JACK WHITE (2018) Boarding House Reach

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Habiendo formado parte de uno de los dúos mas reverenciados por mi persona (y la de muchos otros) de finales de la década de los 90 y la primera década de los 2000 (The White Stripes), siendo partícipe de dos de los proyectos rockeros más interesantes de los últimos años (The Dead Weather y The Raconteurs) y habiendo colaborado con artistas tan dispares como incontables de todos los calados (A Tribe Called Quest, Beyoncé, Alicia Keys), la figura artística de Jack White puede considerarse prácticamente como imprescindible dentro de la actualidad rock de las últimos 25 años y, por supuesto, ineludible a la hora de nombrar las personalidades musicales más importantes, notorias, influyentes y referenciales de la música americana del nuevo nuevo milenio. Por todo ello y, sobretodo, por los tres fantabulosos discos en solitario que ha facturado en los últimos 6 años, poder verlo finalmente sobre las tablas de un escenario, evento imperdible que calará el primer día del Festival Cruïlla que se celebra en Julio en el recinto del Fòrum de Barcelona, va a convertirse en un momento sumamente especial para mí.

Con dos discos de estudio a sus espaldas facturados bajo su nombre artístico (Blunderbuss, 2012 y Lazaretto, 2014) John Anthony White vuelve a meterse en el estudio, esta vez han sido tres repartidos entre Los Angeles, Nueva York y Nashville, para facturar el disco más inclasificable y bizarro de toda su carrera. Gestado en un pequeño apartamento de Tenesse en el que White grabó todas las maquetas de las canciones en una grabadora reel-to-reel (magnetófono o magnetófono de bobina abierta) que adquirió cuando tenía 14 años, Boarding House Reach está plagado de sorpresas, matices y variaciones estilísticas de alto nivel y cierta complejidad haciendo de él una obra multidimensional, elástica y alucinógena a partes iguales con la que hay que estar dispuesto tanto a obviar las ideas preconcebidas que podamos tener sobre lo que nos deberíamos encontrar en un disco de Jack White como a sacudirse todos y cada uno de los complejos musicales que podamos tener antes de pegarle una escucha, dato a tener muy en cuenta.

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Forjado sobre la clásica base de rock y blues añejo a la que nos tiene bien acostumbrados White en casi todas sus personificaciones musicales y explotada febrilmente en su faceta en solitario, el música natural de Detroit se arma de valor para producir el disco, co-mezclarlo y tocar en él la guitarra, la batería, los teclados y los sintetizadores (ahí es nada) y en el que han colaborado varios músicos de estudio para darle forma a esta obra de orfebrería musicales de dimensiones casi cósmicas. Volcando su versatilidad estilística en cada uno de los temas convirtiendo algunos de ellos en descomunales collages musicales de alto nivel, el disco navega por el soul, el gospel, el funk, el jazz, el country, la experimentación electrónica, el spoken-word o incluso el rap sin sonar forzado en ninguna de sus vertientes y poniendo como testigo único e hilo conductor del disco su variado registro vocal (prácticamente todos los temas tienen efectos en las voces). Una maravilla de órdago a la grande. 

Curioso ver incluido al fin uno de los temas de White que más flirteos y novias ha tenido desde su primer esbozo en 2005 cuando Over And Over An Over iba a convertirse en un tema de los White Stripes para más tarde sonar como una posible colaboración con Jay Z o incluso oír campanas de su grabación en sus días junto a The Raconteurs. Me alegro mucho de que al final haya salido a la luz, lo merecía, y que haya sido precisamente en uno de sus discos en solitario.

Puntuación 9

65DAYSOFSTATIC (2016) No Man's Sky

 

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Con 5 discos largos, una más que correcta suma de singles y ep's, y dos bandas sonoras a sus espaldas (este No Man's Sky sería la segunda después de su reinterpretación del score de Silent Running), el cuarteto inglés formado a principios de la década pasada en Sheffield y compuesto por Paul Wolinski, Joe Shrewsbury, Rob Jones y Simon Wright, respondiendo al nombre de 65daysofstatic, ha vuelto a hacerlo, ha vuelto a conseguirlo, superarse una vez más con su último disco. Pensado, en principio, como la banda sonora de un juego (ciencia ficción pura y dura) que ya ha sido editado para PlayStation4 y que lleva el mismo nombre, No Man's Sky, la última acrobacia cósmica de los 65daysofstatic es una obra maestra de proporciones épicas. No voy a decir más de él más que para cualquiera que esté curtido en las lindes de la banda (o del post-rock de carácter electrónico, o de las bandas sonoras, o de la ciencia ficción) debería ser de obligado cumplimiento.

