BLOODY HAMMERS (2013) Spiritual Relics

 

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El cuarteto de Carolina del Norte llamado Bloody Hammers, estrenado el pasado año con un más que glorioso disco homónimo, vuelve a la capilla satánica para componer su, también gloriosa, continuación, esta vez bajo el nombre de Spiritual Relics. Un disco que supone un marcado punto de inflexión con respecto a su debut, aquí el aire gótico y rockero es uno de los protagonistas ineludibles del aquelarre, algo que aporta nuevos y descriptivos matices al combo.

 

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Capitaneado en todo momento por un registro tan peculiar como efectivo para el estilo, con un punto de romanticismo enigmático extra muy bien utilizado en temas tan sorpredentes como The Transit Begins, The Source, Shiver o Science Fiction, precisamente en los que más se nota la nueva apertura de miras que ha abrazado el combo. Considero que bien podrían haber estirado la misma fórmula sin variar un ápice de su discurso, algo que les resultó y mucho en su debut, pero por el contrario, han querido conservar dicha fórmula variándola considerablemente y añadiéndole unos ingredientes mucho más diferenciadores y sorpendentes que en su debut.

 

Si su primer disco me pareció una obra de primera línea capaz de competir con fuerza contra cualquier pilar erigido como reprensentante de este, cada día, más de moda occult rock, su segundo disco me parece uno de los más inspiradores y originales que ha dado el estilo desde su resurgimiento.

WARBRINGER (2013) IV: Empires Collapse

 

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Sé que últimamente los comentarios de los discos no son lo que eran, tengo un problema gordo de falta de tiempo y eso hace que mis comentarios sean bastante sencillos en el mejor de los casos. Os pido perdón, a ver si consigo organizarme el tiempo mejor y le dedico más minutos a los comentarios.

 

Cuarta entrega de los californianos Warbringer, una de tantas bandas responsables del revival thrashero de nuestros días, y hay que decir que, junto a Municipal Waste y Toxic Holocaust, de las más resultonas de todas. Subiendo un nuevo escalón en cuanto a calidad y entrega se refiere, su nuevo Empires Collapse es su disco más mélodico, estructurado y pulido hasta la fecha.

 

Su visceralidad y su energia se ha visto transformada en unas formas algo más comedidas y sólidas, en un estilo más personalizado y en una producción mucho más limpia. Ya no suenan tanto a los noventa o a los ochenta como lo hacían antes, una evolución quizás no del todo bienvenida por los fans más acérrimos al sonido old-school pero que les va como anillo al dedo.

ARCADE FIRE (2013) Reflektor

 

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Arcade Fire es una de las bandas que mayor hype ha levantado y levanta a su alrededor, gran parte de ello gracias a una insistente campaña de promoción que nos iba anunciando cada nuevo paso que se daba en la gestación del disco, y también, porqué no decirlo, una de las que mejor responde a dicho hype, creado al principio muy al margen de la propia banda pero del que ahora se han hecho poseedores ellos mismos utilizándolo de la manera más eficiente, comercialmente hablando.

 

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Repasando la breve discografía del combo, hasta el momento 3 discos de los cuales se pueden extraer varios momentos estelares y, sin lugar a dudas, un rato del todo agradable e incluso original dentro del manido pop-rock, hay que admitir que, para bien o para mal, le han querido dar una vuelta más de tuerca a su sonido y a su estilo. Algo por otra parte, muy de agradecer en su caso, creo que el grupo pedía a gritos abrir nuevos horizontes musicales para mantener el interés, y eso es lo que han hecho.
 

 

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De lo que no hay duda es de que el nuevo disco de Arcade Fire tiene cierto carácter ochentero, casi disco, del todo agradabale, ¿mejor o peor que sus antecesores?, a vuestra elección ¿El problema?, éste Reflektor es mucho más largo que de costumbre. 75 minutos de disco, es mucho disco. Se alarga demasiado el buenrollo hasta aburrir, se hace pesado, por momentos demasiado lineal, algo nada común en sus aventuras anteriores donde la originalidad y la variedad estaban mucho más presentes. Bajo mi punto de vista, el disco todavía se ha de cocinar algo más, pero dudo mucho que esto supere al Neon Bible o al The Suburbs.

