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domingo, 11 de junio de 2017

PARAMORE (2017) After Laughter

La maduración (más de 10 años desde sus inicios) y los considerables cambios de formación sufridos a lo largo de esos años (primero los hermanos Farro y más tarde Jeremy Davis), ha llevado a Paramore hasta un punto de inflexión bastante alejado de lo que (re)presentaban en sus inicios. Ese rollo adolescente flequillero en el que el punk-pop de alto carácter emocional era el protagonista principal (prácticamente en sus tres primeros discos fue así), ha sido consumido totalmente hasta llegar a un punto en el que los ritmos caribeños, el pop ochentero y el rock de estadios se ha sobrepuesto a esa actitud juveniloide sofisticando y acertando su propuesta de manera bárbara y radical.

 

Tomando como punto de referencia el pop ochentero, como ya he comentado, la imbatible Hayley Williams, el recién recuperado Zac Farro y el de nuevo batería Taylor York firman un disco en el que la libertad estilística, la pasión por la variedad y el desplazamiento formal de la juventud que otorga la edad adulta (cerca de los 30 todos) resultan en una obra agradable, soprendente, refrescante y con una capacidad de entretenimiento muy superior a la mostrada en su anterior referencia. Tocados por momentos por la varita mágica de la música disco y producido por el propio York y Justin Meldal-Johnson After Laughter pisa sin complejos la new-wave y el synth pop de los ochentas con todas sus ramificaciones y consecuencias.

 

Algo de lo que Hayley no se ha desentendido para nada es de ese tono fatalista y despresivo de sus letras, un tono que casaba a la perfección con el carácter rebelde y adolescente de sus primeros discos pero que aquí contrasta sobremanera con lo divertido, bailable, disfrutable y luminoso de su sonido. En conclusión, cualquiera que se apeara de ellos con su anterior disco, lo hará todavía más en este, pero para los que encontraron un nuevo potencial a explotar en su anterior obra autotitulada, encontrará aquí un nuevo y ampliado patio de recreo en el que disfrutar con las nuevas atracciones y las nuevas luces de colores. Amantes de las Haim o de Carly Rae-Jepsen, dadle a esto que se sale mucho.

Puntuación 9

martes, 11 de abril de 2017

ULVER (2017) The Assassination Of Julius Caesar


Intentar definir o etiquetar el estilo (o a ellos mismos) de los noruegos Ulver se ha convertido (prácticamente desde sus inicios) en una tarea sumamente imposible. Puede que para muchos estar catalogados dentro del black metal, el doom, el death o el progresivo sea un signo de identidad con el que necesitan sentirse cómodos y aceptados, pero hay  que tener muy claro que para los de Garm (Kristoffer Rigg), la comodidad artística no se basará jamás en las etiquetas preestablecidas, en las zonas de comfort, o en sentirse parte de un movimento, escena o corriente estlística. Su expresión artística mide sus parámetros en la experimentación ilimitada, en la no-identidad musical y en la libertidad estilística despegada de los convencionalismos más genéricos, con esas armas han compuesto ya más de una obra maestra y se han posicionado como una de las bandas más vanguardistas, sorprendentes, inspiracionales e inclasificables del universo conocido, honores que suponen el más alto rango de reconocimiento para una banda de sus características, de las que, por otro lado, pocas existen. 

 

The Assassination Of Julius Caesar vuelve a reformular las formas y las intenciones de Ulver para convertirse (sin que eso signifique nada malo sino todo lo contrario) en el disco más accesible, fácil y pop facturado hasta la fecha por el combo capitaneado por Rigg. Sin necesidad de rebajar el carácter más experimental del combo tanto en el apartado musical, muy sintetizado y digitalizado en casi todos los aspectos lo que les ayuda considerablemente a construir una nueva personalidad y un enfoque completamente diferente dentro de su música, como en el apartado vocal, donde Garm nos embruja con un relajado registro absolutamente delicioso para el carácter synth-pop del disco, TAOJC es una maravilla totalmente irresistible para cualquier amante de las músicas de alto riesgo y absolutamente imprescindible para los seguidores incondicionales de la banda que facturó el legendario Bergtatt hace más de 20 años.

