AMORPHIS (2011) The Begining Of Times

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Vamos a obviar directamente la primera e insuperable época de los finalndeses Amorphis, vamos a obviar también esa segunda época que empezó con el discutido Tuonela y que nos llevó hasta el impecable, y comienzo de una nueva dentro del seno del grupo tanto en esencia como en formación, Eclipse del 2006 que los confirmó como una banda de una solidez impecable y una visión musical única e inimitable.

Después del nivelazo mostrado en el 2007 con el Silent Waters y subirlo hasta el puto cielo en el anterior Skyforger enfrentarnos a este nuevo The Begining Of Times se prensetaba como una tarea realmente complicada. Mi veredicto después de haberle pegado como unas 15 escuchas es que la melodía y el carácter folk de su música ha suplantado en gran medida a su vertiente más oscura y dura iluminando continuamente sus nuevas composiciones con cantidades ingentes de infecciosas melodías que se instauran desde el primer momento en tu cabeza.

Habiendo bajado el nivel técnico de sus composiciones, que por otra parte han ganado enteros en accesibilidad, sus habilidades progresivas también son más vistosas dándole ese aspecto casi pop a algunas partes de sus canciones en las que de nuevo su vocalista Tomi Joutsen se vuelve a mostrar con una versatilidad inhumana a la hora de alternar todo tipo de registros melódicos con su, aquí poco visitado, berrido gutural. Me ha llegado al alma ese camiseta de Ghost que lleva el vocalista en la foto, je je je.

ARCH ENEMY (2011) Khaos Legions

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Empezamos la semana con una sonrisa de oreja a oreja premio al esfuerzo de las caóticas hordas lideradas por la imprable Angela Gossow, pese a quién le pese es una de las mejores voceras femeninas del metal extremo, que de nuevo bajo la técnica mirada de los hermanos Amott a las gráciles aunque sanguinarias guitarras, Sheerly D'angelo al bajo y Daniel Erlandsson a los parches han conseguido componer el que desde ya es el mejor disco de death melódico del año con una diferencia abismal.

Posiblemente sus detractores volverán a incidir en lo mismo, la linealidad y la poca originalidad que destilan sus canciones y el brutal parecido que hay entre sus discos siempre ha sido el arma a blandir por sus múltiples enemigos, y por supuesto nada más lejos de la realidad, el problema aquí es que los que los amamos incondicionalmente blandimos la misma arma con un orgullo descomunal. ¿Quién en su sano juicio podría prescindir en las canciones de Arch Enemy de esos riffs como hachazos, esa técnica incomensurable y esos solos tan grandiosos y emotivos capaces de hacerte saltar las lágrimas de la emoción?, ja ja ja, yo vuelvo a comprar más de lo mismo con un gusto inhumano.

Inclinando cada vez más sus canciones a la melodía y la accesibilidad sin que por ellos nunca se vea resentida su imparable capacidad destructiva liderada por un groove aniquilador este Kaos Legions vuelve a incidir en los solos imposibles, los cambios de ritmo impredecibles, los dobles bombos atronadores y los ritmazos adictivos como la adrenalina consiguiendo depurar cada vez más su fórmula y volviendo a refrescarla lo justo para no sonar repeititva. Puede que necesiten un cambio de orientación pero si siguen facturando discazos tan contundentes como este Kaos Legions con esta regularidad a mi ya me vale.

DANGER MOUSE & DANIEL LUPPI (2011) Rome

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Muchos de vosotros ya sabréis de mi desmedida devoción por todo lo que hace mi productor favorito Danger Mouse, allá dónde vaya siempre le seguiré, pero el especial grupo que ha formado para darle forma a su nuevo proyecto musical es de esos que quita el hipo. Vayamos por partes, ¿qué hacen juntos el productor americano Danger Mouse, el artista italiano Daniele Luppi, la intérprete de jazz Norah Jones y el rockero Jack White?, pues nada más y nada menos que ponerse de acuerdo para firmar un disco inspirado en los spaghetti western de los 60 para uso y disfrute de los más añorados.