LOU REED (1972) Transformer

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Después de una mañana de Domingo del todo veraniega y entretenidamente terrorífica en el Horror Market, otro gran triunfo de la gente de Spooky Prom, tengo que admitir que ha sido una tarde bastante movida e incluso más terrorífica. A eso de las 18.00 de la tarde me he enterado de que la Rolling Stone hacía saltar la la fatídica noticia, ¡Lou Reed ha muerto!. Con la duda todavía asaltándome y la incredulidad sobrevolando el ambiente a casusa de una noticia tan devastadora e inesperada para el global de la escena musical mundial, la confirmación ha acabado llegando a medida que pasaban las horas y la cara de algunos de los que estábamos reunidos en mi casa, se iba convirtiendo en una triste mezcla de sorpresa extrema, en algunos casos, y profundo pesar en otros. 

 

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Lou Reed siempre ha disfrutado de una posición privilegiada dentro de la historia de música, una posición ganada a pulso bajo su envidable andadura en la insuperable The Velvet Underground, junto a los que realizó uno de los mayores hitos de la música moderna con su primer disco, y más tarde cimentada por discos tan importantes en su carrera y en la escena mundial como su autotiulado del 72. Pero para ser justos, su mejor disco en solitario y el realmente referencial dentro de su interminable discografía, es  este Transformer, también del 72, en el que podemos encontrar cuatro de sus eternos hits imborrables, Satellite Of Love, Walk On The Wild Side, Vicious y Perfect Day, temas por los que vale la pena de sobras tener este histórico momento musical llamado Transformer.

 

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Hijo predilecto del barrio de Brooklyn, nos deja uno de los indiscutibles grandes de la música, He de decir que su última aventura junto a Metallica, de la que se comentaba iba a haber una continuación, me pareció lo mejor que habían sacado ambos en años. Por mucho que la mayoría de los fans y de la crítica se empeñara en titrarlo por tierra, a mi me pareció algo tan puro y personal, que brillaba aboslutamente por encima de cualquier cosa que hubiera hecho Lou Reed desde este Transformer, y estamos hablando de 40 años de diferencia. Para mi, fuera de la Velvet, de sus primeros dos discos en solitario, y de este muy criticado Lulu, no puedo decir mucho bueno, pero esos discos concretamente, me marcaron mucho. Te echaré de menos Lou-Lu.

TOXIC HOLOCAUST (2013) Chemistry Of Consciousness

 

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El siempre solvente Joel Grind, capitán indiscutible de esa siniestra e inmunda nave llamada Toxic Holocaust, vuelve por segunda vez este año, recordemos que hace poco nos regaló un recopilatorio con su material más hard-to-find, para reventarnos a gusto a base de gordacos sopapos de punk, enormes puñetazos de cross-over y patadas voladoras al más puro estilo trash metal, ahí se atreva el que quiera con tal contundecia y confluencia de ultra-violentos y demoledores estilos. Una confluencia estilística que encuentra sus mayores destellos en la habilidad que tiene Joel para conectarlos sin complejo ninguno y de la manera más refescante y natural.

 

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La historia es bien sencilla, pero no por ello menos efectiva. Joel lleva ya varios años recogiendo las enseñanzas ochenteras del punk, el crust, el hardcore y el metal, para conformar su sucio y radical universo en el que, a todas luces, él es el único y más destacado protagonista. Si tomamos como referencia cualquiera de sus primeros discos, Evil Never Dies (2003), Hell On Earth (2005) o el An Overdose Of Death (2008), este nuevo disco llamado Chemistry Of Consciousness está a la altura o incluso por encima de la media de esos discos, y con eso ya tenemos mucho ganado.

 

Pero si, nos ponemos a buscarle el "pero", estoy prácticamente seguro que esto no va a poder superar al anterior Conjure And Command, uno de los mejores discos del estilo en años, y me refiero en muchos muchos años, y, sin lugar a dudas, la obra magna de Joel hasta la fecha. Curiosa la versión de L7, si lo pienso bien tampoco es que se diferenciaran tanto, pero me ha sorprendido la opción escogida por Joel para la ocasión.

PROTEST THE HERO (2013) Volition

 

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Nuevo disco de los Protest The Hero en circulación, un disco que en algún momento, al comienzo de proyectar el disco, ni ellos mismos sabían si iba hacerse realidad. Me explico, la banda de Ontario, llegó a un punto en su carrera, en el que para sacar su nuevo disco, debían de ingeniárselas a conciencia para obtener un dinero que, ni tenían, ni nadie les ofrecía para grabarlo. ¿Solución?, algo que está muy de moda y responde por el nombre de crowdfounding, un método más que fiable y comprobado para poner tu obra en el mercado con la ayuda del mecenaje (aportes económicos de los fans que se traducen en jugosas recompensas).