 

Como ya he dicho, el carácter más arriesgado y experimental de la banda sigue latente en su última obra destacando soberanamente el segundo corte del disco llamado Rolling Stone, en el que más allá de los 5 minutos iniciales se extiende hasta los 9 minutos y medio en una demostración descomunal de experimentación musical dentro del propio carácter del disco, y octavo y último tema titulado Coming Home, otra barbaridad sonora impresionante. Sin que sea exactamente lo esperado, por mucho que nunca sepas a lo que atenerte con ellos facturar un disco de estas características es altamente sorprendente, The Assassination Of Julius Caesar es otra maravilla más a añadir a la holgada lista de obras imprescindibles con la que cuenta Ulver.

Puntuación 9 

lunes, 29 de agosto de 2016

CRYSTAL CASTLES (2016) Amnesty (I)


Si he de ser sincero, nunca he casado con el rollo electrónico festivalero que han practicado los Crystal Castles en sus tres primeros discos autotitulados. Incluso llegué a verlos  (aguanté tan sólo un par de temas) en un Primavera hace unos años y confirmé mis sospechas, en directo eran aún peores. Aunque tengo que admitir que el hitazo "Not In Love" interpretado por el inmortal Robert Smith está fuera de toda duda, no ha sido hasta degustar a conciencia este recién estrenado Amnesty (I), primer disco no autotitulado del dúo que estuviera formado por Alice Glass y Ethen Kath, que he caído en la cuenta de su impactante y brutal calidad musical.

 

No voy a decir que toda la culpa la tenga ella, Ethan Kath es desde siempre el cerebro del dúo y el único compositor musical del mismo, pero ha sido sustituir a la chillona Alice Glass de las vocales del combo (quien ha salido por voluntad propia para perseguir su carrera en solitario) por la enigmática Edith Frances y entrar de cabeza en ellos como si de una nueva banda se tratara encumbrándolos hasta lo más alto con este ultra-progresivo y mega-experimental Amnesty (I).


Y no es que la Frances le haya comido el terreno a la Glass para nada, la voz de Frances tiene mucho menos protagonismo en las composiciones de Kath que el que tuvo la Glass en sus días, pero es innegable que tanto las texturas vocales conseguidas, muchas de ellas por debajo de la mezcla con un carácter fantasmagórico y misterioso, como las emociones que transmite el ideal registro de la Frances, tomando formas etéreas y frágiles, concectan mucho mejor con las composiciones arriesgadas de este Amnesty (I) en el que la magistral interpretación de Edith Frances supone una baza a tener muy en cuenta en la nueva configuración del dúo.

Puntuación 8 

jueves, 28 de abril de 2016

LE MATOS (2015) Chronicles From The Wasteland / Turbo Kid OST


Y como no podía ser de otra manera, hoy toca presentar al compañero de viaje perfecto para después de visionar la entrañable Turbo Kid, de la que ya comenté en mi blog hermano Melting Man. Hablamos de su grandiosa banda sonora creada por el dúo de synth-wave experimental de Montreal llamados Le Matos, un dúo que, a poco que empiecen a salir del país de las antípodas, debería convencer a la, cada vez mayor, parroquia electro ochentera internacional. Si hablamos de Carpenter Brut, NightSatan o Nightcrawler como algunos de los pilares más destacables del movimiento, ahora debemos añadir sin rechistar a Le Matos, imprescindibles.

Dividia en dos partes diferenciadas, la primera consta de 10 temas inspirados en la imaginería y la estética retro de la película y funciona como un disco largo de synth-wave al uso sin necesidad de estar acompañado de la película, y en la que nos encontramos con una variedad de samplers ochenteros que exponen las bases del movimiento impuestas por el maestro John Carpenter en su día, de la misma manera que nos encontramos con retazos impagables de electro pop inlcuidos en la mezcla de manera magistral. Valga la muestra de No Tomorrow, el tercer tema, interpretado por Pawws, como prueba irrefutable de mis afirmaciones.

 

La segunda parte es una holgada colección de 40 composiones derivadas directamente de la banda sonora de la película. Interesante como acompañante, disfrutable también no nos vamos a engañar, pero es indudable que su primera parte compuesta como inspiración es altamente superior como disco, más sólido y más dinámico que la propia banda sonora. Supongo que será tan imposible hacerse con la banda sonora en vinilo como ver a la banda en directo interpretarla. Por el momento seguiremos disfrutando como un niño con bicicleta nueva del bandcamp de la banda sonora.
 

martes, 15 de julio de 2014

MANDO DIAO (2014) Aelita


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Para ser sinceros, ya tan sólo con su portada la cosa pinta muy diferente, la primera escucha que le he dado al nuevo disco de los suecos Mando Diao me ha dejado absolutamente helado y de una pieza. No me lo esperaba, y mucho menos después de ese introspectivo y personal Infruset del 2012 que los apartó contundentemente del candelero gracias a un disco que se pronunciaba directamente en sueco, como todas sus composicones, y que los alejaba sobremanera de los hitazos instantáneos que consiguieron con el monumental Give Me Fire del 2009.

