65DAYSOFSTATIC (2016) No Man's Sky

 

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Con 5 discos largos, una más que correcta suma de singles y ep's, y dos bandas sonoras a sus espaldas (este No Man's Sky sería la segunda después de su reinterpretación del score de Silent Running), el cuarteto inglés formado a principios de la década pasada en Sheffield y compuesto por Paul Wolinski, Joe Shrewsbury, Rob Jones y Simon Wright, respondiendo al nombre de 65daysofstatic, ha vuelto a hacerlo, ha vuelto a conseguirlo, superarse una vez más con su último disco. Pensado, en principio, como la banda sonora de un juego (ciencia ficción pura y dura) que ya ha sido editado para PlayStation4 y que lleva el mismo nombre, No Man's Sky, la última acrobacia cósmica de los 65daysofstatic es una obra maestra de proporciones épicas. No voy a decir más de él más que para cualquiera que esté curtido en las lindes de la banda (o del post-rock de carácter electrónico, o de las bandas sonoras, o de la ciencia ficción) debería ser de obligado cumplimiento.

 

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Hoy he tenido la suerte de verlos por tercera vez en directo, y puedo garantizaros que vivir un concierto de 65daysofstatic es lo más cerca que uno puede estar de tocar las estrellas y  de poder viajar por el basto, desconocido y misterioso espacio exterior. Esa sensación, tan intensa, emocionante y única, es la que se tiene al dejarse llevar por esa intransferible fórmula que práctican los 65 en la que podemos reconocer coletazos de estilos tan variables como el post-rock, el math-rock, la electrónica, el jazz, el progresivo o el instrumental completando un lenguaje musical con el únicamente ellos son capaces de expresarse. Llegando a cotas tan altas de calidad y de originalidad que se han convertidos en sus únicos competidores (algo parecido a lo que ocurre con Explosions In The Sky o Sigur Ros), puedo afirmar y afirmo, que este concierto de 65daysofstatic ha conseguido situarse como uno de los 25 mejores que he visto en mi vida sin despeinarse.

 

Dotados de una expresividad musical arrolladora y capaces de provocar la catarsis emocional más descomunal de las posibles sobre un escenario, su pasional equilibrio cósmico, en el que confluyen gracilmente la luz y las sombras, los sentimientos y la técnica, lo eléctrico y lo digital, el caos y la dulzura, lo asincopado con la precisión, la maestría con la visceralidad y lo arrítmico con lo melódico, está expresado a partir de capas sonoras superpuestas, bases digitales sampleadas, tramas y subtramas musicales y toneladas de sonido espacial (la ciencia ficción es una de sus bases de expresión artística más recurrentes) que emergen y se sumergen a placer dentro de la base rítmica del tema llevando al oyente a un estado de placentera euforia consiguiendo ese sentimiento único e inimitable del que os hablaba. Ver un concierto de los 65 (muy cómodamente) en la sala Razzmatazz 2 de Barcelona (a 15 minutos de casa) con la calidad de sonido que han conseguido y por tan sólo 17 euros es un regalo que no se paga con dinero, sino con amor eterno e incondicional por los 65daysofstatic.

Puntuación disco 10

Puntuación directo 10

HANS ZIMMER (2014) Interstellar (Deluxe Edition)

 

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Creo que ya he dejado clara muchas veces mi pasión por las bandas sonoras tanto añejas como actuales, exponiendo mi adicción por gente como Alexandre Desplat o Ramin Jwadi, hoy toca hablar de un maestro de maestros como Hans Zimmer, sin lugar a dudas uno de los compositores clásicos más perfeccionistas y detallistas de la actualidad quien ha sido el elegido para ambientar la epopeya estelar de Christopher Nolan titulada Interstellar.

 

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He de admitir que la película de Nolan no me llegó lo más mínimo, no conecté con su lado emocional ni tampoco con su lado arty, eso hizo que mi atención por su banda sonora aumentara considerablemente durante sus dos horas y media de metraje consiguiendo que saliera algo más convencido de ella simplemente por tener una de las partituras más impresionantes y visonarias del género en los últimos años.

 

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Poco más se puede decir ya del maestro Zimmer que no se haya dicho ya, uno de los más habilidosos a la hora de saber mutar de piel con los estilos y los conceptos con los que tiene que trabajar en cada película ajustando a la perfección esa impresindible conexión mágica entre imágenes y música que tan bien sabe ejecutar, pero os puedo garantizar que estamos ante una de las mejores y mayores obras de Zimmer por la que, a mi parecer, debería haber ganado el Oscar a mejor banda sonora ex-aequo con la de Desplat. A disfrutar de lo único bueno y magistral que tiene Interstellar, su odisea musical facturada por el maestro Zimmer.

AMERICAN GRAFFITI (1973) Oldies But Goldies 41 Original-Hits (Original Soundtrack)

 

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Hace unos días localicé un vendedor por Facebook que intentaba deshacerse, por razones económicas, de algunas bandas sonoras en vinilo de su colección personal y entre todas ellas, nada menos que 150, conseguí sacar alguna que otra joya impagable como esta edición española de la banda sonora original de la película American Graffiti dirigida en 1973 por el maestro George Lucas en la que se contaba como su segunda película justo antes de petar a bombo y platillo con su monumental saga de Star Wars.

 

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Lo peculiar de esta banda sonora es que, exactamente lo mismo que recordamos en pantalla, camareras en patines, surferos, carreras de coches, pinballs, batidos de vainilla, helados de chocolate, hamburguesas, cines al aire libre y preuniversitarios vestidos de punta en blanco, es precisamente lo mismo que evocan las 41 canciones contenidas en su banda sonora. Una banda sonora que funciona de la misma manera como tal, que como recopilatorio imprescindible de los hits más sonados de la finales de los 50 y principios de los 60 en los que imperaba el pop, el doo woop y el rock n' roll más auténtico.

 

Posiblemente ya habría algún recopilatorio de la época que causara sensación, pero estoy seguro de que el primer revival de los 50 vino con esta película y con esta banda sonora. En ella nos encontramos con los temas más famosos de gente como The Platters, The Flamingos, Buddy Holly, Fats Domino, The Skyliners, Johnny Burnette o The Beach Boys. Quizás al único que se hecha en falta es al Rey, Elvis, y no fue por falta de ganas, Lucas lo intentó pero el pago de los derechos para incluir las canciones del Rey se salían del presupuesto estipulado y al final no pudo ser. Pero eso no quita que lo que tengamos aquí sea de un valor y de una calidad fuera de toda duda.

ALEXADRE DESPLAT (2014) The Grand Budapest Hotel Soundtrack

 

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El compositor de origen francés Alexandre Desplat lleva ya un tiempo afincado en los States realizando algunas de las bandas sonoras más europeizadas y originales de los últimos años. Piezas de orferbría musical como su partitura del último Godzilla, la maravilla de Syriana, que le valió una nominación a los Globos de Oro,  o su absoluta confirmación con la conquista de dicho Globo de Oro por su trabajo en la película The Painted Veil, han desembocado en un merecidísimo Oscar por su magistral partitura en el Gran Hotel Budapest de Wes Anderson. Película que se ha llevado 4 estatuillas a casa, la verdad que el último film de Anderson lo merece sobradamente. 

 

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Desplat ya había trabajdo anteriormente con Anderson (Fantastic Mr. Fox, Moonrise Kingdom) con unos resultados del todo excepcionales. Desplat sabe conjugar a la perfección el estilo de Anderson con su valía como compositor resultando en un matrimonio de lo más compenetrado y confiable, pero lo que han conseguido ambos con The Grand Budapest Hotel, es algo así como la fusión perfecta entre imágnes y música. Cuando Desplat y Anderson se juntan, la química hace el resto.