 

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Pues bien, una vez propuesta en la red su solicitud de armar un nuevo disco a través del crowdfounding (dato del que no me enteré a tiempo), la respuesta de los fans de la banda alrededor del mundo no se hizo esperar. Fue tan inmediata como contundente, Protest The Hero llegaron a sacar 3 veces más dinero del que en un principio pedían para grabar el disco. Una muestra más de que el crowdfounding funciona y funciona bien.

Siguiendo la línea algo más melódica y estructurada que presentaban en su anterior largo, la experiencia es un grado y su amalgama de estilos e influencias cada vez es más sólida y personal, Volition es simplemente más, de lo mismo que ya conocemos de los Protest. Pero no confundamos, los Protest no tienen un disco igual, sonando siempre a ellos mismos y a nadie más, pero dándole un caracter concreto y un sonido especial a cada disco que los diferencia claramente entre ellos. En breve los tendremos por la geografía española, en concreto el 20 de Enero en la sala Bóveda, no puedo esperar.

SOAPKILLS (2005) Enta Fen

 

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Ya sé que no es lo normal, pero vista mi nueva obsesión iniciada por Jim Jarmusch en su película Only Lovers Left Alive y protagonizada por Yasmine Hamdan, ayer yo os pasé su último disco, hoy me veo en la obligación de hablar también de las delicias de la banda que la dió a conoceer. Estamos hablando de los Soapkills, una banda de pop electrónico del Líbano encabezada por Yaasmine y su compañero Zeid que a finales de la década de los 90 empezó a despuntar en el under del país.

 

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Fechado en el 2005 y siendo su último disco hasta la fecha, precedido de un par de Ep's y dos discos más que completan su discografía, Enta Fen es la deliciosa exposición de las claras influencias del trip-hop y el downtempo europeo, mezclado con las preciosistas influencias árabes que demuestra la banda con convicción y honestidad. Una verdadera maravilla escondida que merece ser recupera y laureada sin dudarlo un momento.

 

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Seguiré introduciéndome en la discografía de la banda, pero ya os digo que este Enta Fen es, cuanto menos, una pequeña obra maestra. No me esperaba que me gustara tanto como su debut en solitario pero, salvabndo las distancias, los años y algo del estilo, esto es igual de disfrutable si de derretirse con musas se trata, jajaja.

YASMINE HAMDAN (2013) Ya Nass

  

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Después de una semana de cine extremo, podéis leer mi paso por Sitges en éste enlace My.Sit-yesss, hay todavía algunas bandas sonoras, We Are What We Are, Wrong Cops y Only Lovers Left Alive, que continuan resonando en mi cabeza. Por ahora, no me he podido hacer con ninguna de las tres, y las he buscado a conciencia, pero concretamente de la de Only Lovers Left Alive, he sacado a esta Yasmine Hamdan, la cual canta un tema en directo durante la película del maestro Jarmusch.

 

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La escena en la que hace aparición Yasmine, es de una intensidad preciosa, la manera que tiene Adam de sentirla a ella y a la canción, mientras la ve actuar en directo, hizo que mi pasión por esta libanesa afincada en París se convirtiera prácticamente en una obsesión. Hal es el tema en cuestión, una suerte de pop meláncolico cantado en árabe que pone los pelos de punta gracias a la emotiva e impecable interpretación de Yasmine. 

 

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Yasmine es a día de hoy un icono de la música underground árabe, considerada una de las mayores propulsoras de la fusión de las raíces árabes en toda su grandeza. Después de llegar a París, donde colaboró con Cocoroise, no se nos puede pasar por alto que esta mujer ha producido y co-escrito algunos de los últimos discos de Madonna. Formando equipo con Marc Collins de la banda Nouvele Vague, tanto para la producción como para la composición del disco, esa relación ha dado como resultado este ultra preciosista álbum llamado Ya Nass. Nueva musa  a la que le juro amor eterno.

THE GATHERING (2013) Afterwords

 

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Ya me olía yo que esto de disco nuevo tenía bien poco, y más contando que el año pasado facturaron uno de los mejores discos de su carrera. Pues bien, bajo mi punto de vista, y contando que me declaro fan de ellos desde hace muchos años, he de admitir que este Afterwords es del todo inútil en la prácticamente impecable discografía del combo holandés.

