco.

SLAYER (2015) Repentless

 

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Si ya es difícil afrontar un disco de Slayer sin Lombardo, la banda decidió una vez más expulsarlo (de malas maneras) el pasado 2013 perdiendo así la cuenta de las veces que ha entrado y salido del combo el preciado batería, es casi imposible disfrutrar de este contundente Repentless sabiendo que Jeff Hanneman no volverá a pisar la faz de la tierra. A causa de un fallo en el higado, Hanneman llegaba a los infiernos el pasado 2013 dejando huérfanos de una guitarra a Slayer y dejando, también, a tres generaciones de fans de Slayer absolutamente destrozados. Su trabajo en Slayer es absolutamnete inspirador y referencial, quedando escrito a fuego en los libros de historia musical, de la misma manera que significaba una de las marcas imborrables del sonido y el estilo de una las mejores bandas de metal de toda la historia.

 

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Lamentaciones aparte, Repentless es un buen disco, Slayer no creo que sea que sea capaz de hacer un disco malo en la vida, aunque el Diabolus tiene bastantes detractores, todo sea dicho. La adición de Gary Holt (Exodus) en sustitución de Hanneman y la del habitual Paul Bostaph a los parches, funciona a la mil maravillas, Holt ya ha realizado giras con ellos y Bostaph es prácticamente de la familia, pero es innegable que tanto el sonido como el estilo de la banda se ha visto afectado considerablemente y, al menos por mi parte, hecho demasiado en falta las virgerias y las contundencias de Hanneman como para poder valorar este disco como un paso a delante para la banda.

 

Puede que sirva como artefacto para orquestar una nueva gira y salir a tocar 3 o 4 temas de este Repentless y llenar el resto del repertorio con los clásicos más incendiarios de la banda de thrash más brutal y blasfema del planeta, algo con lo que muchos de sus fans de última hornada estarán contentísimos, pero creo que yo, en este punto concreto, me apeo de los Slayer para siempre. No iré al concierto con Anthrax, ya que los he visto varias veces a ambos y a los Kvelertak una vez, además de que el precio ya de entrada me tiraba bastante para atrás, pero escuchado lo escuchado en este Repentless, la decisión está tomada.

UNCLE ACID AND THE DEADBEATS (2015) Night Creeper

 

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Con motivo del lanzamiento de su anterior Mind Control, hasta la fecha su disco más completo y complejo, tuve la oportunidad de hacerle una entrevista al mismísimo Uncle Acid. Mi idea era encararla dentro la vertiente occult rock-metal que tantos acólitos ha recogido durante los últimos años, una escena que cada vez es más y mejor, pero, bajo el punto de vista de su autor, lo suyo quedaba muy lejos de las pretensiones de mi entrevista. El señor Acid no ve la relación de lo que llos hacen con el occult actual, algo con lo que yo no estaba muy de acuerdo, pero he de admitir que escuchando su nuevo disco, cada vez estoy más convencido de cuanta razón tiene el señor Acid sobre su arte.

 

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Por otra parte, está claro que no hay nadie como uno mismo para describir su trabajo, por mucho que la percepción del resto sea diferente. Su queja venía más por querer encasillarlos dentro de una vertiente o escena que realmente por lo que dicha etiqueta representa, pero, como ya he dicho, cada vez comprendo mejor su manera de enfocarlo. Su último disco sigue la línea lo-fi rock doom stoner psicodélico que les ha marcado a fuego desde sus inicios, y si realmente hay que tacharlos de algo, es de auténticos adoradores de la década de los 70 y sus visiones más terroríficas y psicodélicas.

 

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Siguen habiendo dos palabras que se repiten en tu mente desde el principio hasta el final de la escucha de su último disco, Black Sabbath, un espíritu del que la mayoría de coetáneos dentro de su mismo estilo son imposibles de eludir, pero es indudable que la personalidad de los Deadbeats y el señor Acid salen sobradamente a flote en las composiciones de este Night Creeper como para brillar con luz propia, aunque esa luz sea ténue, misteriosa y amenazadora. No creo que esto supere a su anterior obra maestra, un disco muy ambicioso que funcionó a las mil maravillas, pero Night Creeper ya apunta a lo alto de la lista con lo mejor del año. Y como parece que la economia española y los promotores españoles han sabido salir a flote, (ndr. broma para los lectores del Horrorvision Magazine), en Octubre los tendremos por aquí gracias a Satán.

MAGIC SYSTEM (2015) Radio Afrika

 

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Y si el año pasado descubría a este cuarteto senegalés, con más de una década de historia a sus espaldas, gracias a su impresionante Africainament Vòitre (2014), que consiguió posicionarse en mi lista personal con lo mejor del año sin problema ninguno, este año nos toca volver a ellos de nuevo con su último disco de estudio llamado Radio Afrika. Un disco algo más reposado en tempo, reflexivo y accesible, que sin llegar a las cotas festivas de su hermano mayor, sigue dejándonos temas de una calidad indiscutible.