 

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Hoy he tenido la suerte de verlos por tercera vez en directo, y puedo garantizaros que vivir un concierto de 65daysofstatic es lo más cerca que uno puede estar de tocar las estrellas y  de poder viajar por el basto, desconocido y misterioso espacio exterior. Esa sensación, tan intensa, emocionante y única, es la que se tiene al dejarse llevar por esa intransferible fórmula que práctican los 65 en la que podemos reconocer coletazos de estilos tan variables como el post-rock, el math-rock, la electrónica, el jazz, el progresivo o el instrumental completando un lenguaje musical con el únicamente ellos son capaces de expresarse. Llegando a cotas tan altas de calidad y de originalidad que se han convertidos en sus únicos competidores (algo parecido a lo que ocurre con Explosions In The Sky o Sigur Ros), puedo afirmar y afirmo, que este concierto de 65daysofstatic ha conseguido situarse como uno de los 25 mejores que he visto en mi vida sin despeinarse.

 

Dotados de una expresividad musical arrolladora y capaces de provocar la catarsis emocional más descomunal de las posibles sobre un escenario, su pasional equilibrio cósmico, en el que confluyen gracilmente la luz y las sombras, los sentimientos y la técnica, lo eléctrico y lo digital, el caos y la dulzura, lo asincopado con la precisión, la maestría con la visceralidad y lo arrítmico con lo melódico, está expresado a partir de capas sonoras superpuestas, bases digitales sampleadas, tramas y subtramas musicales y toneladas de sonido espacial (la ciencia ficción es una de sus bases de expresión artística más recurrentes) que emergen y se sumergen a placer dentro de la base rítmica del tema llevando al oyente a un estado de placentera euforia consiguiendo ese sentimiento único e inimitable del que os hablaba. Ver un concierto de los 65 (muy cómodamente) en la sala Razzmatazz 2 de Barcelona (a 15 minutos de casa) con la calidad de sonido que han conseguido y por tan sólo 17 euros es un regalo que no se paga con dinero, sino con amor eterno e incondicional por los 65daysofstatic.

Puntuación disco 10

Puntuación directo 10

BEN WATT (2016) Fever Dream

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Y si el Lunes nos encandilábamos con la deliciosa voz e interpretación en clave folk de la jovencísima Julien Baker, hoy toca hacer lo propio con este Fever Dream, el tercer disco en solitario del que fuera compositor y productor de una de mis bandas de cabecera en los 90, Everything But The Girl. Si bien es cierto que los últimos discos de Everything But The Girl (-Walking Wounded- 1996, -Temperamental- 1999) estuvieron altamente influenciados por el éxito universal conseguido por el remix en clave techno que el maestro Todd Terry hizo del famoso hit Missed incluído en el Amplified Heart de los Everything en el año 94, ese tema llegó a convertirse en uno de los mayores y más efectivos rompepistas de la década de los 90, el dúo formado por Ben Watt y Tracey Thorn llevaba desde principios de los 80 flirteando con el pop acústico, el folk y el jazz con unos resultados impresionantes.

 

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Pues bien, después de tener que cancelar su anterior actuación en el pasado Primavera Sound por problemas de salud, Watt vuelve al cartel del Festival de Festivales para presentar su nuevo y flamante Fever Dream junto a un invitado de exceptción con el que ha contado en varios de los temas del disco como colaboración impagable. Retomando, de la misma manera que hizo en sus dos anteriores entregas en solitario, el carácter más reflexivo, serio y evocador de sus inicios junto a la Thorn, Fever Dream es una clase magistral de saber hacer y saber estar dentro de un estilo que destila influencias del pop, del jazz y del folk a partes iguales y de manera magistral como siempre ha hecho.

 

Sobre el invitado especial con el que contará sobre las tablas del escenario Ray Ban el próximo Viernes día 3 de Junio, estamos hablando nada más y nada menos que de Bernard Butler. Famoso guitarrista inglés más conocido por ser el fundador, junto a Brett Anderson, de una de las bandas de pop inglés más famosas de los últimos tiempos, Suede. Curioso y anecdótico el binomio el formado por Watt y Butler en el Primavera, ya que el Miércoles 1 de Junio será Suede, sin Butler desde los inicios de la década pasada, quién estará tocando varios de los éxitos que el propio Butler facturó junto a su banda madre durante la década de los 90. ¿Habrá sorpresa?, lo dudo mucho.