Este es uno de esos discos a los que se les quedan pequeños cualquier tipo de adjetivos para intentar describir la belleza musical contenida en su interior, exquisito, excelso, precioso, admirable, evocador, ninguno de ellos parece estar a la altura de este incomensurable Rome. Un Rome que es capaz, contando solamente con 30 minutos de sesión, de transportarte a los dorados años en los que las bandas sonoras de las películas eran igual o incluso más grandes que ellas mismas, un tiempo en el que Ennio Morricone fue el maestro indiscutible de un género que él mismo ayudó a crear a través de sus peculiares e inigualables partituras, un reinado y un legado todavía sin ser superado.

Gracias a la inestimable ayuda de algunos de los mismísimos músicos que estuvieron aportando su calidad en las bandas sonoras de Morricone en las que está inspirado el disco, a ese toque vintage que le ha dado su producción totalmente analógica y por supuesto al contraste vocal que supone la aterciopelada voz de la Jones en total contraposición con el eléctrico y visceral registro del señor White hacen de esta auténtica maravilla sonora el mejor y más acertado experimento del año, en el que no olvidemos vuelve a estar metido hasta las cejas Brian Burton. Un documento irrepetible y de un valor incalculable, firme candidato a disco del año.

CAVE IN (2011) White Silence

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Formados a mediados de la década de los 90 en plena ebullición y transformación del género hardcore tal y como lo conocíamos hasta el momento y siendo ellos unos de los tantos precursores de varias de las ramificaciones en las que ha ido derivando el hardcore, noise-core, math-core, metal-core, y demás distorsiones del género, hace ya la fríolera de 6 años desde que los de Stephen Brodsky nos entregaran su testimonio final en forma de disco, el llamado Perfect Pitch Black, dónde nos dieron otra buena muestra de la indomable versatilidad que posee este imprescindible combo.

Descolgándose el pasado 2010 con una pequeña recuperación de caras-b que nos puso a todos la miel en los labios el cuarteto formado en la actualidad por Stephen Brodsky, Adam McGrath, Caleb Scofield y John-Robert Conners ha decidido, para deleite de sus seguidores que no son pocos, volver al estudido para parir este pedazo de puñetazo directo al mentón que por lo menos a mi he dajado totalmente noqueado desde el primer momento. Estoy de acuerdo en que el disco se ha de dejar cocinar a fuego lento para degustarlo en toda su magnitud, pero ese comienzo de sesión con dos pepinazos del calibre de White Silence y Serpents es capaz de poner en pié con el puño en alto a cualquiera.

Como suele pasar con los Cave In cada nueva aventura musical en la que se ven envueltos suele ser completamente diferente a la anterior y diametralmente opuesta a la siguienta conservando tan sólo una esencia inequívoca que los hace absolutamente únicos y privilegiados a la hora de componer temas tan emotivos y esperanzadores como crudos y descorazonadores con una credibilidad intachable, y por supuesto este White Silence no iba a ser menos. Otro impecable ejercicio de libertad creativa y destrucción de etiquetas como este no puede caer en el olvido y por lo tanto yo declaro desde las Píldoras Musicales que este White Silence es la reunión más honrosa y clamorosa del año y por su puesto otro de los grandes candidatos a ocupar la preciada lista de las Píldoras.

BON IVER (2011) Bon Iver

(he quitado el link por culpa de blogger, si alguien lo queire que me pegue un toque en el charloteo o mi contacto del facebook)

Con un disco tan bonito, cautivador y emotivo como su precioso arte de portada indica Bon Iver han vuelto a hacerlo, han vuelto a emocionarme hasta cotas inimaginables con su descaradaramente hermoso indie-folk de aires sedantes e inconfesables arreglos envuelto alegremente en embrujadas melodías y voces delicadamente sinuosas que se desprenden de éste irresistible disco autotitulado de los de Wisconsin. Nunca suelo empezar un comentario con tanto ímpetu y soltando del tirón mis impresiones sobre el disco pero ha sido el desbordante torrente de emociones que me ha producido la ansiada escucha de éste segundo disco de los de Justin Vernon, recordemos que en el 2008 Bon Iver nos dejaron esa joya imperecedera de folk atemporal llamada For Emma..., que he pensado que lo mejor era soltarlo así sin más.

