JACK WHITE (2018) Boarding House Reach

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Habiendo formado parte de uno de los dúos mas reverenciados por mi persona (y la de muchos otros) de finales de la década de los 90 y la primera década de los 2000 (The White Stripes), siendo partícipe de dos de los proyectos rockeros más interesantes de los últimos años (The Dead Weather y The Raconteurs) y habiendo colaborado con artistas tan dispares como incontables de todos los calados (A Tribe Called Quest, Beyoncé, Alicia Keys), la figura artística de Jack White puede considerarse prácticamente como imprescindible dentro de la actualidad rock de las últimos 25 años y, por supuesto, ineludible a la hora de nombrar las personalidades musicales más importantes, notorias, influyentes y referenciales de la música americana del nuevo nuevo milenio. Por todo ello y, sobretodo, por los tres fantabulosos discos en solitario que ha facturado en los últimos 6 años, poder verlo finalmente sobre las tablas de un escenario, evento imperdible que calará el primer día del Festival Cruïlla que se celebra en Julio en el recinto del Fòrum de Barcelona, va a convertirse en un momento sumamente especial para mí.

Con dos discos de estudio a sus espaldas facturados bajo su nombre artístico (Blunderbuss, 2012 y Lazaretto, 2014) John Anthony White vuelve a meterse en el estudio, esta vez han sido tres repartidos entre Los Angeles, Nueva York y Nashville, para facturar el disco más inclasificable y bizarro de toda su carrera. Gestado en un pequeño apartamento de Tenesse en el que White grabó todas las maquetas de las canciones en una grabadora reel-to-reel (magnetófono o magnetófono de bobina abierta) que adquirió cuando tenía 14 años, Boarding House Reach está plagado de sorpresas, matices y variaciones estilísticas de alto nivel y cierta complejidad haciendo de él una obra multidimensional, elástica y alucinógena a partes iguales con la que hay que estar dispuesto tanto a obviar las ideas preconcebidas que podamos tener sobre lo que nos deberíamos encontrar en un disco de Jack White como a sacudirse todos y cada uno de los complejos musicales que podamos tener antes de pegarle una escucha, dato a tener muy en cuenta.

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Forjado sobre la clásica base de rock y blues añejo a la que nos tiene bien acostumbrados White en casi todas sus personificaciones musicales y explotada febrilmente en su faceta en solitario, el música natural de Detroit se arma de valor para producir el disco, co-mezclarlo y tocar en él la guitarra, la batería, los teclados y los sintetizadores (ahí es nada) y en el que han colaborado varios músicos de estudio para darle forma a esta obra de orfebrería musicales de dimensiones casi cósmicas. Volcando su versatilidad estilística en cada uno de los temas convirtiendo algunos de ellos en descomunales collages musicales de alto nivel, el disco navega por el soul, el gospel, el funk, el jazz, el country, la experimentación electrónica, el spoken-word o incluso el rap sin sonar forzado en ninguna de sus vertientes y poniendo como testigo único e hilo conductor del disco su variado registro vocal (prácticamente todos los temas tienen efectos en las voces). Una maravilla de órdago a la grande. 

Curioso ver incluido al fin uno de los temas de White que más flirteos y novias ha tenido desde su primer esbozo en 2005 cuando Over And Over An Over iba a convertirse en un tema de los White Stripes para más tarde sonar como una posible colaboración con Jay Z o incluso oír campanas de su grabación en sus días junto a The Raconteurs. Me alegro mucho de que al final haya salido a la luz, lo merecía, y que haya sido precisamente en uno de sus discos en solitario.

Puntuación 9

BENJAMIN BOOKER (2017) Witness

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Enamorado de él hasta las trancas después de engancharlo dos veces en directo (una en sala y la otra en el festival) dentro del marco del Primavera Sound de hace un par de años, Benjamin Booker viene desde Nueva Orleans para deleitarnos (nuevamente) con su explosiva, delicada y deliciosa mezcla de soul, gospel y blues como nadie actualmente es capaz de hacer. Si bien es cierto que el sonido retro, ya sea en el pop, en el rock o incluso en el metal, está a la orden del día, la música se ha convertido en un compendio de ciclos estilísticos que suben y bajan segun la cantidad de bandas adscritas a ellos, pocos son capaces de resucitar y actualizar el sonido añejo del blues como Benjamin Booker (con el permiso de Jack White), un crooner afable, agradable, abrazable, pero también con ese punto amargo y contestatario indispensible para el estilo.