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La cuestión es la siguiente, y sí, se pueden asustar ya, el rock añejo de olores a barrica de los 70 y aunténticos ramalazos de brit-pop que practicaba el combo sueco ha sido completamente disipado en sustitución de unas composiciones que trabajan desde un punto de vista totalmente digital, hay guitarras pero muy filtradas para que hasta ellas suenen digitales, y que beben directamente del synth-pop de los 80 sin complejo ninguno. ¿Esto es bueno o es malo?, según se mire, o según quien lo escuche, para ser exactos.

 

Supongo que la primera impresión, generalizando, será bastante parecida a la mía, una mezcla de curiosidad y rechazo que va desapareciendo a medida que la curiosidad va en aumento y el rechazo se convierte en algo así como una resignada aceptación. El disco mola, de eso no hay duda aunque, no es que sea excesivamente bailongo tiene ese rollo electrónico introspectivo que lo hace aún más interesante, pero he de reconocer que a mi me ha conquistado, me ha costado, pero lo ha hecho, vocoder incluído.

jueves, 20 de febrero de 2014

DEVO (1984) Shout

Hoy nos hemos levantado con la triste noticia, algunos nos fuimos a dormir con ella, de la muerte de Bob Casale a la pronta edad de 61 años. Bob era de sobra conocido por su faceta de guitarrista y teclista en la banda de synth-pop y new-wave Devo, pioneros en los sonidos electrónicos aplicados al pop y a las pistas de baile, aunque también gozaba de cierto prestigio como ingeniero de sonido. Su hermano Gerald también milita en los Devo.

 

Seguro que a la mayoría de sus fans este les parezca uno de los discos menores de la bandas, los dos anteriores a este Shout han quedado como sus mejores discos y demayor aceptación por parte de crítica y público, pero yo tengo que admitir que tengo cierta debilidad por lo sintético de este Shout. Es el primer disco de Devo en el que el 100% de los instrumentos son digitales y abrieron brecha en el synth-pop de manera más contundente que hasta el momento.

 

Bob siempre fue una de las personalidades más destacadas del grupo y uno de los teclistas y guitarras más importantes de la escena electro-pop. Hoy el pop universal llora por la pérdida de Bob Casale. Os pongo un link con toda la discografía de la banda para descargar desde el Torrent.

miércoles, 28 de marzo de 2012

CHROMATICS (2012) Kill The Love


Hoy vamos con algo gordo, gordo, de verdad, atentos todos por que estamos ante uno de los discos más impresionantes y disfrutables en lo que va de año y posiblemente, ahora mismo, posicionado en lo más alto del podio de las Píldoras en cuanto a discos positivos se refiere. Mi amor por los Chromatics surgió a raíz de mi amor por una película, y eso me ha marcado de por vida. Drive fue, sin lugar a dudas y con una diferencia abismal sobre el resto, mi película favorita del pasado 2011 y, su banda sonora, la mejor también con diferencia sobre todas las demás que escuché durante ese año.


En ella nos encontrábamos con una colección inigualable de composiciones instrumentales a cargo del prestigioso Cliff Matinez dotadas de un dinamismo y una conjunción incomparable con las imágenes digna de un maestro, pero también contenía unos cuantos cortes cantados escogidos para la ocasión por el propio Refn, y fueron esos los que realmente me hicieron caer rendido a sus pies, desarmado ante tal alarde de calidad y sofisticación. Entre ellos se encontraba un tema llamado Tick Of The Clock a cargo de unos, para mi, desconocidos Chromatics de los que me enamoré inmediatamente.


Pues bien, llegando al meollo de la cuestión, Chromatics son un cuarteto de Oregon, comandado por la preciosa Ruth Radelet, al que le sienta a las mil maravillas vestirse de synth-pop melancólico y profundo de oscuras ensoñaciones y con cierta predilección por el post-punk de los 80, del cual recogen sin remilgos sus luminosos sintes y ese aire de pesimismo romántico que tan bién supieron explotar bandas como Joy Division, no os vayáis a pensar que estamos ante otro clon de los de Manchester por que no es así ni de lejos.