IWRESTLEDABEARONCE (2015) Hail Mary

 

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He de admitir que tanto el metalcore actual como el deathcore no son santos de mi devoción, aunque mi gusto por el estilo pasa por bandas como Carnifex, The Black Dahlia Murder o alguna cosa de los primeros Emmure, no me considero nada apegado al estilo. Digo esto porque a los IWABO se les mete dentro de esa etiqueta, de la cual es innegable que llevan trazas, pero su caos musical también lleva, en cantidades incluso superiores, ingredientes del jazz, del pop, del avant-garde o incluso del mathcore, y eso es lo que realmente me impresiona de ellos, que son capaces de todo y más sin importarles nunca encajar o dejar de hacerlo en ninguna escena o etiqueta.

 

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Uno de los mayores reveses que ha sufrido la banda fue sin duda la deserción de Krysta Cameron, su maternidad se interpuso en el curso profesional de su carrera, y aunque el repuesto encontrado inmediatamente en Courtney LaPlante, quien ya grabó el disco anterior y se pateó los escenarios con la banda antes incluso de grabarlo ya que Krysta dejó el tour del Ruining It For Everybody (2011) a medias, haya sido del todo favorable para la banda, mucho más versatil y dinámica en este nuevo Hail Mary, hay que decir que en su anterior redondo todavía se la echaba en falta.

 

Algo que, como ya he dicho, se ha visto mejorado considerablemente en este última entrega de la banda de Louisiana encontrando una nueva personalidad vocal en Courtney que aquí se atreve con absolutamente todos los registros, su escala de griterio y brutismo es realmente asombrosa, pero que también sabe hacer lo propio con las melodías y la sensualidad. Una auténtica máquina que consigue, después de este Hail Mary, despejar completamente la alargada sombra de Krysta y hacerse con el puesto de jefa absoluta sin discusión posible.

FRANCISCA VALENZUELA (2011) Buen Soldado

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Ya lo he dicho varias veces, pero lo vuelvo a confirmar, estamos ante uno de los años más importantes y predominantes de música traída por las féminas más incontestables arropadas por unos trabajos a cual más adictivo y delicioso, y me refiero en casi todos los estilos. Ya se que lo de hoy no es precismanete de este año, pero la he descucbierto hace bien poco y también entra en el pack de féminas guerreras que están convirtiendo este año en un reinado femenino insuperable.

 

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Francisca Valenzuela es hija de chilenos afincados en los States, ella misma ya nació allí, pero que cuando Francisca cumplió los doce años se volvieron para Chile para echar raíces en sus orígenes. Una vez retornada a sus orígenes y demostrando unas cualidades para la música excepcionales llegó a editar con 21 años uno de los debut más sonados en Chile, llamado Muérdete La Lengua, con el que consiguió su mayor éxito hasta la fecha con el single Dulce colocándose en la segunda posición del top Chileno de ventas.

   

Cuatro años después de aquel suculento debut aquí la tenemos con este Buen Soldado. Disco con el que me ha encandilado hasta las trancas, llevo varios días sin consumir prácticamente nada más que a esta chilena delgadita y morena de humor punzante y grandioso gusto musical. Una mezcla entre el jazz de acompañamiento, el pop de aires clácicos y melosos, y el rock rebelde es lo que nos ofrece Francisca. Una mezcla a la que hay que añadirle unas letras que rayan entre el humor inteligente, la crítica social y el ensalzamiento de la posición de la mujer en la sociedad, con una credibilidad y una personalidad realmente original. Tan cerca de Julieta Venegas o Javiera Mena como de Benfolds o Suzanne Vega, una jodida maravilla.

JOHN ZORN (2012) Mount Analogue

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Con casi 60 años a sus espaldas y una fructífera y muy liberal carrera de más de 30 años en búsqueda constante del nirvana musical, el compositor natural de Nueva York, John Zorn, se presenta en este 2012 con una nueva creación musical bajo el brazo que responde al curioso nombre de Mount Analogue, concebido como un sólo corte de 38 minutos. Adalid de la música clásica contemporánea y deudor del jazz de la vieja escuela, su matrimonio con el Cyro Baptista's Fabulous Quartet Banquet Of The Spirits compuesto, a parte de por el propio Cyro, por Shanir Ezra Blumenkranz, Tim Keiper, Brian Marsella y Kenny Wollesen, ha resultado en uno de los discos más preciosos e insporadores que he escuchado durante este princpio de año.

Cogiendo la inspiración a partir de la obra y milagros de Georges Ivanovitch Gurdjieff, ni me preguntéis, este Mount Analogue se revela como uno de los discos más dinámicos, accesibles y agradables de cuantos ha compuesto el famoso saxofonista a lo largo y ancho de su carrera. Tomando como referencia algo de la world-music e introduciendo pasajes y melodías que bien podrían venir del lejano oriente, todo se funde y se mezcla de manera reverencial y con una clase y una calidad encomiable gracias a la incomparable visión y capacidad sorpresiva de la que disponen todos y cada uno de los componenetes de tan ambicioso trabajo.