Dotado de una instrumentación que sobrepasa el calificativo de excelsa y de una desbordante creatividad fruto de horas de meditación personal y auto análisis la mente de Justin vuelve a ponerse al servicio de sus antojos musicales desgranando una colección de canciones que lindan entre la magia de la psicodelia folk y la más deliciosa y dulcemente rebuscada experimentación de los sonidos pop consiguiendo un disco tan personal como accesible en el que de nuevo su angelical voz adorna a la perfección su ténuemente iluminado universo al que estamos todos invitados para disfrutar sucumbiendo irremediablemente a sus deliciosos placeres levitatorios.

No voy a decir más que ésto es un disco de escucha obligada para cualquier amante de la música sin etiquetas, por que esto no es folk, no es indie y no es pop, esto es simplemente Bon Iver, una banda a la que las etiquetas y los estilos les quedan pequeños, o cuanto menos ajenos a su manera de funcionar y de transmitir. Elevadores natos del espíritu humano.

ARCTIC MONKEYS (2011) Suck And See

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Me niego en redondo a hacer una presentación formal de los intachables Arctic Monkeys, si alguien no ha tenido todavía la suerte de toparse con ellos, mis absolutos favoritos de esa elitista y más que rentable hornada de bandas inglesas de rock de principios de la década pasada, todavía no conoce a los auténticos dueños y señores del rock mainstream inglés a los que aún saliéndoles su disco más discreto y simplón hasta la fecha siguen siendo capaces de barrer de un plumazo a las mayoría de bandas del planeta con su imponente y cambiante manera de hacer rock del de toda la vida.

Con una imperiosa e inequívoca capacidad para hacerte sentir bien, aunque yo diría extasiado, los Monitos Árticos han decidido poner en funcionamiento a todo tren su faceta más desenfadada y pop regalándonos el que podríamos calificar como el disco bonito de los hijos pródigos de Sheffield. Algo que por otra parte ya quedó bastante claro con su simple pero efectivo single de presentación Brick By Brick. Dándole a las canciones un potente bronceado solar y dejando fluir el rock playero a través de unos estribillos pop de infecciosas melodías que nos hacen olvidar casi por completo su anterior aventura desértica bajo la atenta mirada de Josh Homme, este Suck And See es tan refrescante y adictivo como una Coca-Cola en pleno verano.

No os vayáis a pensar ahora que los Monkeys han dejado de rockear que de eso nada, aquí sigue habiendo intensos pepinazos de tres minutos marca de la casa, pero como bien nos tienen acostumbrados los de Alex Turner su loable capacidad para reinventarse a ellos mismos y volver a sonar tan contundentes y convincentes como siempre es absolutamente indiscutible. Simplificando las cosas y retozando en el pop sin ningún tipo de complejos podemos decir alto y claro que una vez superadas esas primeras escuchas con las que probablemente nos quedemos un tanto fríos y a la espectativa de algo más sofisticado y creatvio por parte de estos auténtcos maestros se acaba convirtiendo en su infalible arma para volver a acorralarnos durante meses con su impecable capapcidad de seducción.

PLACTON (2011) Paroxismo Ep

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Paroxismo Ep
Obra de arte interactaivo: Obra abierta

-Cada copia de Paroxismo Ep es una pieza única de una serie limitada de ejemplares. Placton y Riot Über Alles han creado una obra musical y un objeto artístico que requiere de la intervención del espectador para verse finalizado en su formato físico. ¿Cómo? La copia que tienes en la mano, está manufacturada, sellada y firmada por los propios artistas. Además está cosida y bañada en cera, por lo que debes rasgar la capa de parafina y cortar los hilos de la caja para acceder al CD y a la vez terminar la obra y darle su aspecto final.-

Dicho texto venía escrito en un papel que estaba literalmente colgando de un hilo cosido a una caja de cartón de aspecto reciclado y bañada en cera a la cual por supuesto no me pude resistir después de leer una premisa tan original y atractiva. Registrado bajo, las últimamente bastante frecuentadas por los artistas tanto noveles como consagrados, licencias de Creative Commons el artista barcelonés Placton se nos presenta con este reducido, aunque muy intenso, Ep de 5 temas en el que la experimentación y la libertad creativa son utilizadas como valiosas armas.