Derritiendo corazones como pocas, la voz de Ruth penetra sin compasión en tus sensibles fibras para hacerlas llorar desde lo más profundo, ya sea de emoción o de tristeza, acompañada por la sofisticación y la calidad hecha banda. La comunión entre voz y música en su máxima expresión representada a lo largo y ancho de 17 temas, repartidos en un doble LP, de los que no sobra ni uno y del que, por supuesto, estoy totalmente obligado a pillarme una copia en vinilo. Empezar un disco con una versión, totalmente llevada a su terreno, del cásico de Neil Young Into The Black y salir victoriosos de ello es un comienzo simple y llanamente impensable.

miércoles, 7 de septiembre de 2011

ICON FOR HIRE (2011) Scripted


Sin hacer demasiado ruido pero con un debut bajo el brazo que estoy seguro que mucho dará que hablar, démosle su merecido tiempo para esparcirse a éste jugoso Scripted y estoy seguro que se harán con una holgada parroquía de teenagers enfadados con sus padres dispuestos a rendir pleitesía a sus nuevos ídolos rockeros, los recién descubiertos Icon For Hire se han alzado automáticamente con el título de mejor disco teenager del año, un preciado trofeo concedido gracias a la inestimable aportación de .Píldoras Musicales Corp.


El juvenil trío está formado por la angelical voz de Ariel (mi nueva teenage-idol), el guitarrista Shawn Jump y el batería Adam Kronshagen y lo suyo poco o nada tiene que ver con lo que pueda parecer a primera vista. El combo por supuesto debe, y mucho, a mis amados Paramore, los registros y tonalidades que sostiene Ariel a lo largo del disco están directamente robados de la insuperable Haley, pero se les tiene que reconocer la capacidad de añadirle algunos elementos extras a la mezcla desmarcándose de esta manera de sus compatriotas cuanto menos en el plano musical.


Afincados en un sello plagado hasta la bandera de bandas cristianas como es Tooth And Nail era de esperar que sus letras tuvieran algun tipo de mensaje juvenil y concienciación y eso también los situa por encima de la mayoría de insulsas copias de los de Haley que han ido surgiendo durante estos últimos años. Con una producción impecable y unos sintetizadores que hacen de ellos un diamante a descubrir voy a seguir derritiéndome a vuestra salud, o a la mía, ja ja ja.

martes, 30 de agosto de 2011

HOUSSE THE RACKET (2011) Alésia



Housse The Racket son un dúo de synth-pop con ramalazos indie-rock que ya nos pusieron sobre aviso el pasado 2010 con su muy interesante Forty Love con el que conquistaron los corazones de los indies más sintéticos exponiendo sobremanera su apasionada devoción por los sintes ochenteros y los sonidos edulcorados sin que por ello tuviéramos que sufrir una subida de azúcar de aquellas que acaban empalagando las obras de este estilo en muchas ocasiones, un muy buen equilibrio entre guitarras y sintes a la vez que melodías y atmósferas.





Tan sólo un año después Pierre Leroux y Victor Le Masne vuelven bajo el sello Kitsuné para hilvanar de nuevo sus influencias bajo su personal prisma con el que conseguir un producto que ya consta de una marca de la casa. Sus aproximaciones a la escuela inglesa del pop ochentero y ese irremediable sabor francés se funden cual nata y chocolate en uno de los discos más deliciosos y creativos en lo que llevamos de año.





Poniéndole un especial énfasis en las atmósferas y cuidando al milímetro las enormes melodías que destila el disco este Alésia es la contundente confirmación de que el dúo Housse The Racket bien podría ser el revulsivo perfecto para unos Air a día de hoy muy descafinados y unos Daft Punk en horas muy muy bajas, tomando el trono por derecho propio.

viernes, 5 de agosto de 2011

LOVE INKS (2011) E.S.P.


Y para finalizar la semana de las féminas, el Sábado toca cambio de tercio radicalmente, hoy os traigo uno de esos discos que suelen pasar desapercibidos para muchos pero que poco a poco y gracias al boca a boca, o en este caso podríamos decir de blog a blog, este discreto trío formado por Adam, Kevin y su vocalista Sherry se están posicionado cómodamente entre lo mejor del año. Convertidos de la noche a la mañana en uno de mis más obsesivos descubrimientos del año llegan desde Texas arropados por una producción extremadamente minimalista y su calidad, rebosante de calidez y calma, queda sobradamente plasmada en estos directos y efectivos 10 cortes sin necesidad de llegar a la media hora.