Sin necesidad de echar mano de vocales para llenar la intachable instrumentalidad de la que goza el disco de princpio a fin, aunque si que es verdad que todos colaboran en algún punto concreto del mismo añadiendo algo así como cánticos y otro tipo de sonoridades ancestrales, este Mount Analogue tiene un espíritu cinematográfico inalterable tan imponente y evidente que bien podría formar parte del score de una película a la que ni tan siquiera le haría falta diálogos, ya qué su propia entidad es tan grande y tan embriagadora que sería un estropicio adulterarla con un guión hablado, jajaja.

The Great John Zorn Is Back!!!

CHET BAKER (1954) My Funny Valentine

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Puede que más de uno tuerza la cabeza al ver un disco con más de 50 años de antiguedad por estos lares tan acutales pero aún a sabiendas de que soy un neófito total en el basto mundo del jazz clásico, excepto en un par de excepciones contadas, he de confesar que la atractiva personalidad de buscavidas que siempre profesó Chet Baker (click en el link para ir al documental sobre su vida) desde sus sonados inicios junto al famoso cuarteto con el que se dió a conocer hasta su fatídico final a mediados de los ochenta en un hotel de Amsterdam muy afectado ya por su odiosa adicción al caballo.

Uno de los discos de jazz más meláncolicos y a la vez bonitos que se han hecho en toda la historia es sin duda alguna este inmortal My Funny Valentine dónde Chet le canta a su preciosa esposa Helima unas canciones que se han mantenido imborrables hasta nuestros días convirtiéndose con el paso del tiempo, dentro del eterno legado musical que nos dejó este carismático y controvertido genio musical, en la colección de canciones más preciada y reconocible grabada bajo su nombre.

Alternando las composiciones vocales con las instrumentales es inneglable admitir que Chet tenía un don especial tanto con la trompreta como con su seductor y casi susurrante timbre de voz que rompía con ese tópico de cantante ultra melodioso de tonalidades variables con su registro mucho más lineal e hipnótico capaz de cautivar a millones de mujeres en la época. Una joya incalculable de la historia musical.

Dedicado a Rob Baker!!!

GIL SCOTT-HERON AND JAMIE XX (2011) We're New Here

(click en la portada para descargar ARREGLADO)

Aquí vamos a ir por partes para que quede bien claro la calidad y la embergadura de este irrepetible, aunque esperemos que no sea así, e inimaginable proyecto en el que se han visto metidos dos figuras que en momento dado no tienen nada que ver pero que a través de sus perosnalidades musicales han conseguido fusionar sus esencias en un disco de atmósferas opresivas e infecciosas provistas por Jamie que le van como anillo al dedo a las eclécticas y poéticas líricas del maestro Scott-Heron, un auténtico superiviente de los salvajes años 70.

Empezaremos por el mítico y legendario Gil Scott-Heron, un poeta venido a músico impulsor de los derechos de los gethos a través del spoken-word y padre de lo que hoy conocemos como hip-hop y del que todavía se revindica la importancia de sus letras para la liberación opresiva a la que se han visto sumidas la minorías étnicas en EEUU desde tiempos inmemoriales. Su famosa composición Revoltion Will Not Be Televised constituye una insignia tal que esa misma frase sigue vigente en los raps de nuestros días recordando la importancia que tuvo, tiene y tendrá este ídolo del pueblo afro-americano. Su discografía comprende la década de los 70 como su más fructífera, la de los 80 como algo más vaga y un sólo disco en el 94 dónde empezó todo un periplo de problemas con la justicia y entradas y salidas de las clínicas de desintoxicación hasta que el pasado 2010 el capo de Xl Recordings lo recuperó para lanzar un disco que se titulo We're New Here. Hasta aquí la historia de este grande de la música.

El londinense Jamie XX es el tercer personaje en la sombra del combo XX (el que no canta), proyecto que en el 2009 se puso en boca de todos con ese debut autitulado llamado simplemente XX, y del que me enamoré inmediatamente al escuchar ese minimalista y ultra orgánico trasfondo electrónico del que él es el único responsable en el grupo inglés. Su sobrada calidad a las tablas para transmitir sentimientos que van desde la calidez del reggae hasta la frialdad del trip-hop se convierte en el alma de los XX sin que ello le quite protagonismo a las privilegiadas voces de sus vocalistas, estoy deseando que salga su nuevo disco.