Raül Bonilla ha sido capaz, con la inestimable ayuda de su portátil, un micrófono y mucha paciencia en el estudio, de forjar un Ep que inevitablemente nos remite al ruidoso y mugriento grunge de princpios de los 90 pero al que por otra lado ha conseguido darle un sello inequívocamente personal e intrasferible que cogiendo como reflejo ese sonido de bandas como Sonic Youth o Mudhoney ha sabido llevárselo a su terreno y trasnformarlo en un continuo quejido de guitarras distorsinonadas que se entremezclan con todo tipo de refrescantes melodías que emanan de todo tipo de extraños arreglos entre los que podremos encontrar una caja de piedras, pulseras o lápices. Una más que curiosa e interesante carta de presentación para un artista al que desde ahora voy a seguir muy de cerca.

BEARSUIT (2011) The Phantom Forest

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Otra de esas bandas que no tenía para nada fichada son estos art-rockers ingleses llamados Bearsuit que al parecer llevaban la friolera de cuatro años desaparecidos del mapa para finalmente volver con éste más que jugosón The Phantom Forest con el que me han cautivado desde la primera escucha con su controlada locura y su adictiva e impactante creatividad. Apoyados claramente en los sonidos sucios y los sampleados desfasados sus composiciones son el resultado de mezclar y juntar sonidos y voces partiendo de una melodía enganchosa que circula por todo el tema regalándos extraños pildorazos de pop alterado de lo más curiosón.

Escogiendo prácticamente un estilo diferente para cada tema con el que alterar esa vertiente pop tan acentuada que poseen por el disco circulan aires punk, rock, indie, electro, surf y demás menudeces para componer un auténtico festival musical multicolor con el que nos deleitan tan sobradamente los de Norwich. Un festival que no dejará de sorprenderte con sus continuos cambios de rumbo y desafíos musicales a los que el combo se va sometiendo durante los cortísimos 36 minutos que dura.

Por lo que he podido leer en la red este disco supone un nuevo comienzo para el combo que durante estos años de sequía ha sufrido varios cambios en la formación sustituyendo algunos elementos orgánicos por esos sampleados desfasados que tan bien saben utilizar en el momento oportuno estos infalibles Bearsuit. No se si es pronto para encumbrarlos como mi gran descubrimiento del año pero en cuanto me chupe sus anteriores obras os cuento...

MANCHESTER ORCHESTRA (2011) Simple Math

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Hoy nos presentamos ante una de las reválidas más complicadas del año después de que los grandiosos Manchester Orchestra facturaran en el 2009 uno de los mejores discos de ese año, el ineludible Mean Everything To Nothing, un disco al que todavía acudo para disfrutar de sus infecciosas melodías y sus imberbes estribillos revolcándome de placer absoluto con sus redondas composiciones capaces de alegrar tus días más oscuros.

Pues bien, tal y como comentaba ayer este es sin duda el año de los grandes cambios y los Manchester Orchestra no se han quedado atrás. Adquiriendo un nivel de maduración compositiva enorme y despojando a sus composciones de cualquier regusto juvenil y simplista los de Atlanta han cogido el toro por los cuernos y han parido una obra más grande que ellos mismos encumbrándolos con todos los honores como la mejor metamorfosis musical del año hasta la fecha.

Regalándonos otro de esos discos de cocción lenta que tanto nos gustan en las Píldoras una atmósfera misteriosa y semi-siniestra impregna unas composiciones en las que el rock y el folk se dan la mano en un viaje lleno de épicos arreglos acentuando su lado más emotivo y desgarrador. Un disco menos pop, menos accesible, pero mucho más elaborado y por ello más duradero en el tiempo, un disco capaz de crecer paso a paso hasta convertirse en uno de los grandes es este poblado 2011 y si me apuras de este nueva década que acabamos de comenzar,a este paso imparables.