 

En los escasos 43 minutos que dura este Afterwords, pocas novedades nos vamos a encontrar y, aún menos destacables, reversiones de canciones conocidas. El disco consta de, 3 temas que ya aparecieron en su Ep del pasado año, Afterlights se llamaba, 2 remakes del su anterior largo Disclosure, que para mi no le llegan a la suela de los zapatos a las originales, 3 temas nuevos, que posiblemente sean descartes de su último disco, y una versión de un tema llamado Areas. 

 

Me sabe mal decirelo, pero después de pegarle unas cuantas spins al disco, le he dejado apartado por desidia con toda la pena del mundo. También es verdad que la primera vez que lo escuché me desinflé completamente al saber que no era material nuevo, pero aún después del primer batacazo, no me he repuesto. Esperaremos al próximo disco con más ganas.

65DAYSOFSTATIC (2013) Wild Light

 

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El ruidista y preciosista combo de Sheeffield vuelve con su quinto disco de estudio, aunque entremedio de los dos últimos nos regalaron una notable revisión de la banda sonora de la mítica Silent Running, para demostrar una vez más que no hay nadie como ellos dentro de su campo de acción. Nadie en el estilo es capaz de combinar las excelencias del post-rock con esas alucninantes progresionaes electrónicas que tan bien ejecutan desde su montaña, solos, sin que nadie los moleste, ni nadie que les tosa.

 

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Su variedad sonora y estilística hace de ellos uno de los animales más extraños y versátiles de la escena, consiguiendo tocar, dentro su propio e intransferible género, todos o casi todos los palos emocionales que puede producir la música. Espacios abiertos y galácticos, melancolía terrenal, alegría musical y grandeza sonora, esas son slas mejores y mayores cualidades de este más que sobresaliente Wild Light.

 

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Como ya os comenté ayer, este es el mes del estilo en Barcelona, teniendo en el mismo mes a los GIAA, a los Russian Circles y a los 65daysofstatic. Un cartel que perfectamente pordría componer uno de los festival del género más caulitativos y originales. Siguen dando la talla, siguen siendo ellos, no hay quien les tosa.

PLACEBO (2013) Loud Like Love

 

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No es que nos hayamos olvidado de ellos, su anterior Battle For The Sun es para mi uno de sus discos más gordos y todavía consigue ponerse a quemar watios durante algunos días en mi reproductor cuando lo recupero, pero es verdad que 4 años son demasiados para una banda tan demandada como son los Placebo. Pero como no nos queda otra que conformarnos con la espera, aquí está Loud Like Love, el séptimo disco de estudio del trío de Londres liderado por Brian Molko.

 

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Siguiendo esa línea luminosa y positiva presentada por su hermano mayor, Loud Like Love es el equilibrio perfecto entre la parte más melosa y delicada de los Placebo, compaginada con la vertiente más rockera y musculosa del combo. Nada nuevo en el horizonte, excepto algún sonido electrónico que sorprende gratamente, pero es un disco tan disfrutable de Placebo como el que más, de eso no hay duda.

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Poco pueden hacer ya para sorprendernos, pero también es verdad que 4 años sin ellos dan para echarlos mucho de menos y no seré yo quien se queje precisamente dejándonos un disco tan compacto como lo es este Loud Like Love, otra cosa es ya el precio de sus conciertos, prácticamente inadmisible para la mayoría de mortales.

CHELSEA WOLF (2013) Pain Is Beauty

 

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Ya que ayer comentábamos el inminente concierto que llegará el Viernes a la ciudad Condal comandado por los Russian Circles, es de justo merecimiento ocupar un espacio de las Píldoras con la que va a ser la telonera de los de Chicago, la enimática Chelsea Wolfe. Un triunfo doble para cualquiera que se derrrita con el rock experimental que presentan ambas propuestas, imperdible diría yo. Más aún cuando en tan sólo 30 días tendremos en los escenarios de la ciudad a los God Is An Astronaut, que ya vinieron, a los Russian Circles, ahora, y en breve a los 65daysofstatic.

 

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Pero a lo que íbamos, lo nuevo de Chelsea Wolfe es, sin lugar a dudas, su mejor disco hasta la fecha. Su cuarto álbum de estudio titulado Pain Is Beauty transita por nuevos terrenos electrónicos, dejando a un lado sus pasiones más dronadas, abriendo todo un nuevo abanico sonoro mucho más accesible y agradable para el oyente, de la misma manera que reduce y concreta sus canciones en una estructuración más de canción.