Pues bien, esta fusión tan extraña y en un principio desequilibrada surge a raíz del interes de Jamie por reinterpretar al completo la última obra del maestro Gil Scott-Heron y conseguir con ello, pienso que sin pretendenrlo, una maravilla que rompe con todas las espectativas posicionándose como un disco que debería sentar las nuevas bases para un estilo tan estático y desfasado como es el trip-hop y servir de revulsivo para todos esos estrambóticos artífices de infumables discos de dub-step faltos de alma y a los que bien les serviría fijarse en la frescura y accesibilidad que logra el joven Jamie en esta magnífica reinterpretación del disco de Scott-Heron. Disco del que solamente se han conservado los versos del artista dándole una nueva dimensión a los temas fusionanda a la perfección sus estilos cual almas gemelas. Si os gusta la idea y tenéis plato hay que pedirlo en vinilo ya que su edición viene en formato doble con las instrumentales, y sus respectivas versiones en cd también, y una art-work tan ecléctico y artístico como el contenido del mismo, una puta joyaca!!!.

ATLETA (2011) Catedrales

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Según los créditos de este mastodóntico Catedrales estaríamos hablando de un disco del pasado 2010 pero como no estoy seguro exactamente que día se editó lo voy a incluir en el 2011 simple y llanamente por que quiero que ocupe una posición privilegiada en la lista de lo mejor de este año. De la misma manera que ayer hablábamos del esperado regreso de Fon Román hoy también nos toca mirarnos el ombligo y destacar el trabajo de los catalanes Atleta, nombre que quizás dicho así de pronto no os dice nada pero si os digo que sus dos componentes son José Roselló y Jaime L. Pantaleón, los dos ex-componentes de los avanzados a su tiempo 12Twelve y Jaime ahora también en Cuzo, supongo que a más de uno le habrán hecho los ojos chirivitas.

De acuerdo que esto no es un retorno en toda regla pero es una puesta de largo de dos conocidas y muy respetadas personalidades en la, cada vez más grande escena instrumental, que jugaron el papel de maestros con sus ineludibles 12Twelve a los que lo único que les puede echar en cara es el enorme vacío que dejaron en la escena cuando se fueron, pero aquí están los Atleta para solucionarlo y de qué manera.

Es innegable la cantidad de spíritu de los 12Twelve que podemos encontrar en la esencia de Atleta pero la nueva muestra de poderío que nos tiene preparada este dúo forjado a riff de guitarra y a ritmo de batería es mucho mayor que lo mostrado con sus míticos predecesores. Patrones de batería que nos recuerdan al groove-jazzero de los Battles, sintetizadores que asoman sin complejos la cabeza para embrutecer las canciones de una forma maravillosa e hipónitica, vanguardistas y a la vez de sonido clásico y directo no les suben los colores a la hora de experimentar con las texturas más áridas y escabrosas que tienen su recompensa en las diversas emociones que inundan nuestros sentidos al dejarnos llevar por los inhóspitos parajes que nos deparan estas Catedrales de Atleta.

De nuevo mención especial para la gente de Aloud que han vuelto a hacerlo, han vuelto a poner en circulación otro de los esos discos para la historia de la música nacional, el año pasado fueron Nothink y Toundra este año ya tenemos que poner en la lista a los Atleta y acabamos de empezar el año, y como es habitual también en ellos con su descarga gratuita como está mandado, los putos amos!!!.

(CLICK AQUÍ PARA LA DESCARGA DIRECTA DESDE LA WEB DE ALOUD RECORDS)

I SHIT ROBOTS (2010) Doom

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Hoy me he levantado con ganas de cachondeo, y que mejor manera de pasarlo en grande que ponerte a todo trapo el debut de este escatológico dúo proveniente de Hawai y formado por Adam, encargado de torturar su guitarra sin piedad y más de lo mismo con el bajo, y Steve, quién hace la veces de diseñador para el grupo y se encarga también de destrozar la batería y nuestros tímpanos a base de blast-beats infernales y guturales porcinas, otra de esas bandas que ha optado por poner su música en descarga gratuita.

La foto del gatico que he puesto la he sacado de su Myspace ya que me ha sido totalmente imposible encontrar una foto del dúo, ni tan siquiera algo de información sobre ellos fuera de su página. El cachondeo absoluto que gastan estos descerebrados se ve plasmado en una letras realmente desternillantes y unos títulos para sus canciones que rayan el rídiculo. Nombres como Dios Ha Muerto Pero Mi Pelo Está Perfecto, Brett Michaels Parece Una Vieja Lesbiana o Mano Derecha En El Ratón-Mano Izquierda En La Polla, hacen de ellos una espécie única y en peligro de exinción, razón de más para no encontrar ni una sola crítica del disco por la red.