 

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La simpatía y la empatía que despiertan sus composciones, de nueoa parece que están tocados por el haz de luz con más positividad, alegría y buenrollismo del universo conocido, Radio Afrika es más orgánico, más cercano, tiene menos arreglos, y en esa desnudez y fragilidad, es sin duda donde residen sus valores más preciados. Sin necesidad de repetir el mismo disco y tirar de nuevo de hitazos instantáneos, Magic System han decidido vestir a sus canciones de una sencillez y una humildad que abruma, transmitida por una selección instrumental que deja bastante de lado los sampleados y los ritmos digitales.

 

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Dejaremos que haga su función y me vaya conquistando poco a poco, como hizo su disco anterior, pero estoy bastante seguro de que este disco estará en la criba final del año, ya veremos si logra incluirse en la lista o si se queda en el camino, pero tiene muchos números para hacer un papel tan bueno como el de su anterior obra.

PENTAGRAM (2015) Curious Volume

 

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Parace que esta semana han sacado a pasear a los del imserso dejando su cómoda vida en la residencia de ancianos y tanto Bobby Liebling como Lemmy Kilminster han aprovechado para sacar sus respectivos últimos discos a golpe de Viagra y Pharmaton Complex, de otra manera no me explico como cojones siguen haciendo discos tan redondos, sólidos y disfrutables como este Curious Volume de Pentagram, al de Motörhead todavía no le he pegado la escucha obligada.

 

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A día de hoy, Pentagram ha sido reconocido como uno de los originadores del llamado sonido Doom además de contar con ellos para algunos de los festivales más importantes. El giro tanto en la vida de Liebling como en la historia de Pentagram ha sido de 180 grados totalmente a favor de ambos. En parte gracias a Sean Pelletier, en gran parte, ya que con su documental Last Days Here y su empeño en relanzar los discos olvidados de la banda, han llegado a revitalizar a Liebling y a los Pentagram, literalmente ya que Liebling estaba al borde la muerte, como a una de las bandas más importantes de la historia del rock con muchas opciones de futuro. 

 

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He de admitir que, de entrada, Curious Volume no supera a su anterior Last Rites, el disco gordo de regreso de Liebling y los suyos, pero sí que podemos hablar de un disco que, dejándolo crecer y fluir sin complejos en tu interior, se convierte en una obra de una calidad y una solidez indiscutible además de disfrutarse mucho mejor a todo volumen. Si cumplen mínimamente en directo, como han demostrado los últimos años, y además siguen dando buenos resultados con sus aventuras de estudio como este Curious Volume, no creo que no se les pueda, ni se les deba, pedir más.

IRON MAIDEN (2015) The Book Of Souls

 

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Ha llegado el momento, al fin lo tenemos, aunque sea por ahora de manera virtual, pero ya podemos disfrutar de él en toda su grandeza. El último disco de los incombustibles e imperecederos Iron Maiden ya es un hecho. Cinco años despuésde su espacial The Final Frontier, con cáncer diagnosticado y superado por Dickinson incluido de por medio, la banda de heavy metal por excelencia, un título ganado a pulso en sus más de 30 años de historia, vuelve a dar el rotundo do de pecho con su décimosexto álbum de estudio titulado The Book Of Souls. Una vez desvelada su portada, de la que tengo que decir estoy totalemente a favor, y escuchado su adelanto The Speed Of Light, del que la mayoría no sacamos mucho en claro al ser un single sin demasiado fondo ni desarrollo, y eso que estamos hablando de un tema de 5 minutos nada menos, el hachazo que nos han dado con un disco doble de más de una hora y media de duración, ha sido de órdago a la grande y más.

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Enmarcado dentro de la línea claramente progresiva y expansiva que han ido dibujando durante los últimos años, hay un antes y un después muy marcado en la maduración y la composición de los temas de Maiden comparando las dos épocas en las que Dickinson ha sido su vocalista, The Book Of Souls retoma el testigo del The Final Frontier para ahondar aún más en el desarrollo como obra faraónica dotándola de temas que sobrepasan los 5 minutos, algo nada fuera de lo normal para ellos, y alguno que otro que llega a los 11, a los 13 e incluso el tema final, Empire of the Clouds basado en el accidente que sufrió el dirigible británico R101 y compuesto al piano por Dickinson durante las 6 semanas que estuvieron en el estudio, que pasa de los 18 minutos y que nos remite directamente a la enorme Rime Of The Ancient Mariner del Powerslave.

No vamos a decir que estamos ante el disco definitivo de Iron Maiden, ya que a esta afirmación la gran mayoría tendría mucho que decir poniendo el grito en el cielo con el Number Of The Beast, el Piece Of Mind o el nombrado Powerslave, sus discos más laureados, pero lo que sí que podemos afirmar, sin lugar a dudas, es que estamos ante el disco más completo, equilibrado, desarrollado, trabajado y (doblemente) redondo del combo londinense más querido de todos los tiempos. De cabeza con lo smejor del año.