 

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Con esto no quiero decir que Chelsea se haya amansado lo más mínimo. Ella sigue siendo una de las reinas del abismo más indiscutibles, sus oscurantimos y su halo de misterio siguen más que presentes en su música. Creo que es una de las veces que el título del álbum le hace más justicia al disco en su totalidad. Dolor, es algo que se siente a través de sus composiones, pero la belleza que transmite ese dolor, es igual de inevitable. Brutalmente doloroso, brutalmente honesto, brutalmente precioso.

RUSSIAN CIRCLES (2013) Memorial

 

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Para una banda en constante crecimiento como los Russian Circles de Chicago, no ha de ser tarea fácil superarse en cada entrega, y menos aún cuando la regularidad entre sus discos nunca llega a pasar de los 2 años, pero he de admitir que con su nuevo Memorial lo han vuelto a consiguir. Y ya no me refiero concretamente a que cada vez facturen un disco mejor, que eso ya va un poco a gustos, sino más bien en la embergadura de la banda, la habildad y la calidad a la hora estructurar unas composiciones, cada vez más intrincadas, que se rifan entre la contundencia y la ensoñación con una fiabilidad prácticamente perfecta.

 

Facturando un nuevo disco más frío y calculado que su anterior Empros, Memorial amplia y engrandece algunas de las facetas del combo además de mostrar nuevas emociónes instrumentales por la ambientación y la catársis sonora. Conocidas cualidades de la banda que se muestran en mayor medida en un disco que respira épica y grandilocuencia por los cuatro costados, de la misma manera que interioriza un oscurantismo y una siniestralidad que roza la belleza de la melancolia.

 

El próximo Viernes los tendremos por Barcelona en un directo en el que también podremos contar con la enigmática presencia de Chelsea Wolf como telonera, la cual colabora con ellos en este Memorial cantando el último tema que además es el que da nombre al disco. Rezo porque salga al escenario con ellos a cantarla para acabar de derretirnos a todos como es debido. Su fantasmagórica voz y su manera de interpretar el tema desde la lejanía le confiere un halo de misterio gótico a la canción que te emociona sobremanera.

RED FANG (2013) Whales And Leeches

 

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Tras una de las portadas más guapas del año, su edición en vinilo deluxe lleva un arte holográfico que es de flipe infinito, se esconde uno de los discos más esperados del año de una de las bandas más emergentes de la actualidad. El cuarteto de Portland llamado Red Fang, practicantes de la religión del sludge, regresan con su tercer disco de estudio con el que es, sin duda, su obra más ambiciosa y variada hasta la fecha. Y todavía no estoy diciendo el mejor porque su segundo disco lo tengo en un altar, pero tiempo al tiempo que esto apunta igual de alto o más.

 

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Llevando sus tres extremos más evidentes hasta nuevos límites de calidad, más contundencia, más melodía y más variación en los ritmos y en la experimentación de sonidos, la producción rugosa, grave y oscura les confiere, por momentos, una nueva piel en la que parecen estar realmente cómodos. Nuevos horizontes musicales y las muy acertadas entradas y salidas del estilo en las composciones, convierten a este Whales And Leeches es un disco realmente especial. Dawn Rising es uno de los ejemplos más claros. Tanto la instrumentación del tema como el enfoque vocal que nos ofrecen, es toda una nueva dimensión en el, en principio, limitado universo en el que habitaban los Red Fang hasta hace un par de años.

Seguimos disfrutando de unos Red Fang gamberros y desenfadados como en la infalible Blood Like Cream o la bailonga This Animal. Pero es más que evidente que los Red Fang han madurado mucho su sonido y su actitud para conseguir facturar un disco más serio de lo esperado, pero tambien más sorpresivo y mejor. Si este año el estilo ya nos había traído cosas tan gordas como los últimos discos de Lord Dying, Black Tusk, Jucifer, Coliseum o los recientes Seven Sisters Of Sleep, ahora tenemos que añadirle este de los Red Fang como uno de los primeros de la lista.

APOCYNTHION (2013) Sidereus Nuncius

 

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Sin duda alguna, Apocynthion son mi descubrimiento de la semana. Después de enterarme que los teloneros de los God Is An Astronaut iban a ser los, para mi, desconocidos Apocynthion empecé a darles cera. Una sorpresa muy agradable que en directo se convirtió en una de las propuestas más interesantes más que he oído últimamente en el ámbito nacional, algo de lo que me di cuenta con las escuchas.