 

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No voy a decir que Booker haya conseguido hacer un disco radicalmente diferente u opuesto a su debut, cosa que sería bastante incierta, pero hay que admitir que aún retomando su propio estilo, Witness suena absolutamente refrescante, novedoso, actual y disfrutable desde un punto de vista algo más cercano al estilo que practicaban sus referentes de la vieja escuela. Dejando atrás al actual Ben Harper (con el que guarda bastantes similitudes) y a la altura del betún a otros que vinieron después como Jack Johnson (esa copia malformada de Harper que nunca acabó de llegar a las cotas de su referente), Benjamin Booker es uno entre un millón y eso, a día de hoy, es lo más parecido al oro puro.

 

Ampliando su paleta estilística considerablemente e inspirado en esencia por un viaje a Méjico que hizo Booker después del boom de su primer disco, Witness está impregnado sobremanera por la visión política que Booker se formó de EEUU después de conocer el movimeinto Black Live Matters (surgido a través de las redes socilaes en 2013), haciendo especial hincapié en el tema del racismo. Witness es un enorme paso al frente y en firme de Booker además de uno de los mejores discos del año.

Puntuación 9

 

PJ HARVEY (2016) The Hope Six Demolition Project.

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Teniendo que recuperar el blog una vez más, cada vez van más rápido en borrármelo, ésta vez me han deshabilitado hasta la cuenta de blogger, tampoco es la primera vez, pero como ya sabéis, yo sigo a las mías. Solamente un apunte, el nombre del blog, Píldoras Musicales 10, es debido a que, incomprensiblemente, el 9 ya estaba pillado y he tenido que subir un número más, para los que llevéis la cuenta lo digo, que fijo que no será nadie más que yo. Y si de algo nos podemos alegrar este fin de semana, aparte de haber asistido al concierto en el Palau Sant Jordi de Florence + The Machine, un bolo prácticamente perfecto sino llega a ser por la falta de volumen que acusaba la banda, es de la aparación, finalmente, del nuevo disco de Polly Jean Harvey, una de las musas más inglesas misteriosas de la indie-rock.

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Retomando su actividad 5 años después de su último asalto largo, el todavía muy presente en mi memoria Let's England Shake!, PJ Harvey regresa a la palestra por todo lo alto con un disco muy en la línea de su impresionante Stories From The City, Stories From The Sea del 2000, tomando ciertos paralelismos estilísticos al estar ambos muy influenciados por la música americana, y, de la misma manera que haría en aquel Primavera Sound de ese lejano 2001 en el Pueblo Español, la Harvey regresa al Festival Europeo por excelencia para deleitar a la ciudad Condal con otro de esos directos para los anales de música. 

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Sobre este The Hope Six D. Project diré que nos encontramos ante una Polly Jean bastante accesible, dentro de ese personal universo desvencijado e inconexo que saca a relucir siempre la inglesa en sus discos en mayor o menos medida, y accede de manera evidente a las raíces de la música americana a través de una instrumentación muy concreta y unos tempos muy volátiles. Honesto y crudo, pero a la vez esperanzador y embrujador, el noveno disco de estudio de PJ Harvey es un nuevo de pedazo de la peculiar y única visión de una artista de tan incomprabale e inclasificable como su propia música.

BENJAMIN BOOKER (2014) ST

 

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Sin duda alguna, uno de los mejores conciertos que vi en el pasado Primavera Sound, fue el del intérprete de Lousiana Benjamin Booker, y ya no el que vimos en el escenario Heineken dentro de los tres días grandes del Festival, sino el que dio en la sala Barts dos días antes del comienzo del Festival dentro del marco del mismo pero enmarcado en los conciertos pre-Festival que se celebran por la ciudad funcionando de la misma manera como precalentamiento, que como comodín para ver algunos de los grupos que se solapan durante los tres días grandes del Festival.