Con una clara devoción por los sonidos del pasado sus guitarras, de una delicadeza sublime, beben clamarente del sonido surf y sus sintetizadores, deudores del synth-pop de los 80, elevan la simpleza a la categoría de ensoñación transportándonos irremediablemente al claroscuro mundo de los Love Inks perdiéndonos en sus maravillosas y adictivas melodías. Alternando con mucho gusto canciones más dulces con otras más amargas la melancolía y el romanticismo es algo inherente en el ambiente de principio a fin.


Me gustaría dar las gracias desde aquí a mi Osito favorito que de nuevo a vuelto ha dar en el clavo con este E.S.P.. Sus magníficas recomendaciones, a las que me remito diariamente en busca de ese diamante en bruto, siempre me hacen ponerme de buen humor esbozando una sonrisa en mi cara bobo, gracias y no te canses nunca bro!!!.

miércoles, 1 de junio de 2011

FRIENDLY FIRES (2011) Pala

Los ingleses Friendly Fires me parecieron uno más del montón cuando hace un par de años se enterraron ellos mismos facturando un pasable debut que no brillaba lo suficiente entre tanto niño airoso tocando más de lo mismo, pero por suerte, y de nuevo gracias a la habilidad del Spoty para colarte grupos similares a los que escuchas, volvieron a picar mi curiosidad después de hipnotizarme con su colorida portada y ese nombre tan original para un álbum, Pala es toda una experiencia digna de ser vivida en su totalidad.


Los cálidos ritmos caribeños y tribales se han apoderado graciosamente de las composiciones del trío regalándonos un paisaje sonoro digno de la mejor playa del Caribe a media tarde con los mojitos en la mano y estos pepinazos hyper-bailables de fondo para animar la fiesta. Un lujazo de campeonato el que se pegan a los largo del disco jugueteando con las voces y los samplers impregnando tus sentidos de una dulce sabor refrescante y adictivo que acaba apoderándose de tus movimientos poniéndote a bailar inevitablemente.


Es curioso por qué el nombre del disco viene de una novela de Aldou Huxley en la que un periodista naufraga en una isla de utópica sociedad llamada casualmente Pala, y os puedo garantizar que el disco coge ese sentimiento isleño y festivo, que tan bien dicen representa la novela, y lo traslada a sus composiciones llegando a convertirse en el complemento perfecto para una vaciones de verano en una paradisíaca playa tropical.

jueves, 28 de abril de 2011

PANIC! AT THE DISCO (2011) Vices & Virtues


Volviendo a mis escondites más flojeras y ñoños hoy vengo con lo último de los Panic! At The Disco, o cuanto menos con lo poco que queda de ellos, venidos a dúo después de la desbandada colectiva una vez comprobado el batacazo comercial que se dieron con su anterior redondo. El vocalista Brandon Urie y su inseparable batera Spencer Smith son los únicos artífices que figuran en los créditos de este delicioso, aunque sea tan sólo por unas semanitas, Vices & Virtues.


Sin querer volver a los experimentos beatleianos de su anterior álbum y una vez pasada la excitación de la puvertad los nuevos Panic!, quiénes han decido recuperar su gracioso signo de admiración para su actual encarnación, han querido tirar por la vía rápida y parir un discazo lleno de hitazos chiclosos capaces de enternecer a una jauría de lobos hambrientos poniéndolos a bailar como nenazas al ritmo de pepinazos de la talla de Hurricane, uno de los momentos álgidos del disco.


Sin complicarse demasiado la cosa y asumiendo desde un principio que estamos ante una obra de consumo rápido y voraz hay que admitir que éste Vices & Virtues goza de una agradable frescura gracias sobretodo a la recuperación de esos ritmazos futuristas de teclados bailables a la vez que conserva la clase y el nivel compositivo expuesto en su incomprendido segundo disco del que han aprendido a sonar como verdaderos músicos y no simplemente como un paquete sonoro atractivo. Encontrando un equilibrio casi perfecto entre su faceta más bailable y su otra más seria y melódica P!ATD nos presentan un disco lleno de armonías impresionantes y momentos de épica desatada coreables hasta la saciedad envolviéndolo todo en una delicada y fina atmósfera de pop meloso (o incluso empalagoso para algunos) que funciona a las mil maravillas.

viernes, 21 de enero de 2011

THE GET UP KIDS (2011) There Are Rules


Seguimos afianzados en el 2011 con el estreno de uno de mis discos más esperados para este año, lo último de los resucitados The Get Up Kids. Abanderados del sonido emo de finales de los 90 y con una corta pera intensa carrera a sus espaldas después de 6 años en silencio el pasado 2010 fueron los protagonistas de uno de los regresos más esperados de la escena que culminó en una gira por todo lo alto que los trajo por tierras españolas protagonizando uno de los conciertos más intensos que recuerdo en los últimos años plagado de temazos incontestables de sus viejos discos, un momento que recuerdo con mucho cariño.


Pero como estaba previsto, ya nos hicieron un pequeño adelanto en el Ep con el que regresaron al circuito, no se puede vivir siempre del pasado y más aún cuando los tiempos pasados fueron representativos de un momento y una escena que ahora mismo ni existe de la misma manera y en la que de ninguna manera podrían encajar unos ya creciditos, todos pasan sobradamente de la treintena, Get Up Kids.


Con un marcado sonido lo-fi y totalmente desprovistos de cualquier arma pueril, exceptuando ese registro tan característico de Matt Pryor que nos sigue recordando a los años mozos de la banda, se pude decir alto y claro que los de Kansas han madurado su sonido al máximo hasta dar incluso la sensación por momentos de no estar escuchándolos a ellos del radical cambio al que han sometido a su estilo. Nada de baladas gritonas con subidones y bajones que ponen la piel de gallina, nada de coros emblemáticos y estribillos de esos para cantar hasta reventar, aquí ya no queda nada de eso.


Tengo que admitir que mi primera sensación fue de rechazo pero una vez superada la fase de reconocimiento y ponernos en la situación de unos pavos que han crecido tanto en lo personal como en lo musical durante estos 6 años tengo que decir que les ha quedado un disco de lo más notable. Aires post-punk y de pop de laboratorio circulan entre los temas ayudados en muchos momentos por unos sintetizadores oscuros y de marcado protagonismo que lo convierten todo en un amasijo de pop sintético aderezado con alegres ritmos de guitarra y una atmósfera positivista y vitalista que lo impregna todo funcionando a las mil maravillas. Un disco a descubrir poco a poco y con paciencia, si le das una oportunidad seguro que te cautivará.

lunes, 2 de agosto de 2010

ARCADE FIRE (2010) The Suburbs



Pues nada, ya estoy de vuelta después de mi semanita en la montaña disfrutando de mi familia y la naturaleza, de los animales y el aire puro, de la piscina y el riu Segre, de los Castillos medievales y sus historias guerreras, de las buenas barbacoas y las lecturas a la luz de la luna, un verdadero disfrute os lo garantizo, pero como siempre todo llega a su fin y hoy comienza de nuevo mi jornada laboral. Con las pilas mínimamente recargadas (una semana de relax tampoco es tanto después de un añito bastante duro) y la promesa de volver mucho más positivo e iluminado en cuanto al aspecto musical se refiere, hoy me he decido por lo nuevo de los canadienses Arcade Fire y su recién estrenado The Suburbs. Aprovechando que a finales de año nos harán unas cuantas visitas a lo largo y ancho de la geografía española y que le prometí a mi hermana Aina que se lo colgaría hace unos días cuando volvíamos del conciertazo de los Get Up Kids, aquí lo tenéis para vuestro uso y disfrute.


Después de plantarnos ese maravilloso debut en 2004 titulado Funeral, con el que consiguieron incluso una nominación a los premios Grammy del 2005 y se convirtieron en la nueva banda preferida de los indies más culturetas y los revisteros gafapasteros, y tres años después volver de nuevo a la palestra con el "experimental" Neon Bible y sus reverberaciones sonoras de aires eclesiásticos, (bajo mi punto de visto uno de los discos indie más originales de la pasada década) que me conquistó de manera inesperada gracias a su delicada oscuridad y sus enigmáticos efectos vocales, hemos tenido que volver a esperar tres años más para poder disfrutar de nuevo de la calidad compositiva de los hermanos Butler y compañía. Lentos pero seguros, han conseguido facturar un disco con la friolera de 16 temas en los que todos y cada uno de ellos brilla con luz propia y que juntos conforman el mejor disco de los Arcade Fire hasta la fecha con diferencia, aunque seguro que más de uno se me lance a la yugular con ésta afirmación.


El alma de The Suburbs, al parecer inspirado en los suburbios de Texas, reside en ese sentimiento entrañable que recorre todo tu cuerpo desde el principio al final del disco, eso es lo que más te marca cuando lo escuchas por primera vez, como si todo te pareciera de algún modo familiar y cercano aunque dotado de ese algo especial que lo convierte en único e inimitable, puede parecer algo contradictorio pero es esa sensación de emociones cruzadas lo que más me ha atraído en las primeras escuchas.

La personalidad que le imprime a las canciones la voz de Win con ese registro deudor de un jovencísimo Neil Young como en la primera The Suburbs, esas recargadas instrumentaciones de teclados y violines que supuran emoción perfectamente plasmadas en Rococo, la dulce y aniñada voz de Regine que te lleva por bellos e iluminados parajes en Half Light, ese sentimiento rock de raíces al más puro estilo del Boss en City With No Children ejecutado a dúo por el matrimonio Regine-Win, ese rollito punkie que llevan en Month Of May con un Win de lo más chulesco o los aires electrónicos de Sprawl II o Half Light II son algunos de los mejores momentos de ésta deliciosa paleta multidisciplinar de estilos, colores, sabores y texturas en la que todo encaja de manera mágica sin tener demasiado en común entre si. Supongo que hay que escucharlo para entender lo que digo, pero lo que si es seguro es que han querido naturalizar mucho más su sonido consiguiendo de éste modo una mayor facilidad para el oyente, después de esa rara avis llamada Neon Bible que mejor que un disco sencillo y fácil de digerir como éste apoteósico The Suburbs, del que estoy seguro que correrán ríos de tinta.

miércoles, 17 de marzo de 2010

GOLDFRAPP (2010) Head First

Y para romper un poco con toda esa avorágine de metal con la que os estoy dando la chapa últimamente (solamente a algunos claro) hoy vengo con algo realmente refrescante y bailongo para poner patas arriba al personal con el festival electrónico que supone este entretenido Head First, tengo que decir que es el primer disco de Goldfrap desde su insuperable debut Felt Mountain que he disfrutado sin prejuicios. Bajo mi punto de vista, el desmarque que se pegó de la electrónica de carácter trip-hopero de su debut a los límites mucho más comerciales derivados del house y el dance más superficial por los que se mueve ahora fue un batacazo del que todavía no me he recuperado. En sus siguientes obras no consiguió engancharme para nada e incluso me causó un rechazo radical a todo lo que esta mujer iba editando.

En este Head First no nos vamos a encontrar ninguna sorpresa en cuanto a sonido, esto sigue siendo más de lo mismo, electrónica bailable con estrillos pop a mansalba en la misma tónica de sus últimos discos, pero sorprendentemente esta vez ha subido el nivel de manera bárbara, o por lo menos eso me ha parecido a mi. Los temas son absolutamente luminosos y molones, tienen cierto desparapajo sonoro que le va como anillo al dedo a la sensual voz de Alison y el trabajo de su compañero en la sombra Will Gregory a los samplers y demás delicatessen futuroides es absolutamente impecable.
Siempre que ésta mujer saca disco acudo ansioso para volver a comprobar tristemente que no ha recuperado la auténtica magia que desprendía su debut, pero tengo que admitir, que aunque sea de una manera un tanto superficial, ésta vez he quedado satisfecho, a lo mejor ya he superado la fase de duelo por el Felt Mountain (ese disco me marcó de una manera brutal) y por fin voy a poder disfrutar (a otro nivel, por supuesto) de lo que esta inglesa es capaz de ofrecerme, veremos si mantengo el interés en el disco después de unos días...por ahora lo estoy disfrutando un montón.

Lamentablemente el vídeo del primer single Rocket, tema que además abre el disco, no han dejado colgarlo en ningún sitio no oficial, por tanto sólo puedo dejaros el link al youtube para que podáis degustar a la Allison Goldfrapp más macarra y camionera de la historia, She Is A Hot Rocket!!! , a bailar peña...

P.D.: Seguro que éste me trae problemas con el puñetero Sheriff, ya lo veréis...

PARA QUE NO PARES DE MOVER TU CU-CU.

miércoles, 24 de febrero de 2010

NAJWA (2010) El Último Primate (CORREGIDO)

Hoy ha salido a la venta uno de los discos más deseados (por lo menos para mi) del año, Najwa Nimri ya tiene en la calle su Último Primate y como no podía ser menos este mediodía he ido raudo y veloz a pillármelo sin falta, cuando voy a comprar un disco concreto (normalmente voy a echar un ojo a ver que encuentro) se convierte en un ritual emocionante, primero confiar en que cuando llegues estará en la estantería, segundo que el precio no sea demasiado abusivo, tercero que el art-work y el packaging sean por lo menos atractivo y finalmente que la obra en cuestión te guste, pues bien concretamente este Último Primate pasa con nota todas las fases del ritual y además sobrepasa con creces todas las espectativas que tenía puestas en él, gracias de nuevo Najwa!!!, esta mujer es que no falla ni queriendo.

Lo primero que tengo que decir para que quede claro es que soy un fan absoluto de esta mujer en todas sus facetas, ya sea formando tándem con el fantabuloso Carlos Jean (Najwajean), en sus aventuras en solitario (Najwa) o poniendo su magia al servicio de la cámara, esta mujer es una auténtica Diosa.

Después de tocar el cielo de la manera más deliciosa con su anterior Walkabout (2006) y de volver a las andadas con ese proyecto compartido llamado Najwajean y regalarnos uno de los discos más rockeros que ha facturado el dúo hasta la fecha, el impecable Til' It Breaks (2008), por fin podemos disfrutar del ansiado nuevo disco de esta misteriosa musa.

La primera sorpresa que nos encontramos es el siniestro art-work apoyado casi al cien por cien en el blanco y negro, tan solo con la portada ya podemos imaginar que el camino no va a ser fácil, este no es un disco luminoso y positivo, el libreto que acompaña el cd va muy acorde con la atmósfera oscura del álbum y es muy apetecible tenerlo en las manos mientras escuchas el disco para impregnarte aún más de esa sensación de tristeza y malestar que flota en el ambiente, temas como la inicial Siento el Diablo En Mi o la cuarta Me Tiene Que Doler son la desesperanza hechas canción. Después del shock inicial que tenemos con el art-work pasamos al segundo bofetón con la mano abierta, finalmente Najwa ha dejado la lengua de Shakespeare para deleitarnos los oídos en nuestra lengua madre, en este momento creo que no hay nada que me haga más feliz (musicalmente hablando por supuesto) que poder disfrutar de la preciosa voz de esta mujer en castellano, de nuevo me quito el sombrero ante los grupos nacionales que deciden seguir adelante con la conversión de sus letras al español sin ningún miedo, se agradece no sabéis cuanto. Y la tercera sorpresa que me he llevado en el álbum son las letras, en principio pueden parecer ideas sin sentido puestas en un papel sin ningún orden, pero en cuanto se ven envueltas en el halo de misterio que propaga la música y se impregnan de esa extraña sensación que emana de la voz de Najwa todo encaja a la perfección sin ni siquiera tener que encontrarle un sentido concreto, (todo esto lo entenderéis mucho mejor cuando escuchéis el disco ja ja ja), yo he quedado totalmente rendido a sus pies con frases tan incómodamente bellas como "el viento pasa enreda en mis entrañas, tengo marfil por costillas en la garganta arañas" o esas siniestras estriofas casi poéticas como "entre tanto esqueleto no estoy a salvo, mucho más viva que muerta y huele peor cada vez, un millón de aplausos en medio de la nada, he nacido en la niebla y vivo nublada". Os pongo el link del vídeo del tema que le da nombre al disco para que os hagáis una idea de por donde van los tiros... NAJWA - El Último Primate - Vídeo Oficial HD.

Supongo que será la emoción del momento pero ahora mismo me parece el mejor disco del año, un 10 para la nueva piel de Najwa Nimri, a mi me ha dejado totalmente enganchado por la vena, lo he escuchado como 8 veces seguidas y cada vez lo disfruto más y más y quiero más y más, esto es una absoluta gozada. Para los que se puedan desplazar a la sala Bikini este Viernes 26 de Febrero os puedo garantizar que va a ser una experiencia inolvidable (y yo no voy a poder ir por curro, buuuuuua), no os la perdáis.

Dedicado especialmente a Juanrra, Tillo, Moro, Gem y por supuesto a Magli, quiero comentarios señor@s, esto es para cortarse las venas...

PARA CORTARSE LAS VENAS... (CORREGIDO, HABÍA PUESTO EL DE LOS PUNSETES, SORRY, SOY UN PUTO EMPANAO, GRAX KARBA).