 

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El árido e inhóspito ambiente creado por la banda, tanto en disco como en directo, contrasta sobremanera con la dulzura y la delicadeza de unos pasajes que engrandecen de manera, casi catárquica, unas composiciones ya de por sí muy holgadas en minutaje. Nombrar a tu obra como el Mensajero Sideral de Galileo Galilei ya es suficientemente épico, pero si además consigues estar a la altura astral de tan añejo tratado, la cosa toma formas realmente colosales.

 

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Su estilo está enraizado en la nueva vertiente post-black representada por gente como Alcest o Wolves In The Throne Room. Una vertiente en la que a través del shoegaze, el ambiental, el black, el post-rock, el post-metal, el folk y el kraut, cada uno representa su personal y única visión de la escena. Apocynthion tiene mucho que agredecer a sus influencias, pero también puede sacar pecho gracias a una obra que se representa únicamente a ella misma y a la banda. Una banda a tener muy, pero que muy en cuenta, si hubieran nacido en USA o en Noruega se estaría hablando de ellos hace tiempo.

ANNEKE VAN GIERSBERGEN (2013) Drive

 

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Siento mucho el desplante de ayer, no es mi estilo y lo sabéis, pero últimamente quiero llevar demasiadas cosas a buen puerto, incluyendo los dos blogs que hago y la revista Horrorvisión ahora me he añadido aún más faena, y no tengo tiempo físico para todo. Además, ayer estube en el concierto de los Apocynthion y los God Is An Astronaut y quedé realmente exhausto de tanta descarga de watios bien contundetes y preciosas melodías sobre mi persona. Cuando llegué a casa era ya muy tarde, pero creo que la compensación de hoy, bien vale la pena el desplante de ayer, jejeje.

 

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Es curioso lo que son las cosas, el nuevo disco de Anneke acaba de pisar el mercado internacional, de la misma manera que lo ha hecho lo último de sus ex-compañeros de The Gathering. Si tengo que decidir ahora mismo, y con algo de pesar en mi corazón, el de Anneke se lo come por los pies y no deja ni miguita de el de The Gathering, y eso que tenía puestas todas mis esperanzas en lo nuevo de los hermanos Rutten después de que su anterior Disclosute no pudiera catalogarse menos que de obra maestra indiscutible.

 

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Anneke lleva años sacando discos con su nombre de manera regular, éste Drive creo que es el cuarto disco en solitario que firma, regalándoles a los antiguos fans de The Gathering, y a otros tantos que ha podido ir cazando por el camino, disco tan sinceros, emocionales y vistalistas como ella misma. Drive es posiblemente la sublimación de ese estilo tan personal de pop-rock que practica Anneke impulsado por una fuerza y bellaza tan arrebatadora que te encandila desde la primera nota.

Canciones preñadas de una luminosidad, un positivismo y unas buenas vibraciones, que no puedes más que dejarte llevar por la dulce voz de Anneke y disfrutar sin remisión de temas tan redondos como..., no sabría decir uno en concreto ya que tendría que nombrar los 10 que componen el disco como singles más que válidos para presentar el disco. Anneke está enorme y ha conseguido facturar su mejor disco hasta la fecha, esto se le tendrá muy en cuenta a final de año. MUST HAVE!!!.

EARTHLESS (2013) Fron The Ages

 

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El guitarra Isaiah Mitchell, el bajista Mike Eginton y el batería Mario Rubalcaba, se han vuelto a reunir en el estudio después de 6 años, para componer la continuación de aquel impecable Rhythms From A Cosmic Sky. Un disco que los coronó como los reyes indiscutibles del stoner rock intrumental de calado cósmico y psicodélico. Una pena que no continuaran con mayor prontitud ya que su status se ha visto mermado con los años, pero he de admitir que la espera ha valido la pena, y mucho.

 

Si en el anterior redondo nos presentaban tan sólo 3 temas de duraciones estratosféricas, en este se han tirado al rollo y han querido poner la friolera de 4 temas que se expanden a lo largo y ancho del cosmos ocupando un tiempo humano de más de una hora, y un tiempo astral realmente infinito e incalculable. Perderse en las inconmensurables progresiones de estos tres maestros de las emociones espaciales es algo inevitable y obligado durante este From The Ages.

 

Con un punto menos de psicodelia que su predecesor y un punto más de inspiración terrenal, el trío vuelve a demostrar una calidad y una experiencia a los instrumentos que, de nuevo, elimina por completo cualquier posibilidad de incluir, en tan tamaña demostración de destreza y dinamismo musical, cualquier atisbo de registro vocal inútil e intranscendente para las sesiones jameadas de pura lisergia cósmica que se cascan los Earthless. Recuperando el trono con mayúsculas.