Ja ja ja ja ja, ésta también la he sacado de su Myspace, ja ja ja, lo siento por los fans de Justin Bieber (que no creo que haya muchos que pasen por mi blog) pero la idea es clara, y el gesto de su careto más, ja ja ja. Pero no os vayáis a pensar que lo que hacen esta gente no tiene categoría o calidad, sobrados de una técnica impecable y con una impresionante capacidad para mezclar pasajes realmente destructivos y sanguinarios con otros de carácter jazzístico rompiendo así el ritmo y volviendo a recuperarlo de la manera más abrupta sus temas, que no pasan ninguno del minuto y poco, son toda una declaración de intenciones. Con deciros que en su página reza...

-Suenan Como: Un montón de cuchillos girando en tu uretra.

N*E*R*D (2010) Nothing - Deluxe Version

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"No One Ever Really Dies" o lo que es lo mismo N*E*R*D es un agraciado trio de artistas que llevan haciendo mucho ruido en el mercado internacional desde hace ya más de 10 años. Todo comenzó a finales de los 90 cuando el dúo formado por Pharrell Williams junto a Chad Hugo y llamado The Neptunes consiguió una amplia reputación en el negocio musical haciendo producciones para todo tipo de artistas, desde el hip-hop pasando por el pop hasta el soul, su capacidad para adaptarse a todo tipop de texturas, estilos y tendencias los convertían en el dúo de productores más solicitado por algunos de los artistas más mainstream. A principios de la década del 2000 y con la inestimable ayuda de Shay Haley como tercer componente del grupo el dúo se convierte en un trio y adopta el nombre de escenario N*E*R*D, la repercusión de su primer álbum In Search Of... (2002) fue tan grande que llegó a vender la friolera de 630.000 copias solamente en EEUU y el segundo Fly Or Die (2004) tres cuartos de lo mismo con 403.000.


Con unos números tan aplastantes, Pharrell Williams en la cresta de la ola y una eleveada estima por parte de crítica y público gracias a su faciliadad para facturar hitazos sin compasión en 2005 coincidiendo con la finalización de su contrato con la famosa Virgin deciden partir peras y continuar en su faceta de productores como The Neptunes. Pero finalmente y a través del sello propiedad de Williams y Hugo llamado Star Trak Entertainment, y el apoyo de la grandiosa Interscope, el pasado 2008 nos volvieron a dejar un nuevo catálogo de hits bailongos y agradables con la calidad que solamente ellos pueden ofrecer titulado Seeing Sounds para deleite de sus numerosos fans.


Nos encontramos en el 2010 y después de anunciar su retorno con un singleazo a la altura de los de antaño, ésta vez la afortunada ha sido Nelly Furtado que ha colaborado con ellos en el hitazo instantáneo llamado Hot-N-Fun, con el que no pararás de hacer mover tu cabeza y tu cuerpo en sintonía con su contagioso ritmazo. El disco está plagado de temazos de infarto, todos y cada de ellos podría funcionar como single potencial en cualquier radio que se precie, además me ha gustado mucho las pocas colabos que encontramos en el disco siendo ellos tres, y sobretodo Pharrel Williams, los encargados de poner todas las voces de los temas, ofreciendo una paleta inagotable de estilos y registros que soprendentemente en ningún momento se dan palos entre ellos, la otra colaboración la encontramos en el primer tema dónde el rapero T.I. hace de las suyas ante el micro. Nuevo candidato a mejor disco del 2010 en formato positivo por supuesto, llevo varios días escuchándolo y se me hace muy difícil escuchar otra cosa que no sea ésto, con deciros que desde ésta mañana a las 9.30 que he llegado al curro lo he escuchado como 3 veces seguidas...

FLYING LOTUS (2010) Cosmogramma

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Hay discos en los que con la primera escucha tienes suficiente para engancharte a ellos, ya sea por qué su estilo llama la atención desde el primer momento o simplemente por qué sus canciones son justo lo que necesitas en ese preciso instante, y otros por el contrario, que en un principio podrían parecer un incomprensible conjunto de canciones a las que se te hace difícil acceder, necesitan de un esfuerzo extra para conseguir esa conexión emocional tan necesaria para disfrutar de la música en todo su esplendor, pues bien, ésto segundo es justamente lo que me ha pasado con lo nuevo del californiano Steven Ellison a.k.a. Flying Lotus. Después de dos discos en los que su estilo se basaba en las enseñanzas del difunto JDilla y el maestro Madlib convirtiéndolo automáticamente en una de las nuevas promesas del hip-hop instrumental americano, su desplazamiento de dichas enseñanzas ha sido tal el presentado en éste Cosmogramma que en un principio me ha costado horrores asimilarlo todo.