DREDG (2011) Chuckles And Mr. Squeezy

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Hoy toca comerme mis palabras de nuevo como en tantas otras ocasiones, me explico. Resulta que los Dredg, desde sus principios con su intocable Leitmotif hasta hoy en día, se han convertido, a fuerza de discazos incontestables e inclasificables, en una de mis bandas de cabecera imprescindibles, de esas que no pasa un mes sin que acuda a una de esas inconmensurables e inagotables obras de orfebrería musical que solamente ellos son capaces de parir con tanta emoción y fuerza. Tanta es mi pasión por los de California que aún pareciéndome uno de los discos más flojos del año en sus primeras escuchas Chuckles And Mr. Squeezy se ha convertido, a fuerza de tesón y confianza, en otro de mis favoritos del año.

Al parecer este es el año de los cambios de rumbo considerables en algunas de mis bandas claves, por una lado tenemos el giro espacial de los Thursday, por otro el de los intachables Incubus y ahora le ha tocado el turno a los Dredg. Lo suyo siempre ha sido sortear con bravura el metal alternativo y el rock de alto copete con una naturalidad pasmosa y una credibilidad impresionante pero escuchando su último disco nos damos cuenta que nada queda de ese metal alternativo marca de la casa y poco y menos de ese rock de aires épicos y grandilocuentes, ese ha sido el gran escollo que me he encontrado en las primeras escuchas. Escollo en el que ha tenido mucho que ver el productor Dan The Automator quién ha transformado el sonido orgánico de los Dredg en algo mucho más sintético e irreal.

Una vez superado el escollo me he encontrado con un disco en el que el pop, la experimentación y la relajación juegan los papeles protagonistas en este melancólico y adictivo festival de claroscuros en el que de nuevo la voz de Gavin Hayes nos guía a través de sinuosas y letales melodías que se acaban instaurando en tu memoria cual germen en continuo desarrollo. Un camino más difícil y tranquilo de el que nos tienen acostumbrados pero es esa esencia inequívoca de los Dredg que continua latente en sus nuevas composiciones la que hace que este disco valga la pena de verdad, yo compro!!!.

AUTOPSY (2011) Macabre Eternal

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Seguimos aniquilando neuronas y sin salirnos de los preceptos del metal extremo en sus mejores representaciones hoy venimos con uno de los regresos más sonados, y más deseados por un servidor, en la escena death metal mundial con los que fueron uno de los más importantes y significativos combos en el estilo a finales de la década de los 80 liderados por el mítico Chris Reifert y a los que, bajo mi punto de vista, nunca se les dió la impotancia merecida. Desde la soleada California han regresado mis adorados Autopsy con un disco capaz de ponerse a la altura de sus pasadas y valiosas obras.

El tándem Reifert-Collares vuelve a demostrar una compenetración y una capacidad creativa desbordante recuperando por completo ese personal e inimitable sello que siempre ha marcado las composiciones de los Autopsy. Un demoledor amasijo metálico en el que el pútrido y desespeado registro de Reifert es el absoluto protagonista del desfase aquí hay cabida tanto para el death mas gutural y putrefacto como para el doom, el hardcore o el punk haciéndonos retroceder en el tiempo a los años dorados de los mejores Autopsy, una autényica gozada.

Con un breve pero más que intenso legado capaz de superar con creces en calidad al de muchas y reconocidas glorias del estilo que simplemente se limitaron a copiar en más de una ocasión las obras referenciales de este imprescindible combo la única pega que le puedo poner a esta gloriosa reformación de los Autopsy es la posible desaparación de los también impresindibles Abscess en los que tanto Reifert como Collares seguieron su camino después de disolver a mediados de los 90 a los Autopsy. Siguen manteniendo su aura de leyenda.