 

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Construída a partir de las mismas bases en las que se desarrolla la película, en la banda sonora podemos notar las claras influencias del espíritu victoriano y barroco de la música clásica, plagada de instrumentos de cuerda y de viento, de la misma manera que podemos disfrutar de las variopintas excentricidades de la música de Europa del Este con un marcado acento en el folklore ruso. Una calidad excepcional en las breves composicones y una variedad estilística que se encuendra dentro del marco paisajístico de la propia película, escuchar la banda sonora de Desplat es la manera más cercana de revivir la última obra maestra de Anderson sin necesidad de tener que volver a visionarla.

RAMIN DJAWADI (2013) Pacific Rim OST

 

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Vengo del cine de ver la peli del año, por no decir del milenio, jajaja. El proyecto, de entrada, ya tenía todos los ingredientes para que me llevara a las salas de cine, nuevo artefacto de Guillermo Del Toro (director fetiche), Charlie Hunnam (Sons Of Anarchy) en su primer papel protagonista realmente grande, Ron Perlman (Sons Of Anarchy, Hellboy, Cronos) partiéndola como siempre, y al prolífico Ramin Djawadi al servicio de la banda sonora, pero si a eso le añadimos robots gigantes jugándose los hierros con monstruos incluso más grandes que ellos, la cosa se convertía en mi peli perfecta, la soñada, a mi alcance, al fin.

 

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Pues bien, no voy a descubrir absolutamente nada de su historia, pero de lo que si que vamos a hablar es de la ideal banda sonora que ha compuesto el gran Djawadi. Después de inicarse en series como Prison Break, juegos como el Medal Of Honor, y conseguir una considerable posición en la industria gracias a oportunidades del calibre de Iron Man o Game Of Thrones, le ha llegado el momento de componer su más preciada obra maestra y ha tenido que ser con Pacific Rim, como no podía ser de otra manera.

 

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Con un tema central en el que Tom Morello aporta parte de su magia al mástil, el score de Pacific Rim es tecnológico cuando tiene que serlo, dramático cuando la situación lo requiere y épico sobre todas las cosas. Alguno colabo más con Morello hay en el disco, y totalmente destacable el último tema con RZA. No me cabría imaginar un soundtrack más acertado para esta batalla campal entre monstruos y robots (kaijus y jaggers respectivamente). Llegar a casa y poder repasar la película mentalmente gracias a su imborrable banda sonora, no tiene precio.

CLIFF MARTINEZ (2013) The Company You Keep (BSO)

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Cliff Martinez está, ahora mismo, muy por encima de cualquier creador de bandas sonoras actual. Su carrera es un auténtico tour de force, cuenta ya con inumerables bandas sonoras en su haber, a cual mejor de todas, y su reclamo es tal que ha trabajado con la mayoría de directores importantes del momento. Ahora le ha tocado el turno al gran Robert Redfor, quien ha decidido contar con él para su último thriller, The Company You Keep.

 

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Después de aquel sonado hit anotado para la banda sonora de Drive, la cual se colocó número uno en la lista de las bandas sonoras más vendidas de su año, su nueva aventura componiendo el score de este thriller es tan válido o más que el anterior. Volviendo a su electrónica más dramática, hija de Craig Armstrong y Clint Mansell, el score se desarrolla en 15 temas de no más de 3 minutos y algo en los que las maravillas de Cliff vuelven a crear una magia ambiental y emocional digna de los Dioses.

 

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Estoy deseando que Cliff se decida a componer un disco electrónico bajo sus propios conceptos, algo que surga completamente de su inspiración y no esté condicionado a una banda sonora, ya que de esa manera creo que todavía podría ofrecernos algo más. Sus bandas sonoras pueden funcionar como discos, cuanto menos la mayoría de ellas, pero no es lo mismo.