 

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Una noche que se convirtió en un lujo sin precedentes gracias a un Benjamin Booker pletórico,  sembrado y entregado al máximo con su público, incitándolo a la fiesta y al descontrol, topando frontalmente con la seguridad de la sala y llevando al límite a la misma provocando que el público se enfrentase al orden estricto de la sala y no cediera al empeño de, simplemente, pasárselo bien en un concierto sin ocasionar daños a nada ni a nadie. Estamos hablando de un cantante de blues, no estamos hablando ni de punk, ni de metal, ni de hardcore, ni de nada que se le parezca, se hace extraño que sólo porque la gente baile un poco más alocada de lo normal, la seguridad de la sala se imponga con tanta contundencia como lo hizo, lo nunca visto.

 

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Es cierto que la juventud del propio Booker y de la banda que lo acompañaba, de la misma manera que su blues garajero, epiléptico y nervioso, hicieron de catalizador para que el ambiente se caldeara al máximo, incluso se organizó un inocente pogo en las primeras filas, pero probablemente todo hubiera sido más fácil si Booker hubiera pedido calma en vez de seguir encendiendo a la gente contra la autoridad de la sala. Una experiencia que recordaba a como debería ser el blues en la época, peligroso, contestario, revolucionario, así es Booker, y así es su música.

JACK WHITE (2014) Lazaretto

 

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Segundo largo de Jack White (ex-White Stripes) en solitario y, de nuevo, un disco preñado de blues, rock, country, folk y raíces, muchas raíces americanas. Es su rollo, siempre ondeando la bandera de las típicas influencias americanas, aunque hay que reconocer que su ejecución siempre sorprende y suena absolutamente refrescante aún acudieno a tiempos tan remotos, y en este Lazaretto lo vuelve a hacer. Pero no es esa la única razón por la que este Lazaretto es un gran evento.

 

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La cuestión es que el disco, a parte de ser muy destacable en cuanto a la calidad del contenido se refiere, más o menos lo que cabe esperar de un artista consagrado como es Jack White, pero lo mejor del paquete en si, es, sin duda alguna, el continente. Me explico, si adquieres el disco en fomaro vinilo los incontables trucos que vas a encontrar en él lo convierten, directamente, en la pieza de coleccionista más preciada del año, con diferencia.

 

Paso a nombraros algunas de las cualidades y trucos exclusivos que han utilizado la gente de Third Man Records para ofrecer el nuevo disco de Jack White.

- La mezcla del disco en vinilo difiera de la del cd y la descarga digital.

- Vinilo de 180 gr.

- Tiene nombre propio, se llama Ultra-LP.

- Canciones escondidas que funcionan a 78 rpm. y a 45 rpm.

- La cara A se escucha de dentro hacia fuera.

- Ambas caras terminan en grooves cerrados.

- No ultilización de compresión de audio de ninguna clase en todo el preceso.

- Una de las caras contiene un holograma, el primero en un vinilo hasta la fecha.

Y alguna cosa más que no se como traducirlo exactamente para que suene bien en castellano, pero todavía tiene algunas características más extra. El disco sale el dia 10 de este mes, yo ya tengo mi reserva en Amazon.es.

THE SOULBREAKER COMPANY (2014) Graceless

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Empezar un Lunes con el nuevo disco de los vascos The Soulbreaker Company indica que el resto de la semana, en lo que al plano musical se refiere, va a ser del todo positiva, fructífera e inspiradora de la mano de este Graceless. Cuarto disco de estudio de esta impecable formación de Gasteiz que, sin que ello sirva como condicionante, les tocaba enfrentarse al mayor reto de su carrera, superar la sublimación como banda representada en su anterior Itaca del 2010, uno de los discos más maravillosamente trabajados que he escuchado en mi vida.

 

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Difícil lo tenían, como ya he dicho, pero, sin que todavía este Graceless haya conseguido superar a su predecesor, estamos hablando de tan sólo 5 escuchas y ya estoy seguro de que lo acabará consiguiendo, he de decir que lo que he sentido al escuchar el último disco de los Soulbreaker no se puede describir con palabras. Emociones a flor de piel en intensidades abrasivas, su calidad ya estaba fuera de toda duda, su capacidad creativa ya había superado cotas insospechables, su habilidad compositiva y su profesionalidad ya habían sido más que reprobadas, pero hacía falta este Graceless para decir claramente que estamos en posesión de una de las bandas de rock más grandes, importantes y maravillosas de los últimos 10 años.

 

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Capaces de competir en cualquier liga internacional en la que se atrevan a incluirlos, es aún más destacable su indiscutible capacidad para llevarse el oro sin vacilar sea en la categoría que sea. Si en su anteior Itaca ya descubrimos una capacidad de filtrar influencias y estilos impresionante, en este Graceless parece ser que esas influencias y esos estilos forman parte oficial de los actuales Soulbreaker Co. y brillan y lucen a placer en cada uno de los temas sonando mucho más actuales y disolviéndoles dentro de la personalidad del combo de una manera mucho más natural y única. Otro que competirá a final de año, seguro.

THE DOORS (1967) The Doors

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Hoy debería ser la noche de la fiesta, la noche en que comienza la semana del Primavera Sound, una semana que, a priori, no puede ser empañada por ninguna mala vibración que circule por el ambiente. Pero, sin que sirva de precedente, esta vez la alegría se ha tornado en tristeza al saber hoy mismo que el gran Ray Manzarek, teclista de los insuperables The Doors, ha sucumbido finalmente a su odioso cáncer.

 

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La pérdida de una personalidad importante del mundo del rock siempre es un shock, pero en mi caso, y con Ray, es algo más. Son horas y horas compartidas, emociones, momentos, mi vida. The Doors son la banda de mi vida y la banda sonora de mi vida, la que me lo enseñó todo, la que, gracias a ella, soy lo que soy en el plano musical de mi vida, un apasionado de todas las formas musicales. A día de hoy no podría concebir la música sin su aportación, pero sobre todos, Ray era el que más mérito tenía, puede que el carisma fuera de Jim, pero el cerebro y la calidad, venían servidos en una misma persona cuando se trataba de Ray. 

 

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Suplantar con tu teclado el bajo de una formación es cuanto menos arriesgado, pero si además es quien lleva la voz cantante en el apartado instrumental, la cosa ya se pone prácticamente imposible. Hasta el momento no hay ninguna banda que haya hecho lo mismo que ellos, nadie, y los pocos que se les han acercado, han planteado de manera muy difente el tema de los teclados. Nadie es comparable a Ray, nadie, su innata habilidad para dotar al blues de molodías pop de lo más infecciosas no tiene parangón y los discos de The Doors siguen ahí como testigo inequívoco de mis afirmaciones. A tu salud RAY!!!

GRAVEYARD (2012) Lights Out

 

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Esto no lo podía dejar pasar, no me lo podía permitir. Después de ponerlo por debajo del retorno de sus compatriotas Witchcraft, craso error, me lo he rallado hasta la saciedad y, como era de esperar, lo tengo que poner, cuanto menos, al nivel del Legend y, sin lugar a dudas, a la altura de su propio legado del cual no hay nada que reprocharles. 

 

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El problema que me he encontrado, ya lo he descubierto, es hacerme al ritmo del disco, y no al ritmo de las canciones precisamente, sino al propio ritmo del disco, me explico. El orden escogido por la banda para poner las canciones para mi es erróneo, no hay ninguna canción que no funcione, cada una por si sola es un hitazo incontestable ya sea de rock, de blues, mediotiempo, a toda caña, o semi-balada, da igual, estos pueden con todo, pero la alternancia de los tempos entre ellas hace que la sucesión en la que están puestas no acabe de encajar del todo.

 

He intentado explicarme lo mejor que he sabido, pero repito, aquí todo es glorioso, excepto el orden jejeje. La voz pletórica en todos sus matices y registros, y la banda suena con una profundidad y una personalidad exquisita que explota como una tormenta en los temas más concisos y se exprime hasta la extenuación en los más densos, una aunténtica maravilla musical. Ya se han confirmado la fechas de su gira por nuestras fronteras, como vengan con los Orchid como están haciendo por ahí nos va a dar algo, los Witchcraft por otra parte ya han confirmado hace tiempo.

THE BLACK KEYS (2011) El Camino

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Con dirección a Tenesse, y bajo la comandancia de el gran Danger Mouse, Dan Auerbach y Patrick Carney han firmado su séptimo disco de estudio titulado El Camino en las entrañas del blues y el rockabilly despojándose prácticamente del todo de ese regusto R&B que promovia su anterior y muy laureado Brothers del pasado 2010 abranzando de nuevo y sin tapujos la electricidad del rockandblues y el pegajoso y descarado sonido garajero para construir uno de sus discos más dinámicos y accesibles hasta la fecha gracias a ese punto de humor y positivismo que respiran la mayoría de los temas.

Como si de una máquina automática de soltar hits a destajo se tratase este El Camino empieza con ese delicioso adelanto que ya habíamos tenido el pacer de oir llamado Lonely Boy, de vídeo descacharrante por cierto, a partir del cual se van sucediendo los temazos uno tras otro dejando más de una sorprendente melodía y un estribillo facilón pululando por tu cabeza cual insistente mosquito que vuelve a explosionar tus hemisferios cerebrales con mucha más fuerza una vez vuelto a escuchar y así sucesivamente, hasta que llega un momento en el que tu mente y tu cuerpo no pueden parar de moverse a ritmo de estos incontestables temazos.

Con un desparpajo que asusta y una facilidad para firmar autentícos hits de solera bluesera lo de los Black Keys puede afectar enormemente a la lista del año poniéndose a la velocidad de la luz en las primeras posiciones, si con los días venideros no me deshincho está claro que una possición de excepción está reservada para este impresionante El Camino.

PAIN OF SALVATION (2011) Road Salt Two

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Y siguen cayendo algunos de mis discos más esperados del año, éste lo esperábamos para finales del pasado tal como se anunció pero nos tuvimos que quedar a dos velas, y hoy nos toca darle la bienvenida a los renovados Pain Of Salvation a los que, una vez salvadas las distancias evidentes con sus anteriores discos se han afincado en una cómoda posición de eternos duedores del blues y del rock de altos vuelos apartando ya definitivamente, aunque no sabemos si seguirán por la camino marcado por sus últimas dos carreteras saladas, sus escarceos metálico-progresivos y convertirse en una banda que rinde pleitesía por los cuatro costados a la época dorada del rock, los 70 por si alguien va despistado.

Lo primero que evidencia este Road Salt Two con respecto a su predecesor es que sus composiciones y la atmósfera que crean no es tan accesible ni inmediata, algo que a la larga juega en favor tanto de la banda como de las canciones ya que su crecimiento exponencial a medida que las vuelves a escuchar las coloca a un nivel incluso superior que las impecables composiciones que nos encontrábamos en el imperdible Road Salt One. No estoy diciendo que este sea mejor que el anterior ni viceversa, lo que digo es simplemente que la estructuración de los temas y su elaboración están más cuidadas y sobretodo mucho más rebuscadas y liberales.

Su carácter en conjunto como disco parece haberse acercado algo más al lado oscuro en sus intenciones, la portada del primero era blanca y la de éste es negra, incidiendo en la melancolía y la rabia interior con mayor empeño que anteriormente y devolviéndoles ese halo grisáceo y pesado que perdieron en su luminaria primera parte. Sin duda alguna otro de los intocables a la hora de valorar el año.

JOSS STONE (2011) LP1

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Lo primero que voy a decir en mi defensa es que llevo más de una semana escuchando a esta impresionante belleza inglesa sin tener abosultamente ni idea de su aspecto físico hasta que me he decidido a subirla al blog y he tenido que buscar fotos suyas para la entrada. Cual ha sido mi sorpresa cuando me he encontrado con tal pedazo de mujer, ahora me gusta aún más ese deje chulo y descarado que gasta en sus composiciones, doblemente impresionado y doblemente contento me ha dejado esta jovencísima cantautora que ya cuenta con 5 discos en su haber, tengo que admitirlo.

Escrito y producido junto al mítico David E. Stewart (mitad masculina del irrepetible dúo de synth-pop ochentero Eurythmics) quién estoy seguro ha sido el responsable de ese agradable tufillo rock que respira el disco, y grabado en la inspiradora ciudad de Tenesse la inglesa consigue imprimir una fuerte personalidad al disco gracias a su potente e indomable registro vocal capaz de emocionar y sugerir de la misma manera llegando prácticamente a la categoría de nueva diva del blues y el soul inglés.

Ahora solamente falta comprobar su calidad en directo ya que por lo que he podido leer, y como suele ocurrir con este tipo de artistas, Joss no es profeta en su tierra y ha decidido hacerse las américas para ver si por esos lares la cosa le funciona mejor, hay que decir que credibilidad y ganas no le faltan y con el padrino que gasta y el deje crooner que lleva tiene todos los números para triunfar por todo lo alto.

AMY LAVERE (2011) Stranger Me

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Durante esta semana y a raíz de la doliente entrada de ayer voy a intentar dedicar la semana a las féminas, hoy le toca el turno a esta cantautora de Memphis activa musicalmetne desde principios de los 90 y actuando con su proyecto en solitario desde mediados de la década pasada toca deleitarnos con su tercer disco de estudio llamado convenientemente Stranger Me dónde la artista consigue administrar sus variadas influencias de una manera mucho más ordenada y concreta creando una personalidad y un sonido en particular para cada composición.

Asociada siempre, como es normal, a la creciente escena americana del neo-folk y el country contemporáneo Stranger Me tiene mucho más que ofrecer que un simple y jugoso disco de country al uso envolviéndo las composiciones con ese halo de peligrosaidad que promueven los outlaws de las raíces más puramente americanas con añadidos del rock, del indie, el blues y del pop con un acierto apoteósico resultando un disco que poco a poco se está haciendo un merecido hueco entre los mejores del año.

Con una voz que me recuerda irremediablemente a mi amada Kristin Hersh de los Throwing Muses su personal e intrasferible estilo queda marcado a golpe de contrabajo en cada uno de los temas explotando espectacularmente su habilidad con el instrumento por el cual se hizo conocida en sus principios. Una delicada y a la vez lúgubre obra capaz de ofrecerte momentos tan reconfortantes como melancólicos con una facilidad pasmosa.

U.S. ROYALTY (2011) Mirrors

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En un momento en el que el rock de raíces está en su mejor etapa de revival un nuevo combo de nombre tan pretencioso como US Royalty y salido del mismísimo Washington DC vuelven a coger los intrumentos para poner el pasado en el presente gracias a su evocadora capacidad de plasmar en este debut llamado Mirrors la más pura esencia del rock añejo vestido de pop con sus mejores galas. No se dónde leí que los US Royalty son algo así como si los Strokes vistieran ponchos, se dejaran barba y escucharan a los Fleet Foxes en vez de a Iggy Pop, no me parece una descripción demasiado acertada la verdad pero me pareció lo suficientemente graciosa como para descubrir el enorme potencial que alberga esta jóven banda.

Con un vocalista de registro penetrante y capaz de moverse dentro de una escala tonal realmente sorprendente los US Royalty saben como exprimir a la perfección las enseñanzas de gente como Jefferson Airplane o Fleetwood Mac compaginando una diversidad de instrumentos que incluyen teclados, violines y panderetas mezclándose con ese marcado groove rockero y esa alma de blues que emana de las guitarras y la sección rítmica para uso y disfrute de los más nostálgicos. Algo parecido a lo que están haciendo bandas como Mando Diao o Graveyard pero desde otro punto de vista.

Todo un disfrute poder escuchar a bandas que mantienen tan dignamente el legado musical que tan buenos momentos nos ha hecho pasar y nos los seguirá haciendo pasar ya que la historia musical sigue viva de una manera inequívoca en el presente de bandas tan importantes como estos recién llegados US Royalty con los que llevo disfrutando a la largo de varias semanas sin previsión de agotar próximamente su infalible arsenal de adictivas Píldoras Musicales. ¿¿¿El debut del año???

GRAVEYARD (2011) Hisingen Blues

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Uno de los secretos mejor guardados de Suecia se conevetirá en breve en uno a voces depués de que el pasado 25 de Marzo saliera a la venta este maravilloso Hisingen Blues bajo el sello multitentacular Nuclear Blast quienes después de escuchar su ya lejano debut del 2007 bajo el sello independiente TeePee Records no dudaron en hacerse con sus genialidades firmando un jugoso contrato con el que esperemos pueden conseguir una mayor promoción y progresión ya que calidad y buenas canciones no les faltan.

De nuevo anclados en la época dorada del rock de alto octanaje, los 70's parecen volver a la vida escuchando a estos jóvenes dinosaurios del rock, recordándonos cada vez menos a sus maestros y poniéndole un mayor empeño en sonar, dentro de los cánones estándares que dicta el rock de esa época, algo más personales y originales para desmarcarse del ineludible estigma de bandas como tan importantes y reconocidas como Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath o Pentagram por nombrar al gunas de las influencias más patentes en su música.

Capaces de tirar del groove más cavernoso y visceral o envolverse del dramatismo más melancólico y conmovedor los Graveyard han vuelto a componer uno de los mejores catálogos de rock atemporal que podréis escuchar a lo largo de este muy frutífero 2011. Tanta es su genialidad que, con el permiso de la banda de los hermanos Robinson, hacía años que no recuparaba con tanta credibilidad esas sensación de rock intravenoso y añejo que tan bien transmiten los de Gotenburgo. Blues, hard rock, jazz, folk, metal tocados como si de los propios dioses de los 70 se tratara Graveyard se merecen convertirse en los auténticos salvadores de la época dorada del rock.

TOM JONES (2010) Praise And Blame

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Impresionante, enorme, enérgico, misterioso, abrumador, delicado, crudo, todos esos y muchos más son adjetivos que perfectamente le podemos aplicar a la nueva obra del inigualable Tom Jones (vamos a obviar las presentaciones), pero el que más peso tiene entre todos ellos es el de inesperado sin lugar a dudas. Inesperado por su sorpresiva salida de la que no tenía noticia alguna e inesperado también por la irreconocible metamorfosis que ha sufrido el llamado Tigre de Gales, tanto es así que si no fuera por su impresionante e inimitable chorro de voz nadie diría que estamos ante el nuevo disco de uno de los show-man de las Vegas más reconocible y añejo. Ha tirado por los suelos las americanas de lentejuelas y su pose de madurito seductor para ponerse el traje del crooner más áspero y creíble en un disco que se presenta crucial para su carrera ya que con dicho cambio de tercio muchos a los que siempre nos ha gustado la voz de éste enorme artista podremos disfrutar de él en un disco que realmente puede llegar a poner tus pelos de punta gracias al sentimiento y la pasión por la música que transmiten sus atemporales temas.

La palpable desnudez de la instrumentación y la austera producción casan a la perfección con la penetrante y sincera voz de un Tom Jones en la cresta de la ola demostrando que él también puede facturar uno de los mejores discos del año si se lo propone con sus 70 primaveras cumplidas, menuda máquina de hombre. Tampoco puedo hablar con una seguridad total sobre el resto de su discografía porqué no soy un entendido en ella pero estoy dispuesto a poner éste disco contra cualquier otro de los de Mr. Jones y estoy seguro que gana por goleada. El ténue gospel de la primera What Good I Am, compuesta por Dylan, borra de un plumazo cualquier recuerdo flashy y ostentoso de sus espectáculos cutres de los casinos de Las Vegas para entretener al personal y por supuesto cualquier colaboración bochornosa que pudiera haber realizado en su pasado y nos muestra a un Tom Jones redimido con su creador y dispuesto a dar una buena lección de cómo se hace un discazo de raíces negras cantado por un blanco como una torre y con una voz perfecta para todos los registros planteados en el disco, absolutamente magistral en todos los sentidos.

Seguro qué por éste me gano un buen rapapolvo del jodido Web Sheriff de los cojones pero me la suda, me siento en la imperiosa obligación de propagar las lindezas de éste disco porqué se lo merece y punto. Desde la primera escucha ya lo he metido en la lista de lo mejor del año, lista que crece por momentos gracias a la impresionante tralla de grandes discos que nos ha ido dejando éste 2010 a partir de su lento arranque. Aquí va un vídeo de uno de los temas del disco en directo en el show de Letterman, parece que algunos mejoran con los años...

THE SOULBRAKER COMPANY (2010) Itaca

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De nuevo tengo que agradecer a Cthulhu el descubrimiento de ésta enorme banda nacional de la que ya había leído maravillas de ella pero que todavía no me había decidido a catar por una cosa o otra. En el 2008 cuándo sacaron The Pink Alchemist su nombre hizo correr ríos de tinta en la prensa especializada pero ese continuo empeño de encasillarlos dentro del revival setentero me tiraba siempre para atrás, ya estamos un poquito hartos de tanto revival, y clones de Deep Purple y Led Zeppelin hay para aburrir. Pero cuándo te topas con un comentario tan efusivo en un blog del que te fías a tutiplén la descarga se convierte en obligada, cuánto menos para comprobar si la cosa es para tanto. Pues bien, para que entendáis la impresión que me causó la banda la primera vez que escuche el tema que abre el disco, una odisea espacial de casi 10 minutos llamada It's Dirt (firme candidata a mejor canción del año) en la que nos encontramos con una banda absolutamente insuperable, os diré que antes de que finalizara el tema ya había encargado mi copia en Cd a través de Alone Records.

The Soul Breaker Company está compuesta por Daniel Triñañes (acústica y eléctrica), Jony Moreno (voz, acústica y coros), Andoni Ortiz Domingo (batería), Jose Javier Manzanedo (bajo), Oscar Gil (Hammond, sinteizadores, piano, teclado y coros) y Asier Fernandez (eléctrica, acústica y voces), una formación que es una explosión atómica de creatividad ilimitada. No voy a negar que lo suyo es el rock de los setenta, ese es el punto de partida por supuesto, pero la titánica personalidad que presentan en éste Itaca hace desvanecer cualquier atisbo de similtud con cualquiera de sus mentores, su particular visión de esa época dorada del rock traspasa todas las barreras rubricando una obra totalmente por encima de cualquier espectativa, no me tiembla el pulso cuándo digo que Itaca se podría codear con los discos de los Doors, Zeppelin y Purple más míticos sin problemas.

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No voy a entrar en el disco en cuestión ya que por una parte se haría demasiado extenso destriparlo canción por canción y hacerlo de otra manera no sería justo, y por otra creo que es mucho mejor disfrutar del viaje sin saber demasiado por dónde nos va a llevar, se disfruta de otra manera si lo descubres por ti mismo. Firme candidato a mejor disco nacional del año.

THE BLACK CROWES (2010) Croweology

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The Black Crowes son la típica banda que ha vendido millones de discos, todo el mundo los conoce (aunque sea solamente de oídas) y además gozan del respeto de todo tipo de público, pues bien ya podéis empezar a darme de palos pero, aparte de un recopilatorio muy bonito con todos sus exitazos de antaño que me compré hace unos añitos, nunca antes había tratado de introducirme en su discografía hasta que el pasado año facturaron uno de los mejores discos de rock de raíces que he escuchado en los últimos años. Ese doble redondo llamado Before The Frost...Until The Freeze, de cuidadísimo diseño y canciones que supuran blues y folk por los cuatro costados, me abrió las puertas a una banda que, visto lo visto, hubiera sido capaz de codearse con los grandes de la época dorada del rock como Deep Purple, Led Zeppelin o cualquiera de esos dinosaurios intocables de antaño.

Cuando todavía me encuentro disfrutando de ese inagotable disco doble de los hermanos Robinson y en medio de su amplia discografía que estoy degustando poco a poco, nada me hacía presagiar que este mismo año otro disco doble iba a nacer de las manos de ésta fructífera banda. Croweology es, como bien indica su nombre, una cronología de sus grandes temas en formato de recopilatorio doble y de nuevo con una presentación de órdago. En un principio me pareció el accesorio perfecto para acabar de complementar su discografía, como mínimo un disco doble podía hacer algo de justicia a su basta discografía y sin pensarlo demasiado me decidí a comprarlo.

Cual ha sido mi sorpresa cuando me he dispuesto ha disfrutar de éste enorme recopilatorio y me he dado cuenta que no era una compilación de sus mejores canciones sino una regrabación de las mismas en formato semi-acústico y con la experiencia que dan los años. No puedo explicar con palabras la grandeza y la calidad que atesora ésta irrepetible banda, solamente invitaros a disfrutar de una de las experiencias musicales más enriquecedoras y auténticas que vais a poder disfrutar éste año y esperemos que en breve podamos volver a disfrutar de nuevos temas de los Cuervos. De nuevo tengo que dedicárselo a mis niñas que con éste seguro que tampoco fallo, Aru y Gis atentas a los Cuervos Negros.