Con un sonido mucho más asentado y personal que el de sus anteriores entregas, el abanico de posibilidades se ha visto ampliado enormemente en éste impredecible Cosmogramma. Su insana obsesión por los sonidos electrónicos más arcaicos y su hereditaria devoción por el jazz, su tía era Alice Coltrane, hacen del disco una intrincada y misteriosa obra que hay que ir desgranando poco a poco hasta sumergirte por completo en su inmenso universo sonoro. A ésto tenemos que añadirle un apreciable justo por los sonidos de la IDM más experimental y por supuesto ese tímido y extraño groove que respiran sus composiciones plagadas de bases downtempo y ritmos hip-hoperos.

Puede que uno de los temas que más atención obtenga precisamente por su colaboración con el famoso Thom Yorke de Radiohead sea la séptima ...And The World Laughs With You, pero os puedo garantizar que el tratamiento que recibe el susodicho es exactamente el mismo que si se tratase de un sonido con el que juguetear alterándolo a su antojo, los efectos aplicados a la voz de Yorke obrados por el señor Ellison son de lo mejorcito que he escuchado en mucho tiempo.

Nombres tan importante en mi selección personal, y estoy seguro que en la de Flying Lotus también, como el japonés Dj Krush, el impresionante Diplo o el maestro Richar D. James se me han cruzado por la mente a medida que he ido deshilachando todas las influencias que contiene ésta auténtica maravilla digital, y no me estoy refiriendo precisamente a que ha cogido de aquí y de allí para conseguir un collage perfecto, no señor, el destilamiento de esas influencias es tan brutal que me ha costado decenas de escuchas encontrarlas. A la altura de los grandes del estilo, no me voy a repetir ya que los he nombrado a todos durante el comentario, Cosmogramma se posiciona como uno de los discos más innovadores e interesantes de lo que llevamos de año y sin lugar a dudas un paso más en la dirección correcta en la imparable carrera de éste músico de los pies a la cabeza. Ahí va el primer single en formato de vídeo extraído del disco, el tema en cuestión es MmmHmm con la colaboración de Thundercat.

PAIN OF SALVATION (2010) Road Salt One

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Vivimos en una época en la que dada la cantidad de oferta musical que tenemos a través de internet suele pasar que en ocasiones no le damos el tiempo suficiente que necesita a un disco para madurar y convertirse en una obra magna después de infinitas audiciones, es fácil que si no te entra a la primera o a la segunda escucha lo dejemos olvidado en nuestro disco duro y accedamos a cualquier otro que nos resulte más gratificante y fácil de escuchar. Todo esto lo comento para dejar constancia de lo importante que es a veces tomarse su tiempo para entrar en un disco que en un principio nos puede parecer algo extraño, más viniendo de una banda que suele practicar una mezcla de rock y metal progresivo de infarto, pero que si le damos una oportunidad se puede convertir en una de las mejores y más emotivas sorpresas del año. Por razones obvias, la primera vez que escuché éste Road Salt One quedé bastante decepcionado, pero inexplicablemente y sin pensar demasiado en el tema iba acudiendo a él cada vez más a menudo hasta que finalmente lo he tenido que comprar original por qué se ha convertido en uno de mis discos del año.

Después de entregarnos un jugoso Ep el pasado año llamado Linoleum, -comentado en las antiguas Píldoras y dónde volvían a demostrar su buen hacer con el metal y el rock de carácter progresivo-, con el que ya se decidieron a darle ciertos aires más clásicos a sus composicones aunque sin dejar de lado en ningún momento la contundencia y los riffs pétreos marca de la casa, nada hacía presagiar que éstos suecos de trayectoria impecable se iban a transmutar en una especie de banda revival de los 70 recordándonos sobretodo a los grandes de la época como Deep Purple o Led Zeppelin de marcada base bluesera. Tengo que admitir que las primeras escuchas me dejaron un poco descolocado, después de todo, para una banda que ha basado el protagonismo de sus canciones sobretodo en las guitarras, se me hacía bastante extraño escuchar alguno de los temas incluso totalmente faltos de dicho instrumento.

La banda está compuesta por el cerebro compositor y motor de la banda Daniel Gildelöw, principal vocalista, guitarra, bajo, banjo y samplers, Fredrik Hermansson, que se encarga de los teclados y los sintetizadores, Johan Hallgren, a la segunda guitarra y a las voces y finalmente Léo Margarit que es el encargado de la batería y también de algunas de las voces. El disco es una verdadera obra de arte en la que la emotividad de la voz de Daniel y la sana obsesión por el sonido retro son sus mejores bazas. Me gustaría destacar la canción Sisters como una de los mejores del año, su impresionante sensibilidad y su épica controlada me han calado en lo más profundo de mi corazón, creo que me he enamorado, je je je. Me he comprado la edición limitada en digipack que contiene 1 tema extra, que casualmente es la intro del principio, y 2 de sus canciones en versión extendida además de una extensa composición de fotos en un libreto que casa a la perfección con el sentimiento de libertad y hipismo que tiene el disco.


Han anunciado una segunda parte del disco para Septiembre, de la que estoy bastante seguro no tendrá demasiado que ver con lo planteando en ésta, realmente no tengo ni idea, pero tengo la corazonada de que va a ser un animal totalmente distinto. Pienso que sería lo más intelegente para tener a todo el mundo contento, aunque tengo que admitir que si siguen por éste camino tampoco iba a tener ningún problema con ello. Ahí van un par de vídeos de temas del disco, Road Salt One en directo y Linoleum, que casualmente fue la única que apareción el anterior Ep y que es el tema que más desentona en el conjunto.

GANG STARR (2000) Full Clip (A Decade Of Gang Starr) / (2003) The Ownerz

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(KEITH ELAM A.K.A. Guru R.I.P. 1966-2010)

Menudo 2010 más negro estamos viviendo!!!. Ayer fue un día de mierda pero de los que hacen historia, después de una bulla monumental con un familiar de buena mañanita, llaman por teléfono a mi mujer para decirle que un familiar que tiene en el hospital está muy mal, y para acabar de joderlo del todo me entero que el pasado Lunes 19 de Abril moría, a la pronta edad de 43 años y después de una larga lucha contra el cáncer que al final pudo con él, uno de los mejores rapers de la Costa Este de EEUU natural de Boston, el grandioso Keith Elam conocido en el juego con el sobrenombre de Guru y por formar parte de uno de los dúos más importantes de la década de los 90, los imprescindibles Gang Starr, con los que junto a su inseparable (por lo menos mientras estuvieron juntos en el grupo) DJ Premerier consiguieron dejar un sello imborrable en la historia de la música moderna.

Su discografía con Gang Starr consta de 6 discos de estudio en los que nos encontramos con la sublimación de las rimas acuosas del maestro Guru y su delicada manera de fluir sobre los ritmos de un Premier siempre dispuesto a soltar ese gordísimo arsenal de bases jazzísticas con la clara intención de educar musicalmente al personal. Unos absolutos jefazos en el difícil juego del rap, su último disco (The Ownerz) lo firmaron en el 2003 y desde entonces no volvieron a tener contacto, una pena ya que después de tantos años juntos algo realmente gordo tuvo que pasar entre ellos para no hablarlo antes de morir, pero bueno los humanos somos así de tercos y orgullosos. Os he puesto puesto un recopilatorio doble que recoge todos su pepinazos de la década de los 90 y además su último disco del 2003 para que tengáis una buena selección a la que hincarle el diente y recordar a éste poeta urbano como se merece, haciendo petar tus altavoces con los mejores temas que han firmado uno de los combos de rap más grandes y respetados de la historia. No podemos olvidarnos de esa deliciosa serie de discos llamada Jazzmatazz que hizo Guru junto a algunos de los mejores artistas de Jazz de ahora y siempre con los que llegó a acercar la cultura del hip-hop y del jazz hasta derribar completamente las barreras entre ellos.

Nunca tuve el honor de verlos en directo, algo de lo que me arrepentiré toda mi vida ya que me quedé fuera en el concierto de su última gira en Barcelona por capullo, pero os diré que los discos de ésta gente me han acompañado desde hace más de 10 años y ,como bien sabéis los que amáis éste maravilloso arte de la música, hay artistas que has escuchado tanto que se convierten en parte de ti y por consiguiente cuando mueren, una pequeña parte de ti muere también con ellos. Toda la escena mundial llora hoy por la pérdida de una de las mejores personas que ha estado en ésto del rap y uno de los más grandes rapers de la historia que se hará oír a través de las generaciones futuras y que para mi se ha ganado a pulso estar en el Olimpo de lo Dioses del Rap junto a Biggie y 2Pac.



Estés dónde estés, siempre te llevaré en mi corazón y espero que de la misma manera que tus rimas han invitado en ocasiones a la paz y a la relajación tú hayas encontrado la tuya. Guru Rules!!!.

EL HOMENAJE EN EL CHARLOTEO Y EN LOS COMMENTS.