NOVEMBER'S DOOM (2011) Aphotic

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Glorioso Martes en el que seguimos dándo rienda suelta a nuestro pasajero oscuro gracias de nuevo, como en incontables ocasiones, a las profundidades de los Ecos del señor Chtulhu al que en breve voy a tener que hacer sitio entre los altares a mis más oscuras deidades no-humanas para que pase a formar parte de mi selecto culto. Esto no podía haberme llegado en un momento mejor, entrando en un punto del trayecto en el que me sentía un tanto agobiado por tanto buen rollito y estribillos pop cargados de espinillas este pesado y demoledor Aphotic de los estadounidenses November's Doom ha resultado ser la bocanada de aire fresco que necesitaba entre tanto pastelazo musical.


November's Doom son una de esas bandas a las que conozco de oídas por el importante peso específico que tienen en la poblada escena doom, pero tengo que admitir que son una de esas asignaturas pendientes que siempre dejas para el final por que sabes que te encanta y que te la vas a sacar con la punta de la polla pero que finalmente nunca le dedicas el tiempo debido y sigue quedando pendiente. Algo a lo que he decidido ponerle inmediato remedio empezando por este mastodóntico Aphotic en el que stoy sumergido hasta la coronilla.


Con una más que loable habilidad par mezclar la contundencia más indomable del death, la pesadez del aplastante rodillo del doom y las melodías más elegantes y melancólicas Aphotic es, desde la primera hasta la última nota, un sólido bloque de granito impenetrable al que adornan muy acertadamente con todo tipo de guirnaldas siniestras que hacen de él una de esas preciosas oscuridades por las que me pirro tan fácilmente. Aunque para ser justos tendríamos que comentar la estudiada labor del maestro Dan Swäno a la producción, la impagable colaboración de la musa del metal Anekke Van Giersen y la grandiosa aportación al violín de la gran Rachel Barton Pine redondeado otro de esos pepinazos del año que ha conseguido encararmarse a las primeras posiciones del año en tan sólo 4 días.

LA BUENA VIDA (2001) Hallelujah!

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Puta Carretera!!!. Siento comenzar un Martes así, y también siento alterar el curso normal de las Píldoras pero la triste ocasión me obliga a rendir homenaje a una de las figuras clave en la creación y el desarrollo del llamado sonido Donosti y que sin lugar ha llenado horas y horas de mi existencia a través de su impagable aportación en los imprescindibles La Buena Vida. Ayer por la mañana me levanté con la demoledora noticia directamente en mi móvil, mientras dormía un colega me envió un Whatsapp al teléfono que ponía -el bajista de La Buena Vida ha muerto-.

La noticia de la muerte de Pedro San Martín me impactó de tal manera que múltiples momentos de mi vida pasaron de golpe ante mi mente en los que la banda sonora era La Buena Vida inundándo mis sentimientos con una tristeza irremediable. Al llegar al curro he acabado de creérmelo, ya estaba por toda la red, infinidad de muestras de cariño por parte de la comunidad musical nacional se sucedían y entre ellas una de concretamente ha llamado mi atención en especial, y esa ha sido la de Nacho Vegas.

Al parecer Nacho llamó a Pedro el fatal día para invitarlo a un concierto que él mismo realizaba en Burgos, por causas del azar, del destino, o simplemente por culpa de esta vida tan inusta, Pedro falleció por una fatal casualidad en el trayecto de ida hacia el concierto. Desde aquí me gustaría mandar todo mi cariño, amor y respeto a la familia y amigos de Pedro y un más que sincero apoyo a Nacho en estos difíciles momentos.

(Pedro San Martín 1971-2011)

Gracias por ponerle música a todos esos momentos inolvidables de mi vida Pedro... Nunca te olvidaré.

RIBSPREADER (2011) The Van Murders

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Empezamos semana y cambiamos de tercio radicalmente, después de unos días en continuos escarceos con el pop, el folk, el indie y demás luminosidades musicales resultando en el mayor flujo continuado de buen rollo que hemos sufrido en las Píldoras en mucho tiempo hoy regresamos de nuevo a la senda oscura por la puerta más grande y siniestra que he encontrado por la red estos últimos días. Un puerta con un guardián de sobras conocido en las abisales profundades del estilo.