MOGWAI (2013) Les Revenants

 

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No es la primera vez que los dioses canadienses del post-rock, algunos los ensalzan incluso como uno de los iniciadores de la explosión del estilo, Mogwai se deciden de nuevo por relegar su arte a la honrosa posición de banda sonora, trabajo que se les da sobradamente bien mostrado lo mostrado tanto en el pasado como en el presente, y esta Les Revenants vuelve a ser una perfecta muestra de ello.

 

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Como es de suponer, su propio estilo es más que viable para utilizarlo como banda sonora, pero hasta ellos tienen que modificar sus patrones mas característicos para introducirse de lleno en esta misteriosa y dramática historia francesa de retornados de la muerte. Por ahora la serie consta de 8 capítulos en su primera temporada, pero ya se ha firmado una segunda para emitirla en 2014.

 

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Envolviéndose en una neblina muy propia de la misma serie y encajando a la perfección con las imágenes que nos enseña la misma, el disco se convierte en una suave y oscura melodía en la que, aún careciendo de las explosiones rockeras del combo, su actitud y su personalidad queda intacta y flota en el ambiente sin remisión.

SOUND CITY : Reel To Real (2013) BSO

 

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Todavía tengo pendiente el documental de mismo nombre, grabado y narrado en primera persona por el propio Dave Grohl, en el cual se realta la gloriosa historia de los Sound City Studios de Los Angeles, el Nevermind mismamente se grabó allí entre otros, y del que se extrae esta exclusiva y sumamente curiosa banda sonora que tiene como denominador común, como no, a Grohl al mando. 

 

Basando los temas en colaboraciones que tan sólo en los sueños más húmedos de los rockeros más puristas se podrían haber hecho realidad, el muy cabrón ha conseguido unos combos realmente de infarto, ya pudimos disfrutar de un adelanto llamado Cut Me Some Slack en la que los antiguos miembros de Nirvana, Pat Smear incluído, y encabezados por el mítico Paul McCartney, se cascaron un temazo de esos que te hacen poner los pelos de punta de principio a fin.

 

Pues bien, finalmente el disco y el documental son una reralidad y, como ya he dicho antes, los combos aquí son de infarto. El segundo tema llamado Time Slowing Down está ejecutado por Chris Goss, Tim Commerford, Dave Grohl y Brad Wilk, el tercero, You Can't Fix This, por Stevie Nicks, Dave Grohl, Taylor Hawkins y Rami Jaffee, el sexto, From Can To Can't, por Corey Taylor, Dave Grohl, Rick Nielsen y Scott Reeder, y así hasta llegar al último llamado Mantra en el que participan Dave Grohl, Joshua Homme y Trent Reznor, pues eso, ya tardáis.

LUDOVIC BOURCE (2011) The Artist Score

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Volvemos al olvidado espacio de las bandas sonoras con la triunfadora aboluta de los Oscars, también de los Baftas, de este año. Pero no vamos a hablar de la película en cuestión, primeramente y sobretodo por que todavía no he tenido el placer de deleitarme con ella, pero si lo vamos a hacer, y muy bien, de su banda sonora. Ludovic Bource fue el escogido para darle vida musical a este curioso filme mudo, basado en la transición hollywoodiense entre el cine mudo y el hablado, y tengo que admitir que la elección no le podía haber venido mejor a la película.

Bien cierto es, que el visionador estándar de películas mainstream o blockbusters, por llamarlas de alguna manera, poco o nada se suele fijar en los scores de las mismas, excepto en contadas execepciones como cuando se trata de John Williams y alguno más que llevan utilizando las misma fanfarrias modificadas en lo mínimo desde eones para seguir facturando vistosas bandas sonoras, pero también es bien cierto que ir a ver una película muda lleva implícito que su banda sonora es la que debería llevar el peso narrativo del film, dato por el que finalmente dicha banda sonora tiene un peso específico muy notorio.


Pues bien, cual personaje inexistente del filme, la banda sonora de Bource acompaña a la perfección una imágenes que destilan, ternura, emoción y un carácter vintage irremediable, sentimientos impregnados en gran medida, a parte del plantel actoral que dicen es de lo mejorcito, por esas tonaladidaes añejas y familiares que tan bien sabe aplicar Bource con la única necesidad de tirar de composiones vocales en muy contadas ocasiones. Su versión del jazz, cabaret y demás sonoridades de antaño ha convertido a esta banda sonoro en un fenómeno impensable hasta el momento.

HANS ZIMMER (2009/2011) Sherlock Holmes (OST)

Hoy volvemos al terreno de las bandas sonoras, aunque por desgracia esta vez tenemos que hablar de obras magnas en el apartado sonoro a las que su compañeras visuales no les llegan ni a la suela de los zapatos, para disfrutar de las dos impresionantes obras instrumentales que ha compuesto el inalcanzable Hans Zimmer tanto para su primera parte como para su, todavía pendiente de estrenarse, segunda parte de las oscuras aventuras del detective literario más famoso de la historia Sherlock Holmes en las nuevas revisiones que ha llevado a cabo el incomparable Guy Richie. Unas revisiones que te pueden gustar más o menos pero que hay que reconocerles su punto de originalidad y nuevos aires dentro del clasicismo sobre el que orbitan las victorianas historia de Sir Arthur Conan Doyle.

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Hablar de Hans Zimmer es hablar de extrema calidad, es hablar de incontables premios, es hablar de, bajo mi punto de vista, el mejor compositor de bandas sonoras de ahora y siempre capaz de emocionarte y llenar de sensibilidad cada escena en la que pone al servicio del espectador la mejor instrumenación que un director pudiera desear jamás, eso es algo innegable. Estando nominada a mejor banda sonora en los Oscars del 2010 la banda sonora de la primera Sherlock Holmes es un festival de cuerdas, fanfarrias de Europa del Este y epicidad desmedida capaz de hacerte saltar de alegría y someterte a un viaje plagado de turbulencias emocionales en las que todo es válido para disfrutar cada segundo como si fuera el primero y el último.

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Su segundo asalto a cargo del personaje más famoso de la literatura de Doyle viene también producido por el también multipremiado Lorne Balfe formando de nuevo un tándem intratable incluso superando las hasta ahora múltiples colaboraciones en las que han estado ambos metidos y ampliando y mejorando en exceso su primera incursión juntos bajo las investigaciones del detective inglés. Aprovechando las reconcibles y briosas fanfarrias compuestas para su primera parte esta segunda es aún más dinámica y variable demostrando que lo de estos dos es para darles de comer a parte, intratables es poco, yo diría más bien inalcanzables.

ANTOHER EARTH (2011) Fall On Your Sword (OST)

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Vamos a empezar el Lunes con aires espaciales, y para ayudaros a adentraros en tan sintética atmósfera hoy os traigo una recomendación directa de otro de esos colaboradores en la sombra del que también me nutro en innumerables ocasiones. Davidgore fue quién me advirtió, siempre atento a los scores de las pelis con las que se deleita, de que la música contenida en la última ganadora del pretigioso festival de Sundance era incluso de mayor valor que las propias imágenes a las que acompañaba, algo que finalmente he podido comprobar con mis propios oídos y ojos al valorar las dos propuestas por separado.

Puede que esto sea una banda sonora, dato que evidencia su cinemática estructuración y sus relaciones directas entre los títulos de los temas y las escenas claves del filme, pero os puedo garantizar que se puede disfrutar perfectamente como obra en solitario y disco de electrónica imperdible para cualquier amante de la misma que se precie. Si nos acercamos curiosamente a los artífices de tan peculiar obra de orfebrería sintética nos encontramos con el familiar nombre de Phil Mossman quién después de desbandarse los LCD Soundsytem ha decido formar tándem junto a Will Bates para formar estos muy convincentes Fall On Your Swrod y llevar su pasión musical a otros planos existenciales.

En sus composiciones electrónicas, ya que nos encontramos también con espacios orgánicos en los que las cuerdas y el piano se convierten en arrebatadores protagonistas del tema, nos encontramos claras referencias a las bandas sonoras de la sci-fi ochentera ambientando sus canciones con etéreas atmósferas y frágiles arpegios capaces de hacer palidecer al mejor Brian Eno envolviéndolo todo con un halo de misticismo existencial gracias al cual el filme al que acompaña gana enteros y sin el cual estoy seguro de que no habría llegado tan lejos. Estamos ante una obra musical capaz de comerse con patatas su primera y principal utilidad, la de sonorizar el score de un filme, para ergirse con entidad propia y un valor seguro para posteriores aventuras cinéfilas o simplemente para arrancar una prometedora carrera de un dúo que estoy seguro nos dará muchas más alegrías.

DRIVE (2011) Cliff Martinez (OST)

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Hoy también vengo con una entrada doble para uso y disfrute del personal, aunque ésta vez no la vamos a hacer toda en las Píldoras, una entrada que consta de la banda sonora de Drive, obra maestra indiscutible que cuando la escuché se convirtió automáticamente en mi favorita del año, y por otra parte la película en cuestión que la tenéis en mi otro blog y a la que por supuesto también considero una obra maestra que además ha conseguido desvancar a The Woman en mi ranking personal de favoritas del año ocupando, sin temor a ser superada, mi preciado primer puesto del top ten anual y si me apuras capaz de colarse entre mis 25 favoritas de todos los tiempos, no estoy flipando, Drive es tan grande como eso y más...

Primero de todo voy a intentar despejar una duda que se ha convertido en mi dolor de cabeza en los últimos días. En el screener de Drive que circula por la red, el mismo que váis a encontrar en mi Melting Man, aparece acreditado en los títulos Angelo Badalamenti como autor de la banda sonora del filme, algo que no es cierto ya que finalmente el escogido para dar vida a ésta particular gema del cine negro actual ha sido nada menos que Cliff Martinez, pero ya sea por la primera intención del director de contar con Badalamenti o simplemente por la dejadez de poner un nombre cuaquiera en los títulos de crédito del screener la cuestión es que aparece el famoso compositor de la música de Twin Peaks como autor de la banda sonora sin serlo. En boca del propio Martinez se ha dicho que Badalamenti no ha estado en ningún momento vinculado al proyecto, por lo menos que él sepa.

Apoyando las escenas más importantes de la película en canciones escogidas y compuestas por diversas bandas que suponen el colofón fianl a unos momentos que se convierten en pura magia cinematográfica consiguiendo un maridaje pefecto entre imágenes y música quizás lo más importante de su banda sonora sea la capacidad que ha demostrado Martinez a la hora de imponer sus composiciones como un personaje principal dentro del reparto de papeles del filme. Me explico, no hay manera de entender Drive sin Ryan Gosling ni sin Nicholas Winding Refn de la misma manera que no hay manera de entender Drive sin las visionarias composiciones de Cliff Maritinez, quién por cierto está copando los números unos de ventas de bandas sonoras en todo el mundo.

Artículo muy interesante sobre la banda sonora de Drive en all-about-jazz.

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DANGER MOUSE & DANIEL LUPPI (2011) Rome

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Muchos de vosotros ya sabréis de mi desmedida devoción por todo lo que hace mi productor favorito Danger Mouse, allá dónde vaya siempre le seguiré, pero el especial grupo que ha formado para darle forma a su nuevo proyecto musical es de esos que quita el hipo. Vayamos por partes, ¿qué hacen juntos el productor americano Danger Mouse, el artista italiano Daniele Luppi, la intérprete de jazz Norah Jones y el rockero Jack White?, pues nada más y nada menos que ponerse de acuerdo para firmar un disco inspirado en los spaghetti western de los 60 para uso y disfrute de los más añorados.

Este es uno de esos discos a los que se les quedan pequeños cualquier tipo de adjetivos para intentar describir la belleza musical contenida en su interior, exquisito, excelso, precioso, admirable, evocador, ninguno de ellos parece estar a la altura de este incomensurable Rome. Un Rome que es capaz, contando solamente con 30 minutos de sesión, de transportarte a los dorados años en los que las bandas sonoras de las películas eran igual o incluso más grandes que ellas mismas, un tiempo en el que Ennio Morricone fue el maestro indiscutible de un género que él mismo ayudó a crear a través de sus peculiares e inigualables partituras, un reinado y un legado todavía sin ser superado.

Gracias a la inestimable ayuda de algunos de los mismísimos músicos que estuvieron aportando su calidad en las bandas sonoras de Morricone en las que está inspirado el disco, a ese toque vintage que le ha dado su producción totalmente analógica y por supuesto al contraste vocal que supone la aterciopelada voz de la Jones en total contraposición con el eléctrico y visceral registro del señor White hacen de esta auténtica maravilla sonora el mejor y más acertado experimento del año, en el que no olvidemos vuelve a estar metido hasta las cejas Brian Burton. Un documento irrepetible y de un valor incalculable, firme candidato a disco del año.

CLINT MANSELL (2010) Black Swan OST

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Después de convertise en una leyenda del indie pop más underground en su Inglaterra natal con los inclasificables Pop Will Eatt Itself (1986-1996), banda a la que por cierto tendríais que pegar una oída si lo habéis hecho nunca, su salto a la gran pantalla vino de la mano del cineasta Darren Aronovski para la película Pi (1998). El binomio funcionó tan bien que Darren lo contrató también para su siguiente filme Requiem For A Dream y desde entonces siempre han estado unidos. Clint ha realizado bandas sonoras para directores de todos los tipos pero siempre que Darren hace una nueva película Clint Mansell es siempre el elegido para la banda sonora. Todo hay que decir que su contribución a Requiem For A Dream les valió a los dos emerger como la espuma ya que su tema central fue utilizado, y lo es todavía, en infinidad de comerciales y cuñas convirtiéndose en un tema tan reconocible como cualquiera de los que escuchas en las radios.

La emoción me embarga siempre que Aronovski estrena película pero si además lo que tenemos entre manos es un thriller terrorífico de odios y envidias en el marco de un exigente y elitista ballet y el Lago De Los Cisnes como telón de fondo protagonizada por la dulce Natalie Portman, el pétreo Vincent Cassel y la preciosa Mila Kunis la cosa no podía pintar más apetecible. Su reputación la precede con un trailer que te deja sin aliento en sus últimos segundos y la oscura y siniestra banda sonora firmada por el maestro Clint Mansell de la que ya podemos disfrutar. Un trabajo de difícil factura ya que la elección de Clint para la banda sonora ha sido la propia adaptación de la partitura de El Lago De Los Cisnes impregnándola del clima de tensión y desesperación que respira esa fría academia de baile dónde transcurre parte de la historia retorciéndola hasta límites insospechados dónde la obsesión y la locura del personaje de la Portman toman un protagonismo fatalista.

Uno de los trabajos del maestro Mansell en el que menos se apoya en los sinteizadores extraños y las composiciones a base de soniditos y repeticiones, aunque aquí también podemos encontrar algo de eso hay que buscarlo con lupa, más audible y digerible que muchas de sus obras el poco conociemiento que puedas tener de la obra de Chaickovski hará reconocibles muchos de los temas sonándote familiares desde un principio aunque teñidos siempre de ese negro oscurantismo que invade toda la grabación. Otro clásico más para el señor Mansell y esperemos que la peli esté a la altura de su impecable banda sonora, que seguro que lo está.