Señoras y señores, álcense ante el gran Rogga Johansson, que ha vuelto para hacer lo que mejor sabe hacer, un death metal tan gordo, pesado y sangriento que es capaz de rivalizar tanto con la old-school más purista como con los pipiolos más imberbes de la escena, a este no hay quién se lo coma. Con una regularidad que no deja de asombrarme Rogga ha vuelto al estudio un año después del impecable último disco que nos dejó con los Demiurg retomando para la ocasión uno de sus proyectos más longevos.


Los suecos Ribspreader se formaron a principios de la década pasada y éste The Van Murders representa su cuarto largo en una impecable carrera liderada siempre bajo la mano firme del maestro Rogga quién para esta nueva animalada ha decido formar tándem con el batería de sus Grotesquery y viajar hasta Denver dónde Patrick Bruss (Impétigo, Deteriorot) ha mezclado y masterizado el disco además de aportar su talento a la guitarra. Una combinación explosiva a la que si le añadimos la calenturienta mente del retorcido Rogga que ha decidido aplicarle al disco el concepto de historia macabra sobre las despiadadas fantasías de dos asesinos llamados The Cleaner y Mr Filth y le sumamos el impecable diseño que ha corrido a cargo de Turkka Rantanen, quién ya había trabajado con Rogga en varias ocasiones realizando otro trabajo a la altura de su contenido, obtenemos el empaque perfecto para uno de los pepinos extremos más gordos del año.

Típico, clásico, de manual, se le podrá poner todas las pegas que quieras a esto, y probablemente estaré de acuerdo con la mayoría de ellas, pero lo que es innegable es que la capacidad creativa y la pegada extrema que muestra Rogga cada vez que le da por poner en circulación otra nueva obra maestra del death metal más cabezón y cavernoso sobre la faz de la tierra sigue intacta y creciendo en calidad y en cantidad con los años, algo que nos llena de gozo y satisfacción, ja ja ja. De cabeza a las posiciones privilegiadas de la lista con lo mejor del año, intratables!!!

RUSSIAN RED (2011) Fuerteventura

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Y si ayer os traía el disco nacional más esperado del año hoy vengo con el que por lo menos es el segundo más esperado, la también madrileña Lourdes Hernández, que irrumpió en el panorama indie español por la puerta grande con el deliciosamente gustoso I Love Your Glasses, ha decidido pasarse a las grandes ligas firmando un suculento contrato con la todopoderosa Sony con la esperanza de conseguir una más que merecida y mayor proyección en el mercado internacional.

Barajado en un principio Home Tonight el mucho más acertado título de Fuerteventura ha sido finalmente el escogido para bautizar al deseado segundo disco de esta joven artista de enorme potencial. Si en su debut nos encontrábamos con una tímida artista de valiosa voz capaz de emocionarnos hasta límites insospechados simplemente con su guitarra y un leve acompañamiento aquí nos encontramos con la Lourdes más festiva y campestre acentuando su faceta más folk.

Dejando respirar mucho mejor a las canciones gracias a su acuosa producción cuidadosamente ejecutada por el gran Tony Doogan (Mogwai, Belle & Sebastian, Superfurry Animals), quién ha puesto su estudio en Escocia al servicio de la madrileña, y añadiéndole sin temor una buena cantidad de instrumentos, arreglos, coros y demás lujazos a cargo de algunos de los músicos de Belle & Sebastian instalados también en el estudio, éste Fuerteventura consigue dibujar mucho mejor el estilo de esta artista encontrando una personalidad más definida llegando a un punto realmente refrescante con su nueva obra. Imprimiendo variedad y dinamismo a lo largo de sus pegadizas composiciones definitivamente supera lo mostrado en su debut que en ocasiones pecaba de monótono y un tanto lineal pero que ya mostraba claramente el potencial ahora desplegado con este sublime Fuerteventura. Que bueno que podamos disfrutar el disco antes de su inminente concierto la semana que viene en el Auditori de Barcelona, va a ser mítico.

PD: El siguiente en castellano y me